Gamereactor Deutschland

Eine kurze Geschichte von Sword of Sodan – die erste wirklich große dänische Spielveröffentlichung

palle@gamereactor.de (Palle Havshøi-Jensen) — Thu, 09 Apr 2026 13:00:00 +0200

Das Hack-and-Slash-Actionspiel Sword of Sodan wurde erstmals vor 38 Jahren auf dem Commodore Amiga veröffentlicht und kann wahrscheinlich als das erste wirklich große Spiel aus Dänemark bezeichnet werden. Hinter dem Spiel standen drei dänische Jungs, die gemeinsam Discovery Software gründeten. Die Männer dahinter waren Søren Grønbech (Programmierer), Torben Bakager (Designer) und Julian Lefay (Komponist).

Screenshot von MobyGames.

Sword of Sodan unterschied sich in vielerlei Hinsicht deutlich von anderen ähnlichen Spielen jener Zeit, aber einer der Aspekte, an die sich die überwiegende Mehrheit derjenigen erinnern wird, war seine wirklich bahnbrechende Grafik. Es mag etwas abgedroschen klingen, aber es enthielt riesige, gut animierte und gut gestaltete Charaktersprites, die in starkem Gegensatz zu den kleinen Charakteren aus anderen Spielen von 1988 wie Contra, Super Mario Bros. 2 und Barbarian 2 standen. Sword of Sodan zeigte Charaktere, die bis zu 50–80 % der Leinwandgröße ausfüllten – etwas, das man noch nie zuvor gesehen hatte, was dem Spiel für seine Zeit fast ein filmisches Gefühl verlieh.

Das Spiel wurde erstmals auf dem Commodore Amiga veröffentlicht und blieb nach dem Start in den nächsten sechs Monaten auf den meisten Top-10-Verkaufscharts und verkaufte sich etwa 55.000 Exemplare – eine beeindruckende Zahl, besonders für ein Spiel, das auf einer einzigen Plattform verfügbar ist. Das Spiel erhielt außerdem eine Auszeichnung als "Arcade Game of the Year" beim "Software Oscar 1988" vom Commodore Magazine. Das Spiel war daher ein großer Erfolg.

Screenshot von MobyGames.
Screenshot von MobyGames.

Für die drei Jungs hinter dem Spiel war jedoch der Himmel nicht unbegrenzt, und Grønbech und Bakager erklärten später in einem Interview, dass sie zwar während der Arbeit an dem Spiel ihr Gehalt vom Publisher Innerprise Software erhielten, aber nie den versprochenen Prozentsatz der verkauften Verkäufe erreichten und daher die Vorteile des Spielerfolgs nicht wirklich spürten.

Zwei Jahre später wurden die Rechte an Sword of Sodan an Innerprise Software in den USA verkauft, und sie planten, das erfolgreiche Spiel auf verschiedene Plattformen zu portieren; dies führte unter anderem zu einer stark herunterskalierten Version für den Sega Genesis. Die großen, markanten Sprites waren verschwunden (sie waren größer als in den meisten anderen Spielen, aber etwas kleiner als beim Amiga), die Grafik wurde im Allgemeinen erheblich heruntergegradet, und es wurden mehrere Änderungen am Gameplay vorgenommen. Unter anderem griffen Gegner nun von beiden Seiten des Bildschirms an (und nicht nur von rechts oder von vorne), was das Spiel unglaublich frustrierend schwierig machte, und die 11 Level des Originals wurden auf 8 reduziert. Einige davon waren ganz entfernt worden, andere wurden zu neuen Ebenen zusammengeführt.

Die Sega Genesis-Version wurde von Electronic Arts in den USA und Europa sowie von Sega in Japan veröffentlicht und von mehreren Magazinen als eines der schlechtesten Spiele aller Zeiten gefeiert. Der Port funktionierte überhaupt nicht, und mehrere Medien und Gaming-Communities haben unter anderem über die Genesis-Version berichtet: "Es war echt schlimm. Es war so schlecht, dass man es sich fragen kann, warum die Entwickler auch nur eine Sekunde dachten, dass dies zumindest ein akzeptables Spiel sein könnte, geschweige denn ein gutes." 1993 wurde das Spiel erneut von Bethesda Softworks auf Apple Macintosh System 7 (auch bekannt als Mac OS 7) portiert. Es gibt nicht viele verifizierbare Informationen über diese Version, aber sie soll eher der Amiga-Edition entsprechen, obwohl der Klang eingeschränkter war.

Screenshot von MobyGames.
Screenshot von MobyGames.

Währenddessen wechselten Grønbech ein wenig zwischen verschiedenen Aufträgen, da das Schwert von Sodan für sie gut gewesen war. Bakager war ein gefragter Designer und übernahm verschiedene Projekte für verschiedene Firmen, während Grønbech unter anderem an der Programmierung des Maskottchens Hugo beteiligt war, an den sich manche vielleicht aus den frühen Jahren von TV2 erinnern.

Das dritte Mitglied, Lefay, war in die USA gezogen und begann als Entwickler bei Bethesda Softworks zu arbeiten, wurde schließlich Chief Engineer mit Verantwortung für die gesamte Softwareentwicklung des Unternehmens. Er arbeitete an Titeln wie Dragon's Lair, The Elder Scrolls, The Terminator und Wayne Gretzky Hockey, doch leider starb Lefay (geboren als Benni Jensen) im Sommer 2025 im Alter von 59 Jahren an Krebs.

Nach einiger Zeit kamen Grønbech und Bakager, die nun Mitte 20 waren, wieder zusammen, um an der unvermeidlichen Fortsetzung zu arbeiten, nämlich Sword of Sodan 2. Es ist unklar, ob Lefays Position bei Bethesda in den USA etwas damit zu tun hatte, aber Bethesda Softworks stand hinter der Finanzierung des Spiels und das Unternehmen beabsichtigte, es als Sprungbrett in den skandinavischen Markt zu nutzen. Folglich blieben Grønbech und Bakager in Dänemark, anstatt in die USA gebracht zu werden, während sie an Sword of Sodan 2 arbeiteten. Also saßen sie in einer Villa in Brønshøj, direkt außerhalb von Kopenhagen, während sie an der Fortsetzung ihres großen Erfolgs arbeiteten, aber leider wurde das Spiel nie beendet. Discovery Software ging bankrott und damit war die Geschichte von Sword of Sodan zu Ende.

Oder so würde man denken. Nach vielen Jahren der Stille wurde Sword of Sodan 2 letzten Herbst leise vom italienischen Studio Smallthing Studios angekündigt und ist auf dem Weg für Konsolen und PC. In einem Interview mit IGN Italien sagten sie, sie hätten die Rechte an Sword of Sodan direkt von Electronic Arts gekauft und würden nun "eine offizielle Fortsetzung des Originals von 1988" entwickeln.

Es wurde nur ein einziger Screenshot von Sword of Sodan 2 veröffentlicht, und rate mal, die großen Charaktere sind verschwunden und mit ihnen das, was das Original so unverwechselbar und einzigartig gemacht hat. Es sieht eher nach einer neuen Version von Golden Axe als nach Sword of Sodan aus, aber natürlich ist es viel zu früh, ein Spiel anhand eines einzigen Screenshots zu beurteilen. Für Sword of Sodan 2 gibt es noch kein Veröffentlichungsdatum.

Sword of Sodan war wahrscheinlich Dänemarks erster großer internationaler Glücksspielerfolg. Es wurde von drei Jungs aus dem Raum Kopenhagen entwickelt, und alle drei, sowohl vor als auch nach Sword of Sodan, arbeiteten an Spielen wie The Vikings (Commodore 64), Hybris (Amiga), Dragon's Lair (PC), Arkanoid (Mac), The Elder Scrolls (PC) und mehreren Hugo-Spielen.

Seitdem gab es mehrere weitere dänische Erfolgsgeschichten, darunter IO Interactive, Playdead, Ghost Ship Games, SYBO Games, Geometric Interactive, Triband und viele andere, aber Discovery Software, das in einem Haus in Brønshøj ansässig war, gehörte zu den ersten.

Lego Star Wars 75452 BB-8 Astromech-Droide

conny@gamereactor.de (Conny Andersson) — Thu, 09 Apr 2026 09:00:00 +0200

Natürlich gab es einige gute Aspekte an Star Wars: Episoden VII-IX. Einer davon war definitiv der kleine runde Droiden-Neuling namens BB-8. Klar, er ist nicht gerade R2-D2. Aber das Design ist wirklich gut gemacht, und jetzt, wo er in Lego-Form erschienen ist, war ich vor allem neugierig, wie Lego, das schließlich gleichbedeutend mit quadratischen Steinen ist, seine runde Figur erschaffen könnte.

Die Lösung und damit das Ergebnis sind meiner Meinung nach sehr erfolgreich. Der Einfallsreichtum, zwei Hälften zu bauen, die dann übereinandergelegt und verriegelt werden, schafft interessante Bautechniken. Obwohl die vier kleinen runden Abdeckungsplatten mit freiliegenden Noppen wie eine etwas zu einfache Übergangslösung wirken, ist der Gesamteindruck dennoch gut, sobald alles fertig ist.

Natürlich gibt es ein bestehendes Lego BB-8 Set. Die deutlich aus mehr Bausteinen bestehende Version mit der Nummer #75187, die etwas mehr als doppelt so viele Teile enthält wie dieses Set. Ich bin nicht besonders begeistert von solchen Designs, bei denen man sofort alle 'Stecker' sieht, aber selbst diese Version sieht schön aus und schafft es, den runden Korpus auf interessante Weise zu schaffen.

Das alte Modell links und das neue (das ich gebaut habe) rechts.

Wenn man sich das Modell aus der Ferne ansieht, wirkt der Körper, der größtenteils weiß ist und nur wenige orangefarbene Details aufweist, vielleicht nicht gerade wie ein Modell, das Spaß beim Zusammenbauen macht. Aber jeder, der jemals etwas mit Lego gebaut hat, weiß, dass die Oberfläche nur die Spitze des Eisbergs ist. Ich war tatsächlich überrascht, wie komplex dieser Build wirklich war. Die kleinen Rahmen, die man zusammenbaut, um die beiden Hälften des Droiden zu bilden, sind wirklich clever im Design. Der zweite Beutel, der den Rahmen bildet, ist technisch nicht gerade schwierig, hat aber dennoch einige spaßige Elemente, wie zum Beispiel Räder, mit denen sich der Kopf beim Rollen bewegen kann. Dann baut man die andere Hälfte und schließlich den kleinen Kopf, was natürlich sehr zur Persönlichkeit des Droiden beiträgt.

Eine der größeren runden Scheiben vorne kann ebenfalls geöffnet werden, um eine Kralle und eine kleine Flamme zu enthüllen, falls man zum Beispiel die BB-8-'Daumen-hoch'-Szene mit Finn nachstellen möchte. Google es, falls ihr nicht wisst, welche ich meine.

Eine aus Lego und eine ferngesteuerte Kunststoffmodelle.

Wie ihr oben sehen könnt, habe ich ein Foto mit einem ferngesteuerten Modell davon gemacht, und tatsächlich beeinträchtigt die Form des Körpers die Rundheit ein wenig. Vielleicht hätten sie es etwas gleichmäßiger kugelförmig gestalten können, anstatt die Form mit ein paar kreativen Lösungen zu fälschen. Zum Beispiel durch das Anbringen glatter Abdeckplatten über die kleineren runden Scheiben, die nun sichtbare Vorsprünge haben. Oder halbkreisförmige Stücke. Aber insgesamt, wie ich schon erwähnt habe, denke ich, dass es als Ganzes funktioniert.

BB-8 neigt den Kopf zur Seite, wenn man ihn nach vorne oder hinten rollt.

Die einzige wirkliche Kritik, die ich habe, ist, dass der Kopf vielleicht etwas beweglicher gemacht werden könnte. Beim echten Droiden rollt der Kopf quasi in alle Richtungen über den kugelförmigen Körper, während er in der Lego-Version nur nach rechts oder links dreht. Vielleicht hätte der Mechanismus hier etwas ausgefeilter sein können, sodass sich der Kopf auch nach vorne und hinten neigen konnte, eher wie ein separates Teil, anstatt komplett fest zu sein und sich auf das Drehen während der Fahrt zu beschränken.

569 Stücke sind natürlich ein Kinderspiel zusammenzustellen, und der Preis ist für diese Anzahl etwas hoch. Das gilt jedoch für die meisten Lego Star Wars-Sets, die mit wenigen Ausnahmen deutlich mehr kosten als das Standardset. Aber wenn man generell ein Star Wars-Fan ist, möchte man natürlich jeden einzelnen Droiden sammeln, den es gibt. Also werde ich ihn natürlich neben die anderen stellen, die ich gesammelt habe, und er wird so gut aussehen, wenn er dort im Regal steht, inklusive der kleinen Informationstafel.

Unser endgültiges Ranking von DCs Absolute Universe nach 18 Monaten

ben@gamereactor.de (Ben Lyons) — Wed, 08 Apr 2026 11:00:00 +0200

Während Marvel im Film- und TV-Bereich die Oberhand gegenüber DC hat, trifft DC in letzter Zeit die besseren und erfolgreicheren Entscheidungen. Der Unterhaltungsgigant hat kürzlich sein reifer orientiertes Vertigo-Label zurückgebracht und eine neue Schlüsselserie mit Batman in der Hauptrolle gestartet, geschrieben von Matt Fraction, die bereits ein riesiger Erfolg ist. Doch vielleicht ist der bemerkenswerteste und erfolgreichste Versuch von DC in jüngerer Vergangenheit der Start des Absolute-Universums, das eine frische Perspektive auf viele der ikonischsten Helden und Schurken der Marke bietet.

Absolute begann offiziell vor 18 Monaten, als das DC All In Special Anfang Oktober 2024 erschien, das dieses neue Universum mit dem früheren älteren verband, und von da an entwickelte es sich erheblich zu einer Reihe einzigartiger Geschichten, die auf wichtigen Justice League-Mitgliedern basieren. Natürlich leitete Batman das Geschehen ein, aber seitdem wurden wir mit Absolute Superman, Wonder Woman, Flash, Green Lantern und Martian Manhunter bekannt gemacht, mit Plänen, sich im Mai und Juni 2026 auf Green Arrow bzw. Catwoman auszubreiten.

Der Großteil dieses Absolute-Universums ist auf die fünf Justice League-Ikonen aufgeteilt, da die Martian Manhunter-Geschichte eine limitierte Serie ist, ebenso wie der Plan für die Green Arrow- und Catwoman-Arcs. Es gab außerdem eine von Schurken ausgerichtete Absolute Evil-One-Shot-Geschichte und einen kurzen Tie-in zu Absolute Batman namens Ark M Special, sodass das Universum, wie man sieht, bereits ziemlich breit gefächert ist.

Jetzt, da 18 Monate vergangen sind und viele dieser Absolute-Projekte viel Zeit hatten, sich einzuleben und zu wachsen, dachte ich, es ist an der Zeit, das bisher Präsentierte zu bewerten, insbesondere die Batman-, Superman-, Wonder Woman-, Flash-, Green Lantern- und Martian Manhunter-Geschichten, da es zum Zeitpunkt des Erzählens viele Ausgaben gibt. Hier ist also meine definitive Rangfolge des Absolute-Universums von schlecht bis zum besten (auch wenn keine dieser Geschichten schlecht ist, muss trotzdem jemand der 'Verlierer' sein...).

6. Absoluter Green Lantern

Der Grund, warum Absolute Green Lantern ganz unten auf der Liste steht, ist einfach, dass diese Geschichte etwas zu viel Zeit braucht, um Fuß zu fassen, und auch, weil ihr einige der verdrehteren und skurrileren Charakterentwicklungen fehlen, die wir auch in den anderen Absolute-Geschichten finden. Da die gesamte Natur der Absolute-Reihe darin besteht, einzigartige und frische Interpretationen etablierter Helden und Erzählungen zu bieten, kann die in dieser Green Lantern-Geschichte dargestellte Geschichte diese Serie nicht über ihre Mitstreiter hinaus heben. Es gibt zwar einen interessanten Aufhänger, der die gesamte Machtdynamik des Lantern Corps neu erfindet, aber es fehlt der Punch und die fantastische, monströse Natur, wie man sie anderswo findet, weshalb Green Lantern auf Platz sechs kommt.

5. Absoluter Flash

Wie Green Lantern ist auch Absolute Flash eine ziemlich großartige Geschichte, aber sie stolpert in vielerlei Hinsicht ähnlich. Wir finden eine Geschichte, die (ironischerweise) nicht so richtig loskommt wie ihre Konkurrenten und die brutalen und monströsen Verrenkungen der Schurken wie in den anderen Serien deutlich vermisst. Es ist eine gute und interessante Fahrt, aber im Vergleich zu einigen der Schwergewichte, die kommen, kann Absolute Flash einfach nicht mithalten – zumindest in dieser Phase seiner größeren Geschichte und Entwicklung.

4. Absolute Wonder Woman

Ich habe tatsächlich viel Respekt für Wonder Woman und liebe die Figur, weshalb es mir ein bisschen das Herz bricht, die Prinzessin von Themiscyra so tief eingestuft zu sehen. Der Grund, warum Absolute Wonder Woman auf den vierten Platz zurückfällt, liegt einfach darin, dass diese Geschichte ziemlich stark beginnt und seitdem Schwierigkeiten hat, dieses Maß an Nervenkitzel zu halten. Die ersten paar Ausgaben, die Diana als Produkt der Unterwelt und nicht des Olympus vorstellten, bevor sie den ikonischen Amazonenkrieger dem Tetrazid gegenüberstand – ein Ungeheuer, das jeden Mann vor Angst erzittern lässt – waren ein großartiger Start in die Serie. Seit dieser Zeit sind die Ausgaben jedoch weniger katastrophal bedeutsam und haben eine Erzählung geliefert, die nicht ganz die gleiche schlagkräftige Schlagkraft von Ausgabe zu Ausgabe hat wie das, was wir bevorstehen.

3. Absoluter Martian Manhunter

Okay, das ist fast eine kleine Verschnaufpause, eine Auffrischung der Formel, die wir von der Absolute-Reihe erwarten. Absolute Martian Manhunter ist mit Abstand die einzigartigste dieser Geschichten, da sie eine künstlerischere und kreativere Erzählung bietet, die den Helden auf abstraktere Weise neu interpretiert. Er ist weniger actiongeladen als die anderen auf dieser Liste, aber auch der ungewöhnlichste, ein perfekter Geschmacksreiniger in Form einer straffen Geschichte mit bedeutungsvollen Wendungen sowie obskuren und seltsamen Entwicklungen. Es ist ein komischer Ausdruck in großartiger Form.

2. Absoluter Superman

Wenn ich an das Absolute-Universum denke und daran, wie es die größere DC-Welt am besten verzerrt, stechen sowohl diese Geschichte als auch die Abenteuer des Maskierten Kreuzritters für mich hervor. Wir sprechen hier von veränderten Ursprungsgeschichten, die erkennbar, aber einzigartig sind, kombiniert mit zermürbenden Handlungsbögen und bestialischen Schurken, die Doomsday winzig und unbedeutend erscheinen lassen. Absolute Superman ist eine spannende und kraftvolle Geschichte, vollgepackt mit Herzschmerz, Verrat, Verlust und erschütternden Kämpfen. Es ist fast alles, was man sich von einer Man of Steel-Geschichte wünschen kann.

1. Absoluter Batman

Und wenig überraschend steht Absolute Batman ganz oben auf dieser Liste. Keine Serie repräsentiert das Absolute-Format besser als Bats' neueste Abenteuer, in denen Gothams berühmter Beschützer als riesiger Wrack neu interpretiert wird, der einen Bulldozer fährt, eine Axt schwingt und gegen monströs verzerrte Schurken kämpft, die direkt aus deinen Albträumen gerissen wurden. Diese Serie ist herzzerreißend, gewalttätig, furchteinflößend und grausam. Es ist ein Gemetzel. Ob wir nun über einen zwei Meter hohen Batman sprechen, der gegen skrupellose Schläger antritt, einen furchterregenden Mister Freeze, das Überleben schrecklicher Folter, einen Bane so groß wie ein Stadion oder sogar einen Joker, der am ehesten einem Dämon ähnelt – diese Geschichte hat alles. Es ist eine wirklich unverzichtbare Comicserie.

Wie ist also deine Meinung zum Absolute-Universum? Wie würdet ihr diese sechs Geschichten einordnen und welcher Absolute-Arc ist bisher euer Favorit?

Die Welle kommender Masse-Effect-ähnlicher Spiele zeigt, was den Spielern viel zu lange gefehlt hat

alex@gamereactor.de (Alex Hopley) — Mon, 06 Apr 2026 12:00:00 +0200

Wenn es eine Sache gibt, die meiner Meinung nach das Gefühl verkörpert, das Spieler brauchen, um sich in einen neuen Release zu stürzen, dann ist es die Verbindung. Menschen verbinden sich auf ganz unterschiedliche Weise mit Videospielen. Manche brauchen reichhaltiges Gameplay, andere eine tiefgründige Erzählung. Die meisten schätzen eine Mischung aus beidem, wollen aber auch etwas, das sich zugänglich anfühlt. Keine übermäßig komplexen, tabletop-ähnlichen Mechaniken oder übermäßig große offene Welten. Nebenfiguren, die dich fühlen lassen, als würdest du mit echten Menschen Abenteuer erleben, und einen Protagonisten, über den du Meister bist. Viele dieser Dinge findet man in Scharen in den Mass Effect-Spielen.

Der Zugang zum space-opera-ähnlichen RPG-Kern von Mass Effect fühlt sich wie eine Gelegenheit an, die Entwickler schon länger verpasst haben. Ich bin kein Fan davon, andere Franchises direkt zu kopieren, da es Teil eines Trends ist, auf den Erfolg anderer anzuknüpfen, aber wir nähern uns jetzt fast zehn Jahren ohne ein Mass Effect-Spiel, wobei das letzte zum Launch stark kritisiert wurde. Es gibt Platz und Raum für viele neue Namen, die uns eine zusammengewürfelte Crew geben, mit der wir versuchen, zumindest einen Teil der Galaxie zu retten.

Star Wars Zero Company, The Expanse: Osiris Reborn, und Exodus. Etablierte IPs, ein neues und viele verschiedene Spielmechaniken, Ambitionen und Budgets. Doch es gibt eine Sache, die sie alle vereint. Sie wurden beide mit Mass Effect verglichen und haben diese Vergleiche akzeptiert. Ist das Zeitalter der Soulslike vorbei, und ist es Zeit für das Mass Effect-ähnliche? Wahrscheinlich nicht, aber wenn auch nur eines dieser Spiele gut genug ist, um uns an unsere Zeit der Erkundung der Normandie zu erinnern, ist das ein gutes Zeichen für die Zukunft der Sci-Fi-RPGs insgesamt.

Wie ich zu Beginn sagte, ist die Fähigkeit eines Spiels, mit seinem Publikum in Kontakt zu treten, der entscheidende Faktor für den heutigen Markterfolg. Jüngere Spieler neigen dazu, sich gegenseitig zu verbinden, statt mit Mehrspieler-Erlebnissen, aber während die CoD-Lobbys und Fortnite-Saisons vorbeiziehen, lehnen sich die Uncs der Welt lieber mit einem Erlebnis ab, das sie in ihrem eigenen Tempo bewältigen können, indem sie es mit einem Job und einem anspruchsvollen Familienleben ausbalancieren. Hier kann ein Spiel, das ein Erlebnis wie Mass Effect bietet, wirklich glänzen. Eine ähnliche Verbindung zu den Begleitern, Charakteren und der Welt zu schaffen wie die BioWare-Klassiker zuvor, kann einen bleibenden Eindruck hinterlassen, der einem im Gedächtnis bleibt und das Publikum in zehn oder fünfzehn Jahren sagen könnte: "Hey, dieses Spiel ist wie Exodus."

Ich weiß nicht, ob der perfekte Sturm von Mass Effect nachgebildet werden kann. Es lieferte ein originelles, weitläufiges Universum mit tiefgründiger Hintergrundgeschichte und einer wirklich unvergesslichen Besetzung von Nebencharakteren. Das klingt vielleicht nicht allzu schwer, und hoffentlich sollte es das auch nicht sein, aber wir sind heute in der Spieleentwicklung da, wo es durchaus möglich ist, dass KI-Begleiter in ein paar Jahren die Norm sein werden. Zumindest werden sich die drei genannten Spiele nicht dafür entscheiden (auch wenn Owlcat GenAI für The Expanse: Osiris Reborn verwendet). Die Schaffung einer originellen Welt könnte Star Wars: Zero Company und The Expanse: Osiris Reborn schon als echte Mass Effect-ähnliche Elemente diskreditieren, aber erstere versucht, einen kleinen Teil eines größeren Universums und einer größeren Geschichte zu entwickeln, ähnlich wie Warhammer 40,000: Rogue Trader, und letzterer stammt aus einem Universum, das tatsächlich viel Ausgangsmaterial hat, aber dennoch einem breiten, neuen Publikum vorgestellt werden kann. Was die Leute eher dazu bringt, ein Spiel mit Mass Effect zu vergleichen als mit der ursprünglichen Welt, sind die Begleiter des Spiels und die Systeme um sie herum.

Verbindungen, wenn ich es noch einmal sagen muss, sind ein riesiger Bestandteil, um ein Spiel, besonders ein RPG, unvergesslich zu machen. Mit wem kann man diese Verbindungen am besten aufbauen, wenn nicht mit Begleitern? Baldur's Gate III bewies das, genau wie Mass Effect zuvor. Die Selbstmordmission von Mass Effect 2 (die übrigens die beste Mission im gesamten Gaming-Universum ist) funktioniert nicht ohne ein Team, das man wirklich nicht sterben lassen will, obwohl man weiß, dass man sie alle verlieren könnte. Wenn Star Wars Zero Company, The Expanse: Osiris Reborn und Exodus etwas haben, worauf sie sich konzentrieren müssen, dann ist es dieses. Repetitives Gameplay oder eine etwas schleppende Hauptgeschichte können vergessen werden, wenn ein großartiger Charakter an deiner Seite ist. Ich erinnere mich an mehr Zeilen von Garrus, Tali, Liara, sogar Miranda, als an Commander Shepard selbst in der Mass Effect-Reihe, und genau da müssen wir sehen, dass diese kommenden Spiele wirklich erfolgreich sind, um die Mass Effect-Vergleiche richtig zu beanspruchen.

Das gilt ebenso für das Design wie für die Persönlichkeiten der Charaktere. Ich konnte nicht sagen, dass ich begeistert war, als Exodus seine Begleiter enthüllte, von denen mindestens drei denselben Stillsuit-Imitat für ihre "Rüstung" trugen, und eher leere Blicke hatten. Ich kann mit mindestens einem Jacob oder James umgehen, aber bitte erstelle keine ganze Liste von ihnen. Zum Glück gibt es einen freundlichen Oktopus, der dir im Kampf zu Hilfe kommt, sodass zumindest schon ein Hauch von Soße zu finden ist. Das mag mich wie eine der Anti-Woke-Mädchen klingen, die online wie Stellar Blade-Protagonistinnen aussehen müssen, aber ich würde auch sagen, dass es nichts falsch daran ist, Begleiter körperlich attraktiv zu machen, da sie auch charakterlich sind. Nimm einfach keinen Concord-Look, dann bist du auf der sicheren Seite. Owlcat versteht es, so wie es aussieht, wie Larian es mit Baldur's Gate III tat. Mach alle gleich heiß, und du bist startklar. Außer beim Oktopus komme ich gut zurecht, ohne den Oktopus romantisch zu haben, danke Archetyp.

Ich werde nicht ewig über Begleiter-Design reden, aber wenn die Leute nach der Verbindung und Flucht suchen, die diese Charaktere bieten können, hilft das manchmal, wenn sie tiefer in die Figur eintauchen können, etwa durch Dinge wie Romantik. Avowed zum Beispiel hat nicht ganz getroffen, da alle einfach deine Freunde sind und es nie eine Option für mehr gibt. Es ist natürlich nicht notwendig, aber die Leute lieben es, mit Aliens zu verrückt zu sein. Mass Effect ist wieder ein Paradebeispiel. Star Wars Zero Company wird wahrscheinlich keine solchen Bindungen haben, aber mit seinem Permadeath-System freue ich mich viel mehr darauf, mich an meine falschen Teammitglieder zu binden und sie dann wochenlang nach einer missglückten Mission zu betrauern.

Während Soulslikes versuchten, sich in ein Genre zu pressen, das ohnehin schon von einem Entwickler gefüllt war, der regelmäßig Klassiker herausbrachte, kommen Mass Effect-Ähnliches zu einer Zeit, in der wir dringend einen Weltraumabenteuer brauchen. Guardians of the Galaxy kam ziemlich nah heran, ebenso wie Baldur's Gate III, um ähnlich süchtig machende Welten und Charaktere nachzubilden, aber aus irgendeinem Grund haben sie diesen Mass Effect-Wunsch nicht ganz gestillt. Hoffen wir, dass wenigstens eines dieser Spiele es kann, wenn auch nur, um zu beweisen, dass ja, Publisher, wir Rollenspiele lieben, die es uns ermöglichen, Verbindungen zu dreidimensionalen, interessanten Charakteren aufzubauen.

A Leap of Fail, Expanding Arkham und Supernatural San Andreas: Hier sind einige von Gamereactors Lieblings-Easter Eggs

gr@gamereactor.de (GR Staff) — Sun, 05 Apr 2026 11:00:00 +0200

Wieder einmal ist es Zeit für Ostern. Obwohl dieser Feiertag für seine religiösen Verbindungen bekannt ist, ist er auch eine Zeit geworden, um den Beginn des Frühlings zu feiern und sich in großen Mengen Schokoladeneier zu gönnen. Apropos Eier: Wie schon im letzten Jahr markieren wir diese Phase des Jahres, indem wir erneut eine Sammlung von Easter Eggs in Videospielen hervorheben, die uns weiterhin im Gedächtnis bleiben.

Ben: The Witcher 2: Assassins of Kings' Leap of Fail

Obwohl ich versucht war, einfach in die Welt von Call of Duty Zombies zurückzukehren und ein weiteres der zeitlosen und epischen Easter Eggs im Modus hervorzuheben, dachte ich, es wäre dieses Jahr angenehm, eine marginale Änderung vorzunehmen. Deshalb tauschen wir die Untoten gegen Killer, indem wir auf die Assassin's Creed-Anspielung in The Witcher 2: Assassins of Kings zurückgreifen. Kurz vor Spielbeginn während des Angriffs findet Geralt eine merkwürdig gekleidete Person, die offensichtlich aus großer Höhe gestürzt ist. In der Nähe der Balliste während der Belagerung wirst du wahrscheinlich eine Person in einem weißen Gewand sehen, die flach auf dem Boden neben einem Strohhaufen liegt. Hinter der Person befindet sich außerdem ein merkwürdig platzierter Turm, was offensichtlich darauf hindeutet, dass jemand einen Vertrauensvorschuss gemacht hat, aber offensichtlich nicht genug geglaubt hat. Ein langer Absturz und ein plötzlicher Stopp, und wie Geralt sagt, als du dich der zerquetschten Leiche näherst: "Ich schätze, sie werden es nie lernen."

Den Sprung des Scheiterns kannst du unten vom YouTuber Moziz festgehalten sehen.

https://www.youtube.com/watch?v=1Om0UpfQc0Q

Alex: Übernatürlicher San Andreas in Grand Theft Auto V

Grand Theft Auto V ist ein riesiges Spiel, vollgepackt mit Easter Eggs. Manche wirst du selbst entdecken. Andere brauchten Monate, bis sie überhaupt jemand bemerkten, und brauchten eine schnelle Google-Suche, um sicherzugehen, dass man sie beim nächsten Mal, wenn man als Trevor, Franklin und Michael die Straßen aufwühlt. Wir kombinieren hier zwei Easter Eggs in einem und werfen einen Blick auf sowohl das gefrorene Alien- als auch das Bigfoot-Aussehen, das man in Grand Theft Auto V findet. Der eingefrorene Außerirdische taucht gleich zu Beginn des Spiels auf, als du dich aus einem missglückten Banküberfall befreist, als Michael. Während du das Auto wegfährst, bieg rechts ab und bieg von der Straße ab, während du auf eine Brücke zusteuerst, unter der ein Fluss fließt. Direkt unter der Brücke findet man eine gefrorene Alien-Leiche. Ziemlich cool, oder? Das zweite übernatürliche Ereignis ereignet sich später, erneut als Michael in der Mission Predator. Dort wirst du ein Thermalvisiergewehr benutzen, um die O'Neil-Brüder auszuschalten. Wenn du unten rechts in den Missionsbereich zoomst, siehst du für einen kurzen Moment die thermische Umrisse von Bigfoot. Stelle sicher, dass du deine Kamera bereit hast, denn Bigfoot verschwindet kurz darauf.

Schaut euch beide Easter Eggs in den YouTube-Videos von Typical Gamer und GTA Series Videos unten an:

https://www.youtube.com/watch?v=TNcwPfYW83Y

https://www.youtube.com/watch?v=gMW0tvp9ucY

Magnus: Entdeckung der Baupläne für Arkham City in Batman: Arkham Asylum

Batman: Arkham Asylum war bis zum Rand gefüllt mit versteckten Botschaften, tiefgründigen Lore-Schnitten und verlockenden Anspielungen, weshalb mein Bruder und ich Woche für Woche jeden einzelnen Abschnitt der labyrinthartigen Anstalt durchstöberten, gespannt darauf, was hinter der nächsten Ecke verborgen war. Ich erinnere mich an jenen Samstagmorgen, leicht verkatert, als ich Quincy Sharps Büro durchsuchte und auf die Baupläne stieß, was letztlich das Arkham City-Projekt werden sollte. Rocksteady würde die Fortsetzung kurz darauf offiziell enthüllen, aber schon damals war es erstaunlich, dass er mit Sicherheit mit der Zukunft des Franchise zusammenhing. Obwohl 2009 in keiner Weise analog war, verbreiteten sich solche Entdeckungen nicht annähernd so schnell wie heute, weshalb das, glauben Sie es oder nicht, eine völlige Überraschung war, und als Batman-Fans, die wir beide an diesem Morgen spürten, war die Aufregung, die wir beide an diesem Morgen verspürten, greifbar.

Alex: Einen Tyraniden streicheln in Warhammer 40.000: Space Marine II

Tyraniden sind eine der größten Geißeln der Galaxie im Warhammer-40.000-Universum. Es gibt unendlich viele von ihnen, und obwohl sie in ihrer Tabletop-Miniaturform vielleicht etwas niedlich aussehen, werden sie in der Hintergrundgeschichte alles andere als ein kuscheliches Haustier sein. Du verbringst Stunden damit, sie in Warhammer 40.000: Space Marine II zu Insektenpaste zu zerquetschen, aber in der ersten Mission findest du einen, der dir nichts antun will und der tatsächlich gestreichelt werden kann. Auf Avirax kommst du an den Punkt, an dem du den Aufzug über eine Konsole rufen kannst, dann aktiviere eine zweite Konsole und warte auf die Audio-Warteschlange, was bedeutet, dass du jetzt neun Tyraniden zum nächsten Teil deiner Mission gefunden hast. Wenn du sie alle loswirst, findest du einen freundlichen Hormagaunt in einem Flur, der frei gestreichelt werden kann.

Sehen Sie sich das Video unten an, wie Sie alle neun Tyraniden finden, bereitgestellt von YouTuberin Kimber Secundus:

https://www.youtube.com/watch?v=6_A-IDZBSGU

Die besten Gaming-Protagonisten der 2020er (bisher)

alex@gamereactor.de (Alex Hopley) — Sat, 04 Apr 2026 13:00:00 +0200

Wenn man sich anschaut, was ein großartiges Spiel ausmacht, spielen Welt, Spielmechaniken, Grafiken und Handlungsstränge alle eine Rolle, aber es fühlt sich an, als würde alles zusammenkommen, wenn der Protagonist - der Charakter im Zentrum des gesamten Erlebnisses - ausgearbeitet und lebendig wirkt. In den 2020er Jahren hatten wir bisher einige herausragende Spiele, mit ebenso beeindruckenden Protagonisten im Kern. Also, lass uns ein paar davon aufzählen, oder?

Diese Liste umfasst nur Charaktere, die erstmals in den 2020er Jahren in Videospielform auftauchten. Entschuldigung, Cal Kestis, erwachsener Kratos, Aloy und Henry von Skalitz, ihr werdet hier nicht erwähnt, obwohl ihr großartige Charaktere seid.

Dunkles Verlangen - Baldur's Gate III

Es mag etwas billig wirken, einen Charakter, über den der Spieler so viel Kontrolle hat, an einer Stelle auf dieser Liste einzubauen, aber im Vergleich zum wahren leeren Blatt des Abenteurers oder Tav ist Dunkles Verlangen ein ausgewogenerer, detaillierterer Charakter, komplett mit einer düsteren Hintergrundgeschichte und tiefen Verbindungen zur Welt und zu den Antagonisten. Sobald man als Dark Urge gespielt hat, ist es wirklich schwer, zurückzugehen, und das liegt vor allem an der vordefinierten Geschichte, die man erbt, sobald man mit der Erschaffung dieses Charakters beginnt. Man kann den Dark Urge so gestalten, wie man möchte, und so böse oder erlösbar sein, wie man will, aber sobald man die Kampagne in Baldur's Gate III abgeschlossen hat, ist ein großer Teil dessen, woran man sich erinnert, diese charakterspezifischen Szenen, die man als Durge bekommt. Man hat das Gefühl, dass er zu den großartigsten spielbaren Charakteren der BioWare-Ära gehören sollte, da er es einem wirklich ermöglicht, der Welt den eigenen Stempel aufzudrücken, während man gleichzeitig ein fester Bestandteil davon ist.

Andreas Maler - Pentiment

Ein weiterer Charakter, auf den der Spieler einen gewissen Einfluss hat, ist Andreas Maler, der den meisten Charakteren, die man in einem RPG oder in einem Videospiel trifft, deutlich überlegen ist. Er ist das Herzstück von Pentiment, ein perfektes Gefäß für den Spieler, um die Welt zu erleben, denn die kleine Stadt Tassing ist ihm ebenso neu wie uns. Man lernt mehr über die Stadtbewohner, die weitreichenden Auswirkungen von technologischen und gesellschaftlichen Fortschritten im Deutschland des 16. Jahrhunderts und löst einige knifflige Morde zusammen mit einer Geschichte, die man so schnell nicht vergessen wird - angeführt von einer Figur, die als eine der dreidimensionalsten Figuren wirkt, die die RPG-Experten bei Obsidian je hervorgebracht haben.

Jin Sakai - Ghost of Tsushima

Ich mag Atsu, wirklich, aber der Mann, der das ganze Geistergeschäft ausgelöst hat, ist schwer zu übertreffen. Jin Sakais Rachegeschichte ist eine, die wir schon oft in Spielen gesehen haben, wenn man die Geschichte auf das grundlegendste Niveau reduziert. Doch er folgt Jin quer durch Japan, da er sich selbst aufgeben muss, um etwas anderes zu werden - für sein Volk und sein Land. Jin wirkt anfangs wie ein ziemlich langweiliger, ziemlich gewöhnlicher harter Held, aber je mehr Stunden man die Geschichte als er erkundet, desto mehr zieht man die Schichten seines Charakters ab und findet etwas unglaublich Fesselndes darin. Es gibt einen Grund, warum so viele Fans ihn für die Fortsetzung zurückhaben wollten, und das ist nicht nur Sexismus.

Saga Anderson - Alan Wake 2

Es ist schwierig, der Neue in einer bereits etablierten Welt und Umgebung zu sein. Selbst wenn das letzte Alan Wake-Spiel über ein Jahrzehnt vor dem Erscheinen der Fortsetzung erschienen war, trägt das Spiel immer noch den Namen des fiktiven Autors, weshalb die Befürchtung bestand, dass Saga eine unerwünschte Ergänzung sein könnte. Diejenigen, die das Spiel gespielt haben, wissen, dass das nicht weiter von der Wahrheit entfernt sein könnte. Sagas Beteiligung an der Geschichte von Alan Wake 2 fühlt sich nicht nur notwendig, sondern auch willkommen an. Im Verlauf der Erzählung erfahren wir mehr über Saga, die sich schnell daran gewöhnen muss, in die Tiefen einer übernatürlichen Geschichte geworfen zu werden, die sich eindeutig über ihrem Niveau anfühlt. Am Ende sehen wir jedoch, dass sie die Geschichte genauso gut im Griff hat wie Alan, was dazu führt, dass sie alles entscheidet.

Astro Bot - Astro Bot

Während die anderen Einträge auf dieser Liste bisher nach ihrem Einsatz als überzeugende narrative Werkzeuge beurteilt wurden, macht Astro Bot hier seinen Eintrag, weil er eine der ersten erfolgreichen neuen Maskottchen-Kreationen in Spielen seit einiger Zeit ist. Astro Bot hat das Gefühl, schon immer hier gewesen zu sein, zeigt aber noch keine Anzeichen von Rost oder Alterung. Er ist ein niedlicher, freundlicher Begleiter, der zufällig auch die Hauptfigur in einem der besten 3D-Plattformer aller Zeiten ist. Wer hätte das gedacht. Astro Bots Abenteuer beeindrucken uns jedes Mal, wenn sie auf unseren Bildschirmen erscheinen, und selbst wenn sie uns das nächste Mal, wenn wir sie sehen, nicht umhauen, ist es unmöglich, sich eine Zukunft vorzustellen, in der wir dieses Charakterdesign nicht lieben.

Will - Metaphor: ReFantazio

Du kannst diesen Typen nennen, wie du willst, aber der kanonische Name ist Will, zumindest in der englischen Lokalisierung, und dabei bleiben wir. Metaphor: ReFantazio verlor bei den Game Awards 2024 knapp gegen Astro Bot, erwies sich als hervorragendes RPG und eine wunderschöne Fantasy-Begleitung zu Atlus' geliebter Persona-Reihe. Will ist äußerst loyal, immer bereit, sich besonders ins Zeug zu legen, und manchmal fast schon zu gutmütig. Er wirkte weniger wie ein unbeschriebenes Blatt oder ein typischer Held als viele seiner Kollegen aus JRPGs. Er hat immer noch Elemente dieser Charaktere, und doch hat mich seine einzigartige Hintergrundgeschichte und seine Sicht auf das Leben und die Ereignisse von Metaphor: ReFantazio während der Dutzenden Stunden gefesselt, die das Spiel in seine Hauptgeschichte packt. Wie immer waren die Nebenfiguren eine große Hilfe, aber ich hätte mir nicht gewünscht, anstelle von Will als eine von ihnen zu spielen.

Grace Ashcroft - Resident Evil: Requiem

Grace Ashcroft, eine ganz neue und absolut verdiente Ergänzung dieser Liste, fügte sich mühelos in die Resident Evil-Reihe ein, als wäre sie schon immer dazugehört. Es war verlockend, die alternde, knallharte Version von Leon Kennedy hier einzusetzen, und obwohl er sicherlich ein großer Teil dessen ist, was Resident Evil Requiem großartig macht, wäre das Spiel ohne Grace nicht so herausragend wie jetzt. Eine großartige Leistung von Angela Sant'Albano erweckt Grace zum Leben und zeigt zunächst, wie sie mit der verständlichen Angst und dem Schrecken umgeht, die man sicherlich erleben würde, wenn man sich in einer Resident-Evil-Situation befindet. Dann, während sie sich parallel zur Geschichte des Spiels anpasst, sehen wir, wie Graces Handlungsbogen abgeschlossen wird. Hoffen wir aber, dass dies nicht das letzte Mal ist, dass wir sie in Resident Evil sehen, denn sie hat sich bei den Fans bereits als Erfolg erwiesen.

Mae und Cody - It Takes Two

Hazelight Studios liefern Koop-Magie, das ist klar, aber die Erzählungen des Entwicklers sind manchmal etwas vorhersehbar. Daran ist nichts auszusetzen. Nicht jedes Spiel braucht ein Oscar-prämiertes Drehbuch, und auch wenn It Takes Two vielleicht die vorhersehbarste Geschichte von allen hat, macht es dank der Menschen, die wir in Puppen verwandeln werden, immer noch durchweg unterhaltsam. Mae und Cody scheuen sich nicht, uns im Spiel ein wenig auf die Nerven zu gehen, und doch bleiben sie ein sympathisches, liebenswertes Paar, selbst wenn sie sich gerade heftig streiten. Wir werden vielleicht keine ganze Reihe um sie herum aufbauen, zumal der Film zu It Takes Two offenbar auf Eis liegt, aber sie sind einprägsam genug, um uns noch lange im Gedächtnis zu bleiben.

Melinoë - Hades II

Zagreus oder Melinoë; ehrlich gesagt könnte man eines von Hades' unruhigen Kindern an diese Stelle bringen, aber der Aktualitäts-Bias treibt mich eher zur Göttin der Albträume und des Wahnsinns. Zagreus ist ein sofort sympathischer Protagonist, aber man könnte argumentieren, dass seine Einsätze ziemlich gering wirken, während Melinoë mit viel mehr zu tun hat. Es lastet viel Druck auf ihren Schultern, den Spieler in diese neue, dunklere Erzählung einzuführen und zu versuchen, der Ankerpunkt zu sein, wenn wir nicht mehr mit den Menschen sprechen können, die wir aus dem ersten Spiel kennen und lieben. Supergiant hat unglaubliche Arbeit geleistet und beide Protagonisten sehr sympathisch gemacht, aber ich habe während meiner Zeit mit der Fortsetzung immer mehr für Melinoë mitgedrückt.

Maelle - Clair Obscur: Expedition 33

Eine weitere relativ neue Ergänzung, aber wir sprechen hier von den Spielen der letzten fünf Jahre und ein bisschen. Wenn du Clair Obscur: Expedition 33 noch nicht gespielt hast oder noch nicht bis zum Abspann gekommen bist, könntest du meinen, Gustave oder Verso seien die Hauptfiguren des Spiels. Wenn du das Ganze durchgelesen hast, weißt du, dass Maelle unsere wahre Hauptfigur ist. Und was für ein Charakter sie ist. Wir werden hier nicht auf detaillierte Spoiler eingehen, aber die Wendungen der Hauptgeschichte drehen sich alle um Maelle, und am Ende war ich so in ihre Reise verstrickt, dass ich das Ende wählte, von dem ich wusste, dass es als das "schlechtere" Ende erscheint, allein weil ich glaubte, es passe besser zu ihrem Charakterbogen. Clair Obscur: Expedition 33 dreht sich vielleicht ganz um die Nachkommenden, aber ich beneide niemanden, der die Arbeit von Jennifer Svedberg-Yen und Jennifer English verfolgen muss, um diese Figur zum Leben zu erwecken.

V - Cyberpunk 2077

Ich verrate dir ein kleines Geheimnis zum Abschluss dieser Liste: Ich habe Cyberpunk 2077 geliebt, als es herauskam. Klar, es war fehlerhaft. Sicher, es hatte vielleicht nicht die vollständigen Open-World-Freiheiten eines Sandbox-Erlebnisses wie GTA, aber die Grundlagen, die es zeigte, waren unglaublich stark. CD Projekt Red hatte erneut mit seiner Charakter- und Erzählarbeit begeistert, mit V im Mittelpunkt. V kann in Cyberpunk 2077 eine Vielzahl unterschiedlicher Charaktere sein, aber die Magie entsteht, dass sie alle gültig und zutiefst unterhaltsam wirken. Egal, ob du als Valerie oder Vincent spielst, ob du ein Corpo oder Nomad bist, V fühlt sich wie ein nahezu perfekter Protagonist an, denn während man als Spieler große Momente und Hintergrunddetails für sie bestimmen kann, hat man auch das Gefühl, dass es sich um einen vordefinierten Charakter handelt, in den man einsteigt. V nimmt aktiv am Geschehen teil, anstatt nur zuzusehen, wie sich die Welt verändert. Das ist es, was einen Protagonisten auf die nächste Stufe hebt, und genau das hat CD Projekt Red in Cyberpunk 2077 von Anfang an erreicht.

Wir sagen voraus, worum es in The Super Mario Bros. Movie 3 gehen wird (und wie der Titel aussehen wird)

javier@gamereactor.de (Javier Escribano) — Thu, 02 Apr 2026 16:00:00 +0200

The Super Mario Galaxy Movie Now und The Super Mario Bros. Movie im Jahr 2023 enthalten eine riesige Menge an Anspielungen aus 40 Jahren Geschichte der Mario-Spiele, von kleinen Cameos bis hin zu großen Setpieces und Handlungspunkten, die mehr oder weniger originalgetreu aus den Spielen adaptiert wurden. Es ist sicher, dass es weitere Filme geben wird: Derzeit ist noch nichts bestätigt, aber wir erwarten, dass alle zwei oder drei Jahre Fortsetzungen und Spin-offs erscheinen, ähnlich wie bei der Minions-Reihe.

Und das brachte uns zum Nachdenken: Wohin wird die Filmreihe als Nächstes gehen? Viele Dinge aus dem Mario-Universum wurden bereits behandelt, aber es gibt noch viele Dinge, die noch in den Filmen erscheinen werden. Hier sagen wir die wahrscheinlichsten Prämissen, Charaktere und Orte voraus, die wir in The Super Mario Bros. Movie 3 erwarten... Angefangen mit dem Titel.

Denn nach Super Mario Bros. und Super Mario Galaxy, wie wird der nächste Film heißen? Das sind unsere Vorhersagen... Aber natürlich solltest du nicht weiterlesen, wenn du den Film noch nicht gesehen hast. GROSSE SPOILER VORAUS.

Ich bestehe darauf, RIESIGE SPOILER VON The Super Mario Galaxy Movie.

The Super Mario Odyssey Movie

Der erste Film wurde nach Super Mario Bros. benannt, dem umgangssprachlichen Namen der Serie, aber auch dem Namen des ersten offiziellen Spiels, das 1985 veröffentlicht wurde. Wenn wir jede Hauptära der Mario-Spiele adaptieren wollten, wäre der nächste logische Schritt The Super Mario World movie gewesen, basierend auf dem Spiel von 1991. Stattdessen sprang Illumination direkt in Galaxy, basierend auf den Wii-Spielen von 2007-2010, was wohl der Höhepunkt der Mario-Reihe aus erzählerischer und weltaufbauischer Sicht ist.

Das lässt uns vermuten, dass der logischste Name für den Threequel The Super Mario Odyssey movie sein wird. Das stellt jedoch eine echte Herausforderung dar, da die meisten besten Teile des Switch-Spiels von 2017 bereits in den beiden vorherigen Filmen zu sehen sind: Peach und Bowsers Hochzeit, Tostarena und das Sandkönigreich, der Dinosaurier, der Ruined Dragon – sogar die Brooklyn-Teile des ersten Films fühlen sich wie New Donk City an.

Einen Mario Odyssey Film ohne den Hochzeitsteil zu drehen, der schon gemacht wurde, wäre etwas sinnlos. Sie könnten sich auf Cappy und ihre Schwester Tiara konzentrieren und die Broodals als neue Schurken haben. Aber ehrlich gesagt waren diese Charaktere nicht besonders einprägsam. Gleichzeitig war Marios Fähigkeit, sich in Feinde und Tiere zu verwandeln, eine extrem coole Spielmechanik, ergibt aber erzählerisch wenig Sinn, um ein Hauptbestandteil des Films zu sein...

The Super Mario Land movie

Ein großes Problem der Filmreihe auf lange Sicht ist der Mangel an guten Schurken, was auch die Sonic-Filme betrifft. Bowser (und Robotnik) sind cool, aber werden sie immer denselben Bösewicht benutzen?

Im Mario-Universum gibt es nicht so viele Schurken außer Bowser (und Donkey Kong, was nicht mehr zählt, da er eigentlich kein Bösewicht mehr ist). Es gibt eine Ausnahme. Oder zweitens, Wario und Waluigi, möglicherweise die größten Mario-Charaktere, die bisher nicht in den Filmen aufgetaucht sind. Wir haben Daisy in der Post-Credits-Szene von Galaxy gesehen, die überführt zu... Super Mario Land.

Die rothaarige Prinzessin (auch angedeutet, als Luigi Mario fragt, ob Peach einen Freund hat) gab ihr Debüt in Super Mario Land, dem Jahr 1989. Wario gab sein Debüt in Super Mario Land 2 (1992). Genug Material, um den dritten Film im seltsamen Königreich Sarasaland anzusiedeln, was zu einigen wirklich tiefgründigen Cameos führen könnte.

Das große Problem ist, dass 'The Super Mario Land movie ' bei weitem nicht so episch klingt wie The Super Mario Galaxy Movie, was das Ende der Trilogie aus kommerzieller Sicht deutlich weniger attraktiv machen würde. Und das ist das Problem dieser Filmreihe: Nichts ist größer als Galaxy, außer Odyssey, und wie gesagt, das meiste, was wir in diesem Spiel gesehen haben, wurde bereits adaptiert...

The Untitled Super Mario 3D Game releasing in 2027 movie

Nun, es könnte etwas Größeres als Galaxy und Odyssey... das nächste Spiel im Mario-Universum, von dem stark gemunkelt wird, dass es 2027 als erster echter Nachfolger von Mario Odyssey erscheinen soll. Wir erwarten, dass es etwas völlig Neues wird (nicht Galaxy 3 oder Odyssey 2), und wenn es 2027 erscheint, wäre es möglich, dass ein Film, der 2028 oder 2029 erscheint, seinen Namen trägt und sich direkt von dem inspirieren lässt, was Yoshiaki Koizumis Team gerade entwickelt.

Angesichts der engen Beziehung zwischen Nintendo und Illumination ist die Vorstellung, dass sowohl das Spiel als auch der Film parallel entwickelt werden, nicht undenkbar, obwohl wir uns nicht sicher sind, ob das die richtige Wahl wäre: Viele würden annehmen, das Spiel sei eine Adaption des Films, was das Originalprodukt von Nintendo insgesamt entwerten könnte. Und es gibt andere, interessantere Optionen, wie...

The Super Mario Sunshine Movie

Dieser GameCube-Klassiker von 2002 ist zweifellos eines der Mario-Spiele mit einer markanteren Welt und Geschichte, und Isle Delfino würde absolut wunderschön aussehen. Das könnte auch zu dringend benötigter Qualitätszeit zwischen den Charakteren führen, während sie in den Urlaub fahren: Die Beziehung zwischen Mario und Peach könnte richtig erforscht werden, bevor Bowser Jr. diesmal zum Hauptbösewicht wird.

Das Problem ist, dass Super Mario Sunshine ein sehr nischiges Spiel ist (so nischig, wie ein Mario-Spiel eben sein kann) und wieder weniger vermarktbar als Galaxy (obwohl ich sagen würde, es ist spannender als einfach nur 'Land '. Richtig gemacht, könnte es ein Film mit viel Persönlichkeit sein und einen guten Grund, den Film im Sommer statt im Frühling zu veröffentlichen.

The Super Mario 3D World + Bowser's Fury movie

Ein weiterer relativ unbekannter Titel, da er ein zusätzlicher Bonus für ein größeres Spiel war, Bowser's Fury hat wirklich gutes Potenzial für eine coole Geschichte. In diesem Spiel verbündet sich Bowser Jr. mit Mario, um einen wütenden Bowser, der zu einem riesigen Monster geworden ist, aufzuhalten, bevor Mario in eine riesige Katze verwandelt wird. Das wäre eine sehr gute Ausrede, Bowser wieder als Hauptbösewicht zu haben, und würde eine interessante Dynamik zwischen Mario, Bowser Jr. und Bowser schaffen – eines der besten Elemente des Galaxy-Films.

Das Problem ist, dass... Galaxy Film hat schon etwas Ähnliches gemacht, als Mario sich mit Bowser zusammentut und Mario Bowser Jr. vor dem riesigen Drachen rettet, den Bowser erschaffen hat. Außerdem gibt es nicht viele Nebencharaktere, die das Versprechen entwickeln, Daisy als neue Hauptfigur zu haben.

The Super Mario Bros. Wonder Movie

Veröffentlicht im Jahr 2023, ist Wonder das jüngste Haupt-Mario-Spiel, was daher eine kommerziell tragfähige Option für die Namensgebung des Films darstellt. Außerdem sind Daisy und sogar Rosalina jetzt in der Switch-2-Version zu sehen. Das Problem ist, dass das Spiel zwar Spaß macht, aber storytechnisch extrem einfach ist und die Welt nicht besonders interessant ist.

Was aus filmischer Sicht Spaß machen könnte, wäre jedoch, die Wundereffekte auf der Leinwand zu sehen, vielleicht mit verschiedenen Animationsstilen, einer Mischung aus Farben und Spezialeffekten sowie neuen Musiknummern. Es wäre eine Gelegenheit für Illumination, wild zu werden... aber mal ehrlich, dieses Studio ist weder Sony noch DreamWorks, die viel eher bereit sind, visuelle Risiken einzugehen.

Es könnte jedoch ein guter Einstieg sein, um die Koopalings vorzustellen, die mit ziemlicher Sicherheit früher oder später ihr Filmdebüt geben werden, vielleicht als Brüder oder Cousins von Bowser Jr. Die Koopalings sind die Stars der neu erschienenen Switch-2-Edition des Spiels, sodass mehr Spieler sie vor dem nächsten Film kennenlernen werden...

Spin-offs

Vielleicht ist der nächste Mario-Film keine Fortsetzung... sondern ein Spin-off. Tatsächlich wäre es eine sehr gute Möglichkeit, uns zu unterhalten und die einzelnen Charaktere auszuarbeiten, bevor in Teil 3 der Mario-Saga eine bedeutungsvollere Geschichte erzählt werden kann. Dies sind die wahrscheinlichsten Spin-off-Ideen:

Luigi's Mansion : Charlie Day würde in einem Spin-off mitspielen, das weiterhin Mario, Peach, Toad und die meisten Charaktere aus dem Universum erlaubt, was es fast zu einer Fortsetzung macht, aber den Fokus auf Luigi legt. Veröffentlicht es an Halloween, sorgt für ein paar ganz leichte Schrecken für Kinder, und es könnte ein Hit werden...

Star Fox: Ein Star-Fox-Film mit Glen Powell ist fast selbstverständlich, besonders nach den Gerüchten über nicht nur ein, sondern gleich zwei neue Spiele in der relativ unbekannten Serie, die bald für die Switch 2 erscheinen werden. Die Figuren haben außerdem enormes Potenzial für einen Film voller epischer Weltraumschlachten, der sich aber auf Freundschaft und Kameradschaft konzentriert.

Princess Peach Showtime: Es ist klar, dass Nintendo und Illumination Peach mehr als eine hilflose Dame in Not machen wollen, daher wäre es eine coole Idee, ihr einen eigenen Film zu geben. Das Spiel 2024, in dem Peach sich in all diesen verschiedenen Bühnenstücken verkleidet, könnte cool zu adaptieren sein, aber wir erwarten etwas ganz Neues für Anya Taylor-Joy.

Yoshi's Island: Der Ursprung der Mario-Brüder, der aus der realen Welt stammt, bedeutet, dass Yoshi's Island nicht verfilmt werden konnte. Außerdem war die Babyszene in Galaxy schon ein großes Easter-Egg, also können wir Yoshi's Island als abgedeckt betrachten. Allerdings könnte eine andere Art von Geschichte, die sich um Donald Glovers Yoshi dreht, dennoch passieren und auch Bowser Jr. als Bösewicht haben, da er auch im kommenden Yoshi and the Mysterious Book-Spiel vorkommt.

Donkey Kong Country: Das wahrscheinlichste Spin-off ist immer noch eines, das sich um Seth Rogens Donkey Kong dreht, das im Mario Galaxy-Film fehlt. Mit einem erneuten Interesse an der Figur nach Donkey Kong Bananza könnte sie viele Mitglieder der Kong-Familie vorstellen und Pauline nach ihrem kurzen Cameo im ersten Film wieder ins Mario-Filmuniversum einführen.

Am Ende gibt es zwar viele Möglichkeiten für Fortsetzungen, aber wir befürchten, dass Nintendo und Illumination sich im zweiten Film mit der Mario-Galaxy-Geschichte zu schnell vorgeschlagen haben – in einem Film, der, so könnte man argumentieren, den Spielen nicht wirklich gerecht wird. Der Hype um den Galaxy-Film war enorm, aber werden sie ihn für den dritten, vierten oder fünften Film aufrechterhalten können, nachdem sie bereits eine ihrer besten Kugeln verschwendet haben?

Wir werden abwarten müssen... In der Zwischenzeit sind das unsere besten Vermutungen, worum es im nächsten Film im Super-Mario-Universum gehen wird (und wie er heißen wird). Stimmen Sie unseren Vorhersagen zu? Glaubst du, wir haben es richtig gemacht? Oder hast du andere Ideen? Lassen Sie es uns wissen!

Das Argument für gute Ports gegenüber mehr Remakes

alex@gamereactor.de (Alex Hopley) — Thu, 02 Apr 2026 14:00:00 +0200

Es gibt ein Zitat, das mir oft durch den Kopf geht, wenn ich an die Spielebranche als Ganzes denke, und es stammt von einem Ben Starr. Ich bin ein großer Fan von Mr. Starr und habe nichts Schlechtes über ihn zu sagen, aber bei den Golden Joystick Awards 2024 sagte er: "Es ist absolut kriminell, dass wir keine offizielle Version von Bloodborne mit 60 Bildern pro Sekunde haben."

Kriminell? Wirklich, Ben? Es gibt Mörder auf den Straßen. Der amtierende US-Präsident wird in den Epstein-Akten öfter genannt als Gott oder Jesus in der Bibel. Ich verstehe, wir alle haben unsere eigene Definition von Kriminellem. Ich würde gerne Leute ohne räumliches Bewusstsein sammeln, diejenigen, die ihre Einkaufswagen offen stehen lassen, und die Tollpatsch, die beim Fahren ihren Blinker nicht finden und sie einfach in die Sonne schicken. Ich verstehe den Frust, wenn dein Lieblingsspiel nicht mehr so gut ist wie damals, als du es zum ersten Mal gespielt hast. Wenn die Community jedoch nach Remakes schreit, glaube ich, dass wir wirklich einen guten Port für die überwiegende Mehrheit dieser Titel brauchen. Die gleiche Grafik, das gleiche Gameplay und sogar die gleiche Performance in manchen Fällen, nur auf mehr als einer alten Konsole spielbar. Wie wir beim 3DS und Wii U gesehen haben, ist es allzu leicht, dass Spiele, die auf einer Plattform gebunden sind, für immer verschwinden.

Das soll Remakes nicht vollständig ablehnen. Nein, ich finde, es gibt einige fantastische Remakes da draußen. Capcom schafft es zum Beispiel hervorragend, die Schreckmomente der Resident Evil-Reihe auf moderne Standards zu bringen. Ich denke auch, dass ein Remaster hier ein ziemlich guter Mittelweg sein kann, wie zum Beispiel The Elder Scrolls IV: Oblivion Remastered, aber heutzutage ist das Ganze zwischen Remaster und Remake so undurchsichtig geworden, dass es schwerfällt, wirklich zu definieren, was sie trennt. Portierungen und Optimierungsarbeit hingegen wirken oft übersehen. Es ist weniger aufregend, einfach das gleiche alte Spiel zurückgeworfen zu bekommen, aber für viele Entwickler und Titel könnte es eine bessere Option sein. Manchmal fühlt es sich so an, als wäre GOG der einzige große Name, der alte PC-Spiele weiterhin verfügbar hält, ohne das Erlebnis für ein Remake komplett zu überarbeiten.

Remakes machen Spaß, sie sind auffällig, aber sie kosten auch viel Geld und Zeit. Schau dir das Star Wars: Knights of the Old Republic Remake als Paradebeispiel an. Es geht nicht nur darum, alten Code zu nehmen und ihn glänzend und neu aussehen zu lassen. Im Grunde erstellst du ein neues Spiel mit einem Projekt dieser Größe, selbst wenn du eine solide Grundlage hast, auf der du aufbauen kannst. In einer Zeit, in der die Budgets bei AAA-Entwicklung massiv wachsen, fühlt es sich wirklich so an, als könnte man seine Münzen sparen, wo es geht, und die potenziellen Remake-Mittel in etwas anderes investieren. Was die Zeitsparnis angeht: Auch wenn man mit den Fingern nicht einfach mit den Fingern schnippen kann, ist es viel einfacher, alte Spiele mit kleinen Updates auf neue Plattformen zu bringen, als im Grunde ein neues AAA-Erlebnis mit all den Extras zu schaffen, die man heutzutage von ihren Spielen erwartet.

Zurück zu Bloodborne als Beispiel: Wir wissen, dass FromSoftware, falls es neu gemacht werden sollte, das Studio dafür sein würde. FromSoftware jedoch, wie ich mir viele andere Studios vorstellen würde, würde stattdessen lieber an etwas anderem arbeiten. Remakes können genauso unerschrocken sein wie jede andere Spieleveröffentlichung, da man bereits eine eingebaute Fangemeinde hat und sie nicht mit einer neuen IP bekannt machen muss. Es ist leicht zu verstehen, warum viele Studios sie machen. Es ist jedoch möglich, dass wir Traumprojekte und neue, spannende Universen verpassen könnten, wenn Entwickler einfach ihre Zeit in ein Remake investieren würden. Stell dir zum Beispiel vor, Baldur's Gate III würde nicht veröffentlicht, weil Larian stattdessen an Baldur's Gate II Remake gearbeitet hatte. Es ist hypothetisch, also nicht das stärkste Argument im Anti-Remake-Fall, aber da der Mainstream-Veröffentlichungskalender so sehr auf Remakes fokussiert ist, würde es mich nicht wundern, wenn wir im Laufe der Jahre einige coole Originalwerke verpasst haben.

Ich denke auch, dass es etwas daran zu sagen hat, dass Spieler trotzdem viele der Spiele spielen können, für die sie Remakes haben wollen. Wie erwähnt, ist GOG ein Ort, an dem du Spiele wie The Elder Scrolls III: Morrowind, Vampire: The Masquerade - Bloodlines, Dragon Age: Origins, Dino Crisis und viele andere Spiele einfach auf Play drücken kannst. Klar, sie haben ihre Eigenheiten und zeigen ihr Alter mehr als ein fünf oder zehn Jahre altes Spiel, aber da das Gaming mit jedem Jahr breiter wird, scheint es, als würden Dinge wie Grafik und ein allgemein akzeptierter visueller Standard über Bord geworfen. Man erwartet ein gewisses Qualitätsniveau von einem AAA-Erlebnis, aber wenn Spiele wie Slay the Spire 2 Hunderttausende Spieler erreichen, beginne ich zu denken, dass wir alle die Grafik und Performance der frühen 2000er Jahre wieder ertragen könnten, wenn es nötig wäre. Da ich keine Jahre meines Lebens verlieren wollte, um auf das Remake von Knights of the Old Republic zu warten, habe ich mir einfach die mobile Version geholt und auf einem Tablet gespielt. Es war großartig. Ich habe kürzlich zum ersten Mal Dragon Age in die Hand genommen. Es zeigt sein Alter, aber es rockt auch. Ein altes Spiel sofort wegen Grafik oder Leistung abzutun, fühlt sich an, als würde es ziemlich veraltet werden, und eine Meinung, die eigentlich nur von den treuesten Ragebait-Accounts auf Twitter verteidigt wird, die alles 2D oder einen visuellen Stil haben, der nicht realistisch ist, betrachten und es als Schmutz bezeichnen.

Selbst wenn dir aus irgendeinem Grund der Gedanke, ein altes Spiel mit voller Verfügbarkeit über einen neuen Port zu spielen, dir den Magen umdreht, gibt es noch viele Spiele, die viel besser aussehen und kein Remake brauchen. Du kannst Bloodborne spielen, solange du eine PS4 oder PS5 besitzt. Klar, die Bildrate liegt nicht bei 60fps, was Ben Starr vielleicht zum Platzen bringt, aber es ist trotzdem ein fantastisches Spiel, das kein Remake braucht. Remakes von Titeln, die ein Jahrzehnt alt oder in manchen Fällen sogar jünger sind, zeigen einige der schlimmsten Trends des modernen Gamings. Es ist Unternehmensgier und Konsumentenanspruch, wenn man die Nachfrage nach ständigen Remakes auf den Kern reduziert. Mehr Häfen könnten immer noch beide Dinge umfassen, wären aber mit einem Bruchteil der Kosten sowohl an Geld als auch mit Zeitaufwand verbunden.

Remakes sehen schöner aus, sie funktionieren besser. Man kann ein Spiel zu dem Traum machen, der es vor zwanzig Jahren sein sollte. Ein Port kann jedoch immer noch eine neue Fangemeinde an einen alten, geliebten Titel heranführen und dabei dennoch etwas Sorgfalt geben, damit er auf einer modernen Konsole gut läuft. Das Problem bei Remakes ist, dass sie die Idee verkaufen, dass wir ständig neue brauchen. Das ist natürlich verständlich. Wenn du darüber nachgedacht hast, hast du wahrscheinlich schon genug Spiele zum Spielen und Wiederholen, um zehn Lebenszeiten zu füllen, also muss die Branche uns diese Idee verkaufen, damit sie weitergeht.

Wenn ich an die besten Spiele meiner Jugend denke, denke ich nicht daran, dass sie irgendein glänzendes DLSS-5-Makeover bekommen hätten, ich wünsche mir nur, sie wären auf einem modernen Rechner spielbar, ohne zu hoffen, dass irgendein heldenhafter Modder sie mit heutigen Systemen kompatibel gemacht hat. Wenn wir etwas ehrlicher zu uns selbst wären und nicht sofort Remake-Forderungen hätten angefordert, sobald wir Clips eines alten Spiels gesehen haben, das in vielerlei Hinsicht noch Bestand hat, würden wir wohl viel mehr Portierungen bekommen und auf lange Sicht eine größere Bewahrung alter Spiele.

Wir sprechen über Länge, KI, Story-Link und Fraktionen mit Tides of Tomorrow Entwickler Digixart

ben@gamereactor.de (Ben Lyons) — Thu, 02 Apr 2026 10:00:00 +0200

Nachdem Digixart einige Jahre damit verbracht hat, die Welt von Road 96 auszubauen und zu erweitern, schlägt der Entwickler Digixart mit seinem kommenden Titel Tides of Tomorrow eine andere Richtung ein. Mit einem erzählerisch geprägten Ansatz, der den Schwerpunkt auf Entscheidungsfindung und das Gestalten einer Geschichte basierend auf den eigenen Entscheidungen legt, verlässt dieses Projekt die offene Straße und begibt sich stattdessen auf hohe See.

Beschrieben als ein 'Plasticpunk'-Abenteuer, bei dem Spieler auf verrückte Charaktere treffen und mit ihnen interagieren, um sowohl ihre eigene Geschichte als auch die Erzählungen anderer Spieler zu gestalten, mit dem Launch, der immer näher rückt und für den 22. April geplant ist, hatten wir die Gelegenheit, mit Digixart zu sprechen, um mehr über dieses ambitionierte und mit Spannung erwartete Projekt zu erfahren.

Das vollständige Interview mit Game Director Adrien Poncet finden Sie unten, in dem wir über die jüngste Verzögerung, die Auswirkungen des Story-Link-Features auf das Gameplay, die Haltung des Studios zur künstlichen Intelligenz, die allgemeine Länge von Tides of Tomorrow und mehr diskutieren.

Gamereactor: Wie hat die jüngste Verzögerung es Ihnen ermöglicht, Tides of Tomorrow zu verbessern und zu erweitern?

Poncet: Wir konnten vieles verbessern! Das gab uns mehr Zeit, die Feinschliff und Stabilität des Spiels zu verbessern, unsere Story-Link-Szenarien besser zu testen und das Wirtschaftsbalancing zu verbessern (was tatsächlich Einfluss auf die Geschichte und die Entscheidungen der Spieler hat, da Ressourcenknappheit eines der Hauptthemen des Spiels ist).

Da wir verrückte Leute sind, die immer das Beste machen wollen, gab es uns auch Zeit, ein paar Zwischensequenzen hinzuzufügen, zusätzliches Boots-Gameplay hinzuzufügen und das Design bestimmter Hauptcharaktere wie Nahe neu zu überarbeiten, die wir nicht ikonisch genug fanden.

Gamereactor: Wie balancieren Sie es, den Spielern Freiheit zu geben, während Sie verhindern, dass sie den Run eines anderen Spielers im Voraus durch den Story-Link ruinieren?

Poncet: Wir haben viele Spieler gesehen, die sich darüber Sorgen machen! Tatsächlich sind die meisten Szenarien rund um die Story-Link-Funktion handgefertigt. Es ist ein komplexes Netz von Möglichkeiten, aber mit Input von Designer und Autoren im Zentrum. So konnten wir sicherstellen, dass selbst Spieler, die einen "Unruhestifter"-Weg gehen, interessante und spaßige Szenarien für zukünftige Spieler schaffen, die ihnen folgen. Wenn der vorherige Spieler ein Idiot war, hast DU die Chance, die Dinge zu reparieren und als bessere Person darzustellen. Außerdem haben wir ein Gleichgewicht gefunden, damit du weiterhin dein eigenes Schicksal kontrollieren kannst.

Wenn ich es einfach sagen muss: Der andere Spieler beeinflusst hauptsächlich deine Reise, nicht dein Ziel.

Gamereactor: Wie groß sind die jeweiligen Inseln und wie sehr können wir erwarten, dass die Erkundung beeinflusst, wie viel Zeit man auf jeder Insel verbringt?

Poncet: Die Inseln sind ziemlich groß! Du kannst damit rechnen, doppelt so viel Zeit auf den meisten Inseln zu verbringen, wenn du dich entscheidest, alles zu erkunden und mit allen zu reden. Allerdings ist die meiste Erkundung optional: Der kritische Weg auf jeder Insel ist immer story-getrieben, wobei die Verzweigungen je nach deinen Story-Entscheidungen und nicht von der Art und Weise abhängen, wie du den Ort erkundest.

Gamereactor: Wie reichlich ist das Medikament zur Bekämpfung der Plastämie-Krankheit vorhanden? Werden die Spieler gezwungen sein, zwischen dem Retten von NPCs und sich selbst zu wählen?

Poncet: Wie ich bereits erwähnt habe, spielen die Ressourcen eine entscheidende Rolle im Spiel und in der Erzählung. Medizin ist ziemlich selten und wird im Verlauf der Geschichte noch seltener. Du kannst es kaufen, stehlen, durch Erkundung finden oder durch narrative Ereignisse bekommen. Dann liegt es an dir, zu entscheiden, was du damit machst. Du wirst etwas für dein eigenes Überleben brauchen, aber wenn du mehr übrig hast, wirst du dann alles für dich horten, nur für den Fall? Soll ich etwas für andere Spieler oder für NPCs übrig lassen? Und was passiert, wenn du nicht genug für dich selbst nimmst? Es stehen einige schwierige moralische Dilemmata und große Konsequenzen bevor!

Gamereactor: Kannst du dich den Fraktionen im Spiel anschließen, oder bist du eher ein einzelner Abenteurer während der Geschichte?

Poncet: Der Spieler verkörpert einen Tidewalker, Teil einer mysteriösen Gemeinschaft, von der gemunkelt wird, sie stamme aus der "alten Welt". Du kannst dich entscheiden, als einzelner Abenteurer zu spielen oder starke Bindungen zu NPCs und anderen Spielern aufzubauen. Jede der Fraktionen hat eine andere Beziehung zu den Tidewalkern, die sich je nach eigenen Entscheidungen und den Handlungen der vorherigen Spieler weiterentwickeln kann.

Du wirst potenzielle Freunde und Verbündete in allen Fraktionen finden (die Reclaimers, die Marauders und die Mystiker), aber es liegt an dir, ob du ihnen zustimmst oder ihnen trotzt. Du kannst versuchen, alle zu vereinen oder das Schicksal einer Fraktion für immer ruinieren! Die Epiloge des Spiels haben Teile, die jeder Fraktion gewidmet sind.

Gamereactor: Wie geht Digixart an, künstliche Intelligenz in seinen Projekten einzusetzen? Hast du eine Reihe von Richtlinien, an die du dich hältst?

Poncet: Wir haben viele ethische Probleme mit KI. Unsere Spiele enthalten keine generative KI im Endprodukt. Wir nutzen KI als Produktionswerkzeug, nicht für Kunst (nie!), sondern hauptsächlich zur Unterstützung der Programmierung oder zur Automatisierung zeitaufwändiger Aufgaben wie Datenanalyse. Wir haben außerdem Text-zu-Sprache-Technologie verwendet, damit die NPCs unsere Dialogzeilen sprechen, während wir die Geschichte weiterentwickeln, bevor wir sie durch echte Synchronsprecher ersetzt haben!

Gamereactor: Wie lange erwartest du, dass ein Durchlauf von Tides of Tomorrow dauert?

Poncet: Ein Durchlauf dauert zwischen 10 und 15 Stunden, je nachdem, wie viel du erkundest und wie viele Level du spielst (viele davon sind optional). Wenn du weniger Zeit hast und die Hauptgeschichte erleben möchtest, kannst du das Spiel ziemlich schnell durchspielen. Aber wenn du tief in die Welt des Spiels eintauchen, alle Geheimnisse finden und jedes einsichtswerte Dokument lesen willst, wirst du viel Freude haben!

Gamereactor: Hast du schon darüber nachgedacht, das Spiel für Nintendo Switch 1 oder 2 zu bringen?

Poncet: Das Spiel ist grafisch ambitionierter als unser vorheriges Spiel Road 96. Wir nutzen außerdem Unreal Engine 5 mit Lumen und Nanite, die nicht leicht mit der Nintendo Switch kompatibel sind. Deshalb haben wir uns vorerst auf die PS5 und Xbox Series konzentriert.

Gamereactor: Was ist ein Teil von Tides of Tomorrow, von dem Sie glauben, dass die Leute nicht genug darüber sprechen?

Poncet: Wir sprechen viel über die Story-Link-Funktion, da das das Haupt-"Neue" ist, was das Spiel zu bieten hat. Ich denke, wir sprechen nicht genug über die reale Metapher um Meeresverschmutzung, die wir im Spiel darstellen wollen – weil die Gesellschaft insgesamt nicht genug darüber spricht!

Ich würde auch gerne mehr Diskussionen über unsere Charaktere sehen. Es mag schwer sein, sie vor dem Spiel zu kennen, aber ich persönlich finde die meisten Hauptcharaktere sehr interessant. Wir haben außerdem eine Galerie exzentrischer Nebenfiguren, denen du auf deiner Reise begegnest: jemand, der in einem Mülleimer lebt, ein seltsamer Typ namens BOMBI, der sein Leben damit verbringt, BOMBEN auf der Spitze eines einstürzenden Turms zu bauen, zwei Geschwister, die ihr Bootsreich in zwei Hälften geteilt haben und sich seitdem auf Sicht gegenseitig angreifen... und viele andere. Ich nenne sie die "Plasticpunk-Weirdos", und es ist immer eine Freude, einen von ihnen zu treffen. Aber du musst sie im Spiel entdecken!

Danke an Digixart und Ponstent, dass sie sich die Zeit genommen haben, unsere Fragen zu beantworten. Tides of Tomorrow soll am 22. April für PC, PS5 und Xbox Series X/S erscheinen, also bleibt dran für weitere Berichterstattung zum Spiel.

Beste Cameos und größte Vermisste in The Super Mario Galaxy Movie

david@gamereactor.de (David Caballero) — Wed, 01 Apr 2026 12:01:54 +0200

Er läuft jetzt im Kino und Sie können unsere Rezension zu The Super Mario Galaxy Movie auf Gamereactor lesen. Natürlich ist diese Fortsetzung ein weiterer Wirbelsturm aus Anspielungen und Anspielungen auf die 40 Jahre Super-Mario-Videospiele und andere eng verwandte Charaktere, daher hier unsere Zusammenfassung der herausragendsten Cameos (wenn Sie das Wortspiel entschuldigen) und Abwesenheiten in diesem neuen animierten Blockbuster.

Natürlich empfehlen wir, nur weiterzulesen, wenn man den Film bereits gesehen hat, da wir uns in Spoiler-Gebiet begeben –, aber hier ist unsere Liste der Lieblingscameos und Elemente, die wir verpasst haben, von denen viele sicher für zukünftige Teile oder Spin-offs wie das offensichtliche Donkey Kong aufgehoben werden.

Die besten Cameos in The Super Mario Galaxy Movie

Fox McCloud. Fans hatten ihn bereits entdeckt (oder Nintendo hatte den Fuchs aus dem Sack gelassen) und dann wurde es offiziell gemacht. Er ist DER CAMEO dieses Films. Sein Design, seine Linien und seine Haltung, seine Animationen, dieser Arwing, der jetzt vier Sitze hat... sogar die Anime-Sequenz, die seine Hintergrundgeschichte und Begleiter wie Slippy Toad einführt, ist für Nintendo perfekt gelungen: eine ideale Werbung für ein neues Star-Fox-Spiel und vielleicht für einige animierte Inhalte in Form eines eigenständigen Films oder einer Serie. Schließlich ist er eine weitere von Miyamotos Lieblingskreationen

Daisy. Es wurde auch Zeit. Ein Favorit unter uns, die bestimmte Mario Tennis-Spiele spielen, und eine Legende aus Super Mario Land. Sie spielt die Hauptrolle in der Post-Post-Post-Credits-Szene (der zweiten) und wir wissen nicht, was sie vorhat, aber sie bleibt dabei. Natürlich, und abgesehen von einer weiteren kanonischen Überraschung, ist sie nicht Peachs Schwester, sondern die Prinzessin des Königreichs Sarasaland. Der Freund, dem Luigi Mario vorstellen wollte?

Dry Bowser. Wir wussten es alle in dem Moment, als Bowser begann, über die Zugbrücke zu gehen, aber das machte es nicht weniger erfreulich. Ebenso wenig spielte es eine Rolle, dass wir gelacht haben, als es den Dry Bones auf der Lava-Achterbahn passierte. Die legendäre Verwandlung aus New! Super Mario Bros. brachte auf die große Leinwand und eine neue Interpretation des besten Charakters der Filme, Jack Blacks.

Mr. Game & Watch. Im ersten Teil gab es bereits Silhouetten und Anspielungen, doch hier gibt es einen unerwarteten Auftauchen, fast in Form eines Super Smash Bros.-Herausforderers. Luigi kann nicht malen, aber er erfindet diese fantastische Retro-Kreatur, um den Schurken ordentlich eine Tracht Prügel zu verpassen.

Peachs Regenschirm. Okay, es ist kein Charakter, aber es ist ein Symbol, und in diesem Fall ein richtiges 'Geburtstagsgeschenk' von Mario, mit aller Liebe und Absicht gegeben. Und Prinzessin Toadstool setzt das sofort gut ein!

Die Pikmin. Ein weiteres bewusstes Leck, aber auch einer der bestplatzierten Cameos, nach der Statue auf dem Tisch der reichen Castellanos im ersten Film. Wo ist Olimar?

R.O.B.. Es ist einer der besten Gags des Films und zollt dem faulen Bürokraten aus Zootropolis Tribut. Das Robotic Operating Buddy-Spielzeug, das in den USA so viele NES-Konsolen verkaufte und später selbst zu einer Videospielfigur wurde, ist so retro, dass die einfache Taillendrehung, um Peach und Toad Anweisungen zu geben, eine Weile braucht. Das ist einer der wenigen Pausenmomente des Films, und es funktioniert.

Die Hammer-Brüder. Nicht wegen des Aussehens selbst, was zu erwarten war, sondern wegen des Formats. Als 'König' Mario und Luigi das Pilzkönigreich leiten, müssen sie eine Reihe von Besorgungen in Form von Missionen auf der Karte erledigen, begleitet von den 'Du bist kurz vor dem Tod'-SFX aus Mario 64. In dieser Galerie aus Anspielungen, Anspielungen und Power-ups treffen dir die Hammer Brothers zweimal ins Herz.

Der Drache aus Super Mario Odyssey. Ruined Dragon, Boss des Ruined Kingdom, Lord of Lightning, Isildurs Erbe, hat einen sehr stilvollen Cameo-Auftritt in einer der besten Szenen des Films: dem finalen Kampf zwischen Bowser/Dry Bowser-Bowser Jr. und Mario-Luigi-Yoshi. Die Verwandlung ist ebenso beeindruckend wie dramatisch und eine der wenigen gut umgesetzten Anspielungen auf die Odyssee des Klempners.

Der Hund der Castellanos. Er war bereits zu einer Figur im Mario-Universum geworden, nach seiner sehr Illumination-ähnlichen Rolle im ersten Film und seiner Verbindung zu Luigi. Hier hat er einen Moment auf Yoshis New York-Reise, aber sie sagen auch, dass er einer bestimmten Figur ähnelt und den Namen der wohlhabenden Familie enthüllt.

Ukiki, der Affe. Mehr als sein Aussehen lieben wir, wie es in die Szene kommt, sehr niedlich aussieht, sich aber dann in den glitschigen, nervigen kleinen Schlingel verwandelt, an den wir uns aus Yoshi's Island und Super Mario 64 erinnern.

Warze, Birdo und Maus. Nicht zu verwechseln mit 'Bowser'. Wir wussten bereits, dass die völlig bösen, mafiaähnlichen Schurken aus Super Mario Bros. 2 – dem 'falschsten' Mario Bros.-Spiel – dort sein würden. Und wir lieben es, denn genau wie seltsam, anders und lächerlich gut zu vier Figuren dieser Titel passte, verdient er diese kanonische Anerkennung.

Die Piantas, die Queen Bee und die Bewohner des Sandkönigreichs. Tostianer, Moe-Eyes und andere Kreaturen aus dem Mario-Universum tauchen im Rahmen der Abfolge von Königreichen und Galaxien auf der Leinwand auf. Es ist in Ordnung, dass sie die Queen Bee mit ihrer eigenen prominenten Schauspielerin und einem engagierten Moment hervorgehoben haben, aber bei so vielen Anspielungen und Power-ups empfinden wir es als Verschwendung, den niedlichen Bee Mario nicht gesehen zu haben.

Power-up-Feuerwerk. Pilz, Feuerblume, Stern... Feuerwerk begleitet die Feierlichkeiten im Pilzkönigreich seit dem ersten Spiel vor 40 Jahren, aber in mehr als einem Titel (zum Beispiel Super Mario Bros. 3, Super Mario RPG und Super Mario 3D World) tauchten sie in Form von Power-up-Items auf. Diese Anspielung ist auf Peachs Geburtstagsfeier in diesem Spiel sehr präsent. Übrigens, verpassen Sie nicht unser TOP: Das beste Feuerwerk in Videospielen.

Verpassen Sie nicht: Der Galaxy-Film beschränkt sich auf das Excitebike, das Mario und Luigi in ihrem Zimmer spielen, und wenig anderes, sodass Sie sich alle 8-Bit-Spiele aus Super Mario Bros. ansehen können. Der Film

Die Hauptabwesenden in The Super Mario Galaxy Movie

Donkey Kong. Er ist ein Mythos, eine Legende, derjenige, der alles begonnen hat. Aber er taucht nicht auf. Sogar die Lumas verehren ihn und imitieren ihn, aber er ist verschwunden. Nun, er hat einen kleinen Cameo-Auftritt in den Erinnerungen von Yoshi, dem Touristen, aber nicht mehr. Er ist sicher damit beschäftigt, seinen eigenen Film zu 'drehen', aber die Lücke, die seine bestialische Persönlichkeit hinterlässt, ist allzu spürbar.

Toadette. Wenn sie vor drei Jahren schon die zweitgesuchteste war, konnte sie diesmal keinen anderen Platz einnehmen. Wir sehen ständig Toads aller Stile, Altersgruppen und Farben, aber kein Anzeichen ~~des besten Mario-Kart-Rennspiels,~~ des beliebten rosa Pilzes mit zwei Zöpfen.

Wario und Waluigi. Es gab einen Hinweis, aber es war eine falsche Fährte. Die Handlung hat die Eskapaden dieser beiden nicht berührt, obwohl das Casino-Setting einen Hauch von Waluigi und seinem Flipperball hätte haben können, und Wart hätte leicht den gierigen Wario engagieren können. Es wird interessant sein, sie in Zukunft als verschiedene Antagonisten zu sehen.

Das zusätzliche Lebens-Power-up (1-UP Pilz). Wir erwarten, dass er jemanden zurückbringt, von dem wir nicht wussten, dass er einen gegessen hat, in zukünftigen Filmen. Willst du wetten? An diesem Mal ist sein unverkennbarer Klang nur kurz vor Filmbeginn zu hören, nachdem die Minions den Donkey-Kong-Song gespielt haben, zusammen mit dem Nintendo-Logo (von 39 bis 40 Leben für Super Mario).

Chalres Martinet. Du gibst also zwei Rollen (Giuseppe und Marios Vater) der legendärsten Stimme des Klempners im ersten Film und keinen einzigen Moment im zweiten? Und wer hat früher in deinem Haus "Super Mario Galaxyyyy yahoo" gesagt? Es ist schade, dass der allerbeste Cameo vor drei Jahren diesmal in dieser anderen Top-Liste landen muss.

Was waren Ihre Lieblingscameos und welche Elemente haben Sie nach dem Anschauen von The Super Mario Galaxy Movie vermisst? Hinterlasse einen Kommentar.

Screen Time - April 2026

ben@gamereactor.de (Ben Lyons) — Wed, 01 Apr 2026 09:00:00 +0200

Der Frühling ist nun wirklich da, und während man vielleicht erwartet, sich bald in die weite, böse Welt hinauszuwagen und immer mehr Zeit im Freien zu verbringen, werden die zahlreichen neuen Filme und Fernsehserien, die in die Kinos und auf die Streaming-Plattformen kommen, ihr Bestes tun, um einen vom Gegenteil zu überzeugen. Der April ist randvoll mit Filmen und TV-Serien, die man sich nicht entgehen lassen sollte, und wie immer haben wir für die diesmonatige Folge von Screen Time die Crème de la Crème zusammengestellt.

Wie immer basieren unsere Entscheidungen auf einem britischen Veröffentlichungskalender, daher solltet ihr vor Ort genaue Informationen und Listings überprüfen.

Der Super Mario Galaxy Film - 1. April

Der Auftakt der Folge könnte einer der größten Filme des Jahres werden. Nach dem herausragenden Werk von The Super Mario Bros. Movie sind Illumination und Nintendo zurück für eine kosmische Fortsetzung, die die charismatische Besetzung für ein galaktisches Abenteuer in die Sterne führt. The Super Mario Galaxy Movie will das Pilzkönigreich hinter sich lassen und führt dabei eine Menge anderer legendärer Charaktere aus der größeren Mario-Welt ein und liefert so ein Abenteuer, das Videospielfans nicht verpassen wollen.

Das Drama - 3. April

Robert Pattinson und Zendaya sind derzeit zwei der größten Filmstars der Welt, daher ist es natürlich einen Fokus wert, die beiden für einen von A24 produzierten Film zusammenzubringen. Das Drama folgt einem glücklich verlobten Paar, dessen Hochzeitswoche auseinanderfällt, als ein dunkles Geheimnis aufgedeckt wird und ihre Beziehung wirklich auf die Probe gestellt wird...

Fuze - 3. April

Suchst du nach geradlinigerer Action? Wenn ja, solltest du deine Aufmerksamkeit auf Fuze richten. Dies ist ein Film, in dem ein Spitzenteam von Kriminellen einen legendären Coup vollendet, indem es eine nicht explodierte Bombe aus dem Zweiten Weltkrieg als Lockvogel benutzt. Mit Aaron Taylor-Johnson, Theo James, Sam Worthington und Gugu Mbatha-Raw im Cast erwartet man einen ziemlich mit Stars besetzten Film.

Star Wars: Maul - Shadow Lord [Disney+] - 6. April

Dein Lieblings-Sith-Lord, der zum Verbrecherboss wurde, kehrt im April mit seiner eigenen, dedizierten Spin-off-Animationsserie von Star Wars zurück. Maul - Shadow Lord erforscht die Ereignisse in Darth Mauls Leben nach den Klonkriegen und sieht, wie er sein kriminelles Imperium auf einem Planeten wieder aufbaut, der den Griff und die bedrückende Belastung des Imperiums noch nicht erfahren hat.

The Boys: Staffel 5 [Prime Video] - 8. April

Letztlich läuft alles darauf hinaus. Nach vier Staffeln atemberaubender Gewalt ist es endlich Zeit, dass The Boys ihren Abschluss finden - alles in Form eines eigenen letzten Kapitels, in dem Billy Butcher und seine Bande gegen Homelander und Vought kämpfen - ein zweifellos blutiges, verdrehtes und etwas urkomisches Finale.

Ready or Not 2: Here I Come - 10. April

Samara Weaving scheint einfach keine Pause zu bekommen. Nachdem sie die brutalen Ereignisse von Ready or Not überlebt hat, ist die Schauspielerin nun wieder auf der Flucht als Grace, in einer eigenen Fortsetzung, in der sie von vier rivalisierenden Familien gejagt wird, die um einen nun vakanten Thron konkurrieren. Werden sie und ihre Schwester, gespielt von Kathryn Newton, überleben?

Outcome [Apple TV] - 10. April

Es gibt einige wichtige Gründe, diesen Monat Zeit für Apple TV zu investieren, und ein Beispiel ist die neueste Regiearbeit von Jonah Hill. Der ikonische Comedy-Schauspieler sitzt wieder auf dem Regiestuhl (und steht vor der Kamera) für den Film Outcome, ein Projekt, das Keanu Reeves' Reef Hawk folgt, einem ehemaligen Hollywood-Star, der nach fünf Jahren Abwesenheit mit einer lähmenden und geheimen Drogensucht wieder ins Rampenlicht rücken will.

Undertone - 10. April

A24 steht ein arbeitsreicher April bevor, denn als Nächstes steht ein weiteres unverzichtbares Horrorprojekt der Produktionsfirma an. Undertone ist eine spannende und beunruhigende Geschichte über eine Podcast-Moderatorin, die unerwartet etwas Dunkleres und Verdrehteres in ihr Leben aufnimmt, während sie schreckliche Aufnahmen im Rahmen ihrer fortlaufenden Krimiserie hört.

Euphoria: Staffel 3 [HBO Max] - 13. April

Wir mussten länger warten als gedacht, aber endlich kehrt Euphoria diesen April mit dem dritten Kapitel der übergreifenden Geschichte auf die Fernsehbildschirme zurück. Diese Dramaserie wendet sich vom Chaos der Highschool ab und zeigt die Darsteller nun als junge Erwachsene, die mit all den Belastungen und dem Druck dieser Lebensphase zu kämpfen haben. Zendaya, Sydney Sweeney, Hunter Schafer, Jacob Elordi und weitere kehren für die nächste Staffel zurück.

Margo's Got Money Troubles: Staffel 1 [Apple TV] - 15. April

Eine der weiteren großen Apple-TV-Neuerungen im April ist die neue Comedy-Drama-Serie Margo's Got Money Troubles. In dieser Serie übernimmt Elle Fanning die Hauptrolle und sie spielt eine junge Mutter, die, um mit wachsender finanzieller Belastung umzugehen, sich OnlyFans zuwendet und den Rat ihres entfremdeten Wrestling-Vaters nutzt, um das Beste aus der Plattform herauszuholen.

Beef: Staffel 2 [Netflix] - 16. April

Wie immer hat Netflix im April einige Highlights zu bieten, darunter die Rückkehr der Comedy-Serie Beef. Ab dem Krieg zwischen Steven Yeun und Ali Wong dreht sich diese zweite Staffel um das junge Paar von Charles Melton und Cailee Spaeny, das einen beunruhigenden Kampf zwischen Oscar Isaac und Carey Mulligans Ehepaar überwindet.

Lee Cronin's The Mummy - 17. April

Wieder ein Film für die Horror-Freaks da draußen. Lee Cronin aus Evil Dead Rise sitzt wieder im Regisseursitz für einen weiteren grausamen und verdrehten Film, der sich um eine lange verschollene Tochter dreht, die als etwas anderes zurückkehrt... Lee Cronins The Mummy ist eine Geschichte, die in den Mythos der Mumifizierung eintaucht und zeigt, wie eine Familie von ihrer einst schönen Tochter heimgesucht wird.

Stranger Things: Tales from '85 [Netflix] - 23. April

Die Hauptgeschichte von Stranger Things mag ihren Abschluss gefunden haben, aber es gibt immer noch Gründe, für übernatürliche und ungewöhnliche Abenteuer nach Hawkins zurückzukehren. Ein solches Beispiel ist die Zeichentrickserie Stranger Things: Tales from '85, ein isolierteres Abenteuer, das zeigt, wie Eleven und die Bande im Winter 1985 mit einem paranormalen Rätsel umgingen, das die Stadt bedrohte, als sie noch viel jünger waren.

Michael - 24. April

Ihr kennt den Mann, ihr kennt seine Musik, aber kennt ihr auch wirklich seine Geschichte? Ihr kennt den Mann, ihr kennt seine Musik, aber kennt ihr auch wirklich seine Geschichte? Falls ihr euch in diesem Punkt noch nicht ganz sicher seid, dann solltet ihr euch Michael nicht entgehen lassen: Antoine Fuquas Doku-Drama, das tief in das Leben von Michael Jackson eintaucht und nachzeichnet, wie ein talentierter junger Musiker zum King of Pop aufstieg und schon bald mit all den Komplikationen zu kämpfen hatte, die weltweiter Ruhm mit sich bringt.

Apex [Netflix] - 24. April

Das vorletzte Netflix-Projekt, das wir im April in den Mittelpunkt stellen werden, ist Apex, ein Action-Thriller, der Charlize Therons adrenalinsüchtige Figur Sasha folgt, die während des Versuchs, einen brutalen Fluss zu überwinden, ums Überleben kämpft, das über das hinausgeht, was die Natur zu bieten hat. Mit Taron Egerton und Eric Bana im Cast erwartet man einen Film, der das Mantra "Jagen oder gejagt werden" wirklich verkörpert.

Man on Fire: Staffel 1 [Netflix] - 30. April

In der letzten Netflix-Produktion und dem abschließenden Beitrag für Screen Time im April spielt Yahya Abdul-Mateen II die Hauptrolle in einer neuen Verfilmung von Man on Fire. Basierend auf einem Roman, der auch als Inspiration für den Denzel-Washington-Film von 2004 diente, folgt Man on Fire einem ehemaligen Söldner, der sich auf eine Rachemission begibt und gleichzeitig die Tochter eines verstorbenen Kollegen beschützt.

Wieder einmal ein echter Knaller. Wie immer könnt ihr in einem Monat wieder vorbeischauen, um zu sehen, was der Mai 2026 für Kinogänger und Nutzer von Streaming-Diensten bereithält.

Spiele, nach denen man Ausschau halten sollte – April 2026

ben@gamereactor.de (Ben Lyons) — Mon, 30 Mar 2026 11:00:00 +0200

Es war ein unvergesslicher Jahresanfang, denn seit Neujahr wurden wir mit einer Menge spannender und bedeutender Spiele-Starts verwöhnt. In diesem Sinne verlangsamt sich der April keine Sekunde, denn wir steuern auf den vielleicht besten Monat des Jahres 2026 zu. Ja, es wird ein guter Film, also verschwenden wir keine Zeit mehr und beginnen mit den Spielen für diese Monate.

Darwin's Paradox (PC, PS5, Xbox Series, Switch 2) – 2. April

Zunächst haben wir ein Action-Adventure-Spiel mit einem niedlichen Oktopus-Protagonisten. Darwin's Paradox von ZDT Studio ist ein herausforderndes und auf Schleichen fokussiertes Videospiel, bei dem die Spieler ein kleines Meereswesen zurück in die Sicherheit des Ozeans führen müssen, dabei industrielle Gefahren und bösartige Raubtiere vermeiden. Mit einem 2D- und Side-Scrolling-Format erwartet man kreatives Plattforming und nervenaufreibende Spannung in diesem vielversprechenden Indie.

The Occultist (PC, PS5, Xbox Series) – 8. April

Als Nächstes haben wir eine ganz andere Art von Spiel, denn Daloars The Occultist ist ein Thriller aus der Ich-Perspektive, der einem paranormalen Ermittler folgt, der auf eine verlassene britische Insel reist, um die Wahrheit hinter dem Verschwinden seines Vaters herauszufinden. Natürlich, oder besser gesagt übernatürlich, steckt auf dieser Insel viel mehr, als man sonst denken würde, was zu einem Abenteuer führt, das dunkel, verdreht und beunruhigend ist.

Samson (PC) – 8. April

Die Leute bei Liquid Swords sind bereit, ihr erstes Projekt zu präsentieren, denn im April wird Samson erscheinen. Dies ist eine kraftvolle und düstere Geschichte, die einem Mann folgt, wie er versucht, genug Geld zusammenzubekommen, um einige gefährliche Personen zu bezahlen, die seine Schwester als Geiseln halten. Das führt zu allerlei Chaos in einer urbanen Welt, in der die beste Lösung darin besteht, dass Samson alles durchmacht, was ihm in den Weg kommt.

Ersetzt (PC, Xbox One, Xbox Series) – 14. April

Wir wurden bereits mit einigen spannenden Indie- und AA-Abenteuern verwöhnt und gehen jetzt noch einen Schritt weiter, um Replaced ins Rampenlicht zu rücken. Der von Sad Cat Studios stammende Unexpected ist ein 2,5D-Action-Plattformer, der einer KI folgt, die in einem menschlichen Körper gefangen ist und versucht, aus einer katastrophalen und verdrehten Stadt zu entkommen, in der Leben wie Währung gehandelt werden. Angesiedelt in einem alternativen Amerika der 1980er Jahre erwartet man neonbeleuchtete Gassen, Industrieödland und eine stimmungsvolle Cyberpunk-Atmosphäre.

Maus: P.I. For Hire (PC, PS5, Xbox Series, Switch 2) – 16. April

Genießt ihr diesen April ohne AAA bisher? Gute Nachrichten: Jetzt ist es Zeit, dass Fumi Games das Rampenlicht stiehlt, denn Mouse: P.I. Zu mieten steht als Nächstes auf unserer Liste. Der atemberaubende, mit Gummischlauch animierte Schwarz-Weiß-Action-Shooter ist fast da, bringt bombastischen Kampf, einen altmodischen Soundtrack und einen verwirrenden Fall, der es zu lösen gilt, was für einen weiteren unverzichtbaren Indie im April sorgt.

Cthulhu: Der kosmische Abgrund (PC, PS5, Xbox-Serie) – 16. April

Zurück in die Welt der AA-Entwicklung: Diesmal steht Big Bad Wolf im Rampenlicht und präsentiert Cthulhu: The Cosmic Abyss, ein atmosphärisches und düsteres Abenteuerspiel, das einem Mann folgt, der versucht, die Geheimnisse der Tiefe zu entschlüsseln, während er auf einer Bergbaustation tief im Pazifik-Abgrund festsitzt. Mit einem lovecraftianischen Thema wird dieses Abenteuerprojekt die Spieler mit uralten Schrecken konfrontiert und sich damit auseinandersetzen, was tatsächlich real ist und was nicht.

Tomodachi-Leben: Den Traum leben (Switch, Switch 2) – 16. April

Wir haben noch nie einen reinen Indie- oder AA-Monat auf GTLF gemacht, und hier endet der Versuch im April, denn jetzt ist es Zeit, dass Nintendo auftaucht und die exklusiven Switch-1- und 2-Titel, Tomodachi Life: Living the Dream, präsentiert. Wir hatten vielleicht gerade Pokémon Pokopia, aber offensichtlich denkt Nintendo, dass wir mehr Lebenssimulationen in unserem Leben brauchen, und genau das bekommen wir mit diesem Mii-fokussierten Abenteuer.

Pragmata (PC, PS5, Xbox Series, Switch 2) – 17. April

Capcom hat mit Resident Evil Requiem bereits einen herausragenden Start ins Jahr hingelegt und hofft, dass es auch nur ein bisschen davon mit dem kommenden Pragmata wiederholen kann. Dieses Actionspiel, das als das neueste geistige Eigentum des japanischen Titanen gilt, hat ein Science-Fiction-Thema und zeigt, wie ein menschlicher Held und ein Androidenbegleiter versuchen, durch eine Mondforschungsstation zu überleben und voranzukommen, auf der allerlei robotische Monster lauern.

Tides of Tomorrow (PC, PS5, Xbox Series) – 22. April

Es ist Zeit, für eine Weile zum AA-Segment zurückzukehren, denn Road 96-Schöpfer Digixart präsentiert nun Tides of Tomorrow. Dies ist ein erzählerisch lastiges Adventure-Spiel mit einem starken Community-Fokus, bei dem die Entscheidungen, die du triffst, nicht nur dein Erlebnis beeinflussen, sondern auch andere beeinflussen kann. Das Spiel spielt in einer Plasticpunk-Welt, mit dem Ziel, ein Tidewalker zu werden, der versucht, in einer überfluteten Welt zu überleben.

Masters of Albion (PC) – 22. April

Ob man ihn liebt oder hasst – Peter Molyneux ist einer der bekanntesten Namen in der Welt der Videospielentwicklung, und im April ist der ehemalige Lionhead-Boss und Fable-Schöpfer zurück mit dem, was er als sein Meisterwerk betrachtet. Masters of Albion ist der Name dieser Gottspiel-Simulation, die den Spielern vollständige göttliche Kontrolle über eine Welt geben will, in der man bauen kann, was man will, töten kann, wen man will, und bewegen kann, wohin man will.

Kiln (PC, PS5, Xbox Series) – 23. April

Es sind etwa sechs Monate vergangen, seit Double Fine zuletzt mit dem farbenfrohen Adventure-Spiel Keeper aufgetreten ist, und schon ist der Psychonauts-Entwickler mit einem weiteren Spiel zurück. Das ist jedoch eine ganz andere Sache, denn Kiln ist ein Töpfer-Party-Brawler, ein Projekt, bei dem die Spieler verschiedene Arten von Keramik antreten und dann in verschiedenen Modi mit Freunden und gegen ein rivalisierendes Team antreten. Das klingt alles so doppelt gut, wie ein Spiel nur sein kann, oder?

Aphelion (PC, PS5, Xbox-Serie) – 28. April

Hast du diesen Monat noch nicht genug von Action-Adventure-Spielen gehabt? Gut, denn jetzt ist Don't Nod an der Reihe, denn der französische Entwickler ist bereit, Aphelion der Welt vorzustellen. Dies ist eine Geschichte, die einem Astronautenpaar folgt, die die äußerst wichtige Mission übernommen haben, einen fernen neunten Planeten am Rand des Sonnensystems zu erkunden und zu erkunden, in der Hoffnung, dass die eisige Welt als sicherer Zufluchtsort für die Menschheit dienen kann, die einer sterbenden Erde entkommen will.

Diablo IV: Lord of Hatred (PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series) – 28. April

Es ist fast an der Zeit, dass die Hatred-Saga ihren Abschluss findet, denn Diablo IVs Lord of Hatred-Erweiterung wird Ende April erscheinen und wir wollen sehen, wie die Menschheit endlich den Kampf gegen Mephisto führt – mit dem Schicksal von Sanctuary auf dem Spiel. Mit der offiziellen Einführung der Warlock-Klasse und des Paladins führt diese Erweiterung eine neue Region zum Erkunden, viele neue Aktivitäten, überarbeitete Features und jede Menge Beute zum Jagen ein.

Saros (PS5) – 30. April

Nachdem sie vor einigen Jahren mit dem hervorragenden Returnal die Welt umgehauen hatten, wird das finnische Team von Housemarque im April mit dem mit Spannung erwarteten Saros zurückkehren. Auch als Sci-Fi-Action-Adventure-Spiel konzipiert, besteht die Idee darin, sich als Protagonist auszuziehen, dargestellt von Rahul Kohli, und dann kopfüber in eine Welt unter dem Schatten einer Finsternis zu rasen, um die gespenstischen Geheimnisse des Landes zu lüften und mit seinen feindlichen Bewohnern fertigzuwerden.

Invincible VS (PC, PS5, Xbox Series) – 30. April

Abschließend haben wir noch einen weiteren Tag-Battle-Match für die Kampffans. Quarter Up arbeitet mit Invincible-Schöpfer Robert Kirkman zusammen, um ein herzzerreißendes und kraftvolles 2D-Kampfspiel zu entwickeln, das Teams von Helden und Schurken an ikonischen Orten und in einer eigens für dieses Projekt entwickelten Geschichte gegeneinander antreten lässt.

Wow, was für ein Hammer. Es versteht sich von selbst, dass im April für jeden etwas dabei sein sollte, aber wenn Sie den Horizont bereits genau im Auge behalten, kommen wir in ein paar Wochen zurück, um zu sehen, was der Mai 2026 für Videospiel-Fans bereithält.

Jüngste Trends, die Gaming hinter sich lassen sollte, sollte man hinter sich lassen

alex@gamereactor.de (Alex Hopley) — Sun, 29 Mar 2026 13:00:00 +0200

Ich werde in diesem Artikel nicht über Live-Service sprechen. Bin ich nicht. Wir wissen alle, warum viele Spieler es hassen, und doch sieht man einen Erfolg wie ARC Raiders und wäre blind, wenn man nicht weiß, warum Entwickler und Publisher weiterhin spielen, träumend von ihren 15 Millionen verkauften Exemplaren und ihrer konstanten 100.000+ Spielerzahl. Dieses Pferd wurde zu Tode geprügelt, und auch wenn wir Concord 3 vor Grand Theft Auto VI sehen, gibt es in den letzten Jahren viele andere Trends, die im Gaming entstanden sind, die wir ebenfalls aufgeben sollten. Von schlechter Entwicklung bis hin zu Spielern, die lernen müssen, sich zu verhalten – hier sind einige der schlimmsten Trends in den Spielen der letzten Jahre, die wir hinter uns lassen müssen.

Den Drachen jagen

Über Live-Service werde ich hier trotzdem nicht sprechen, denn auch wenn manche Publisher die Augen von einem neuen erfolgreichen Helden-Shooter zu Dollarzeichen werden können, geben heutzutage viele Spiele unzählige Dollar für Marketing aus, um zu erzählen, dass sie wie ein weiteres Spiel sind, das einen Präzedenzfall für ein Genre gesetzt hat. Es ist nicht unbedingt eine kontroverse Meinung, aber ich finde es fast peinlich, wie viele Spiele im Laufe der Jahre als Soulslikes bezeichnet wurden, stolz zeigen, dass sie versuchen, wie FromSoftwares RPGs zu sein, aber wissen, dass sie nicht so gut sind.

Diese Idee, dem Erfolg eines besseren Produkts nachzujagen und nachzuahmen, funktioniert selten. Wenn die letzten Jahre im Gaming etwas bewiesen haben, dann, dass Entwickler am besten arbeiten, wenn sie sich nicht auf die Arbeit eines anderen großartigen Studios konzentrieren, sondern auf ein Spiel, für das sie leidenschaftlich sind. Clair Obscur: Expedition 33 wurde von Sekiro inspiriert, aber man sieht es nicht in einem japanischen Setting, mit Heimlichkeit und einem riesigen Affen, der seinen eigenen Mist auf einen wirft. Inspiriert zu sein ist in Ordnung; Heutzutage ist es fast unmöglich, etwas völlig Neues zu schaffen, aber die verzweifelten Versuche, auf den Erfolg anderer anzuschränken, sollten ein Ende finden.

Schwierige Chefs zu schaffen, ohne zu verstehen, warum sie funktionieren

Das gilt auch für viele andere Mechaniken, aber ich spüre es am dringendsten, wenn ich ein Spiel sehe, das eigentlich nicht "Mallowbold, der treulose König von Feuer, Tod und Leiden" nach mir werfen sollte, obwohl ich sonst einfach normale Gegner verprügelt habe. Das ist weniger eine Beschwerde über den Schwierigkeitsgrad, denn obwohl ich zu alt werde und zu wenig Zeit habe, um stundenlang mit dem Kopf gegen die Wand eines Bosses zu schlagen, verstehe ich immer noch den Sinn und die Beweggründe hinter schwierigen, unterhaltsamen Begegnungen.

Das Problem entsteht bei Bossen und anderen Mechaniken, die ohne diesen Zweck in ein Spiel geworfen werden. Ohne die Logik, die dir klar macht, warum du verprügelt wirst, und die dich dazu bringt, weiterzumachen. FromSoftware bekommt das Bossdesign nicht immer richtig hin, wie Bosse wie Fire Giant und Radahn vor dem Patch beweisen, und deshalb ist es seltsam, wenn ich ähnliche Kampfarten in Spielen sehe, weil die Entwickler denken, dass die Spieler sie mögen werden, anstatt sie als erzählerisches und spielmechanisches Mittel zu sehen, das das Erlebnis aufwertet. Klar, du willst Dinge in deinem Spiel, die den Spielern gefallen werden, aber du solltest dein Spiel nicht zu einem dicken Brei aus geliebten Features machen, denn um alle zu beeindrucken, gefällst du niemandem.

Größer zu denken ist immer besser

Das war in den 2010ern ein stärkerer Trend als heute, aber wir sehen immer noch Spiele, die dir eine riesige Karte oder sogar eine riesige Galaxie (Starfield, hust) zeigen und sagen: "Hey, kannst du es nicht erwarten, stundenlang in diesem Bad zu verlaufen?" Dann fragst du, was es auf der Welt gibt, und sie starren dich einfach an wie in diesem einen Bild von Brendan Fraser in The Whale. Man braucht keine 100 Stunden Spielzeit oder eine Karte, über die 5 dieser Stunden gelaufen ist, um ein großartiges Spiel zu erstellen. Viele Spiele haben riesige Karten, Welten und Geschichten, was den Spielern das Gefühl gibt, mehr wert zu bekommen, als ihr Geld wert ist, aber ich denke, wenn man sich begeistert, wenn man nur "kartengroß" vermarktet, verpasst man etwas.

Spiele sind heutzutage teurer denn je, daher fühlt es sich etwas beleidigend an, 80 Dollar für ein zehnstündiges Erlebnis auszugeben, aber gleichzeitig muss es einen Mittelweg geben. Wir sehen, dass das an manchen Stellen erreicht wird, aber ich möchte eine Branche, in der es nicht um die Größe der Karte geht, sondern darum, wie man sie nutzt.

Farming von Engagement/Wutköder

Es ist eine negative Welt, oder? Dieser Artikel ist, wenn man darüber nachdenkt, ziemlich negativ. Ich kann es heutzutage aber ertragen, schlechte Praktiken oder schlechtes Marketing zu sehen. Was ich nicht erträge, ist die Menge an schlechter Absicht, Fehlinformationen und der Weigerung, die grundlegendsten menschlichen Emotionen und Gedanken im heutigen Gaming-Klima zu verstehen. Von den Anti-Woke-Jahren bis zu den ständigen Kämpfen gegen Autoren, Influencer und Medien fühlt es sich an, als hätte niemand viel zu lange durchgeatmet. Hey, weißt du doch, als dein Lieblingsspiel GOTY nicht gewonnen hat? Ist dir auch aufgefallen, dass die Welt in diesem Moment nicht wirklich zusammengebrochen ist? Ich sollte nicht bevormunden, und ich werde es auch nicht wieder tun, aber es fühlt sich an, als wäre es leichter denn je, dass Leute sich über Dinge aufregen, die eigentlich keine Rolle spielen.

Diese Negativität hat sich inzwischen auch auf Entwickler ausgebreitet, wo einige Spiele und Studios, die ich nicht nennen will, sich damit vermarkten, dass ja, sie fügen Brustrüstung, mittelalterliche Frauen mit modernem Make-up oder irgendetwas von den Dingen hinzu, die versuchen, sich gegen die breitere Branche zu "wehren". Das Problem ist, dass die Branche inzwischen so breit gefächert ist, dass man wirklich die Spiele spielen kann, die man für immer spielen möchte, ohne jemals die Titel zu verlieren. Wenn es darum geht, eine Aussage zu machen, statt Kunst zu machen, dann tut man einfach das, was man behauptet, alle anderen zu tun.

Unglaublich lange und sinnlose Shows

Als Brite kann The Game Awards schwer anzusehen sein. Man muss viel zu lange aufbleiben, und jedes Jahr geht es immer mehr darum, einen für die kommenden Jahre zu motivieren, statt das gerade vergangene Jahr zu feiern. Wir sind jetzt da, wo wir stehen, aber wenn Mr. Keighley, Mr. PlayStation, Mr. Xbox oder Mr. Nintendo auch nur 10 Prozent von den Shows absparen könnten, könnte das sie etwas spannender machen.

Oder mach das, was Xbox mit seinen Developer Directs gemacht hat. Ich zeige ein paar Entwickler im Detail, damit du dich an alles erinnerst, was du gesehen hast. Ansonsten springen Leute in einen Stream, sehen oder sehen das Spiel, das sie in einem Wirbel von so vielen Spielen vorbeiflitzen wollen, dass man das Gefühl hat, das Gedächtnis wird gelöscht, und gehen dann weiter, warten auf das nächste.

Bestimmte Genres ignorieren, weil sie sich nicht verkaufen

Dieser Film fühlt sich an, als würde er verschwinden, dank jüngster Erfolge in einigen ehemals Nischengenres. Wenn man sich die insgesamt meistverkauften Spielstatistiken ansieht, ist es leicht, zu sagen, dass die Leute nur Shooter, Sportspiele und Minecraft mögen. Man würde einen großen Teil der Spieler verpassen, die nicht nur bereit sind, ein Spiel in einem Genre zu kaufen, das sie seit Jahren nicht mehr gesehen haben, sondern auch beim Entwickler bleiben, der seinen Lieblingsspieltyp wieder in den Mainstream gebracht hat.

Dispatch und Baldur's Gate III sind großartige Beispiele, aber die Nachfrage nach Remakes und Remastern alter Klassiker sollte uns zeigen, dass Spieler nicht nur die Spiele wollen, die sie zuvor gespielt haben, sondern auch neue Titel, die ein ähnliches Gefühl erzeugen können. Beachte, ich habe ähnlich gesagt, aber nicht dasselbe, um meinen ersten Punkt nicht zu widerlegen. Das Wichtige an beiden Beispielen ist, dass sie stark auf den Genres aufgebaut haben, von denen sie inspiriert wurden.

HBO Max ist im Vereinigten Königreich gestartet: Was man vom Dienst wissen und erwarten kann

ben@gamereactor.de (Ben Lyons) — Fri, 27 Mar 2026 15:00:00 +0100

Wie sieht dein Bankkonto aus? Wie finden Sie die endlose Vielfalt an abonnementbasierten Diensten, die heutzutage verfügbar sind? Hoffentlich hältst du noch durch, denn nun ist ein weiterer großer Dienst im Vereinigten Königreich gestartet, nämlich HBO Max. Fans in Großbritannien werden dank der Verbindung zwischen HBO und Sky/Now, die weiterhin besteht, mit vielem vertraut sein, da der neue Dienst auch über diese bestehenden Plattformen zugänglich ist. Das Debüt ebnet jedoch den Weg für eine Reihe von Shows, die entweder zum ersten Mal oder auf die zugänglichste Weise im Vereinigten Königreich ankommen.

Vor diesem Hintergrund haben wir einige Neuerungen hervorgehoben, die Sie sich jetzt ansehen möchten, da HBO Max auf britischem Boden angekommen ist.

Der Pitt

Wer Krankenhaus- und medizinische Dramaserien mag, sollte diese Serie nicht verpassen, die das Personal des Trauma Medical Centre in Pittsburgh begleitet. Erwarten Sie Chaos und Turbulenzen, während das qualifizierte medizinische Personal rund um die Uhr unermüdlich daran arbeitet, Leben in einer unterfinanzierten Notaufnahme zu retten.

Hahn

Steve Carrell kehrt in die Fernsehkomödie zurück und ist eine gefeierte Serie, die einem Autor folgt, der auf einen College-Campus reist, um mit der komplizierten Beziehung zu seiner Tochter umzugehen. Als witzig und gut geschrieben gilt, ist sie perfekt für alle, die eine ausgefeiltere Comedy-Serie suchen.

Harley Quinn

Vieles von dem, was DC in den letzten Jahren veröffentlicht hat, war im Vereinigten Königreich weit verbreitet und leicht zugänglich, aber die Harley-Quinn-Zeichentrickserie ist eine der wenigen Ausnahmen. Glücklicherweise sind jetzt alle fünf Staffeln der Serie, die bisher gemacht wurden, zugänglich, sodass man Harley und Poison Ivys Streiche nachholen kann.

Kite Man

Eine Spin-off-Serie basierend auf der oben genannten Harley-Quinn-Serie. Keine dieser Serien ist Teil des größeren DC-Universums, das stetig entsteht, aber wenn dir diese Welt und die skurrilen Charaktere gefallen, solltest du dir diese alberne Serie trotzdem anschauen.

Das Comeback

Lisa Kudrow ist zu einer ihrer beliebtesten Fernsehrollen zurückgekehrt, indem sie die Rolle der B-List-Schauspielerin Valerie in der Comedyserie The Comeback übernommen hat. Das ist keine neue Serie, denn wir bekommen meist alle zehn Jahre eine Staffel, mit der Premiere 2005, Staffel 2014 und jetzt Staffel 3 in diesem Jahr. Wenn dir also der skurrile Humor der Friends' Legends gefällt, solltest du das nicht verpassen.

DTF St. Louis

Jason Bateman, Linda Cardellini und David Harbour. Mit drei großen Namen wie diesen, die an eine TV-Serie gebunden sind, müssen wir wahrscheinlich nicht viel mehr sagen, um Sie davon zu überzeugen, sich das Projekt anzusehen. Aber falls ja, wird diese Serie als schwarze Komödie beschrieben, die ein Liebesdreieck zwischen Erwachsenen in einer Midlife-Crisis erforscht und wie einer von ihnen bald stirbt...

Abgesehen von diesen Serien, die Ihre Aufmerksamkeit verdienen könnten, sollte man auch daran erinnern, dass HBO Max nun der einzige Ort ist, an dem man TNT Sports-Übertragungen sieht, einschließlich folgender Folgen:

Premier League (Fußball)

FA Cup – Männer und Frauen (Fußball)

Champions League (Fußball)

Europa League (Fußball)

Conference League (Fußball)

Serie A (Fußball)

LIV Golf

Gallagher Premiership (Rugby)

MotoGP

Radsport

FIM Superbike Weltmeisterschaft

Snooker

Cricket

Wintersportarten

Ähnlich ist HBO Max die zentrale Anlaufstelle für Streaming-Premieren von Warner Bros.-Kinoproduktionen, was bedeutet, dass Sie aktuelle Filme wie Sinners, Superman, One Battle After Another, A Minecraft Movie und mehr sehen können. Viele enthalten sogar ASL-Versionen, die zuvor weder auf Sky noch Now verfügbar waren.

Außerdem wird HBO Max die einzige Heimat der kommenden Harry-Potter-TV-Serienadaption sein, die im Dezember erscheinen wird und Der Stein der Weisen für die erste Staffel adaptieren möchte. Dasselbe gilt dann sogar für kommende DC-Universe-Fernsehprojekte, wie Lanterns, wenn es später in diesem Jahr Premiere feiert.

Mit all dem im Hinterkopf: Wirst du ein HBO Max-Abo abschließen?

Wir besprechen Länge, Schwierigkeit, KI und mehr mit Super Meat Boy 3D Entwickler Sluggerfly

ben@gamereactor.de (Ben Lyons) — Thu, 26 Mar 2026 20:00:00 +0100

Der Junge ist zurück. Im Anschluss an Super Meat Boy Forever im Jahr 2020 ist es an der Zeit, dass der liebenswerte Würfel aus Fleisch erneut ein Videospiel anführt – alles in Form von Super Meat Boy 3D. Auf PC, PS5, Xbox Series X/S und Nintendo Switch 2 kommen wir mit dem bevorstehenden Start hatten wir die Gelegenheit, mit dem CEO und Mitgründer des Entwicklers Sluggerfly, Dominik Plaßmann, zu sprechen, um einige brennende Fragen zu diesem dreidimensionalen und herausfordernden Plattformer zu beantworten.

Bevor wir weitermachen, ein großes Dankeschön an Plaßmann von Sluggerfly, dass er sich die Zeit genommen hat, unsere Fragen zu beantworten.

Gamereactor: Wie viele 'Welten' hast du für Super Meat Boy 3D geplant und wie lange dauert es normalerweise, das Spiel abzuschließen? Gibt es Gründe, warum Spieler nach Abschluss zu den Levels zurückkehren?

Plaßmann: "Wir haben 5 Welten im Spiel, und jede von ihnen enthält auch eine schwierigere Darkworld-Version jedes Levels. Außerdem enthält jedes Level ein verstecktes Sammelobjekt und eine bestimmte Zeitanforderung, die für 100 % Abschluss erforderlich ist. Deshalb werden viele Spieler wahrscheinlich nicht alle Herausforderungen beim ersten Durchlauf abschließen. Selbst nachdem du alles abgeschlossen hast, kann es immer noch sehr lohnend sein, deine Abschlusszeiten zu verbessern. Mit dem Wechsel zu 3D gibt es auch viele Abkürzungen und Überspringe, was das Wiederholen der Level besonders interessant für Spieler macht, die gerne ihre Routen optimieren."

Gamereactor: Fans lieben es, Super Meat Boy-Spiele zu speedrunnen – wie schnell hast du das Spiel bisher durchspielen sehen und wie schnell glaubst du, dass es von echten Experten da draußen durchgespielt werden kann?

Plaßmann: "Um ehrlich zu sein, wollen wir noch keine konkreten Zeiten spoilern. Wir sind selbst ziemlich geschickt im Spiel geworden, und einige unserer Tester haben auch viel Zeit damit verbracht, sodass wir ungefähr wissen, was uns erwartet – zumindest bevor die Spieler die Level:D komplett durchbrechen. Ein schneller Durchlauf ist definitiv möglich, aber ein vollständiger 100%-Abschluss-Speedrun wird deutlich länger dauern und echte Hingabe erfordern."

Gamereactor: Super Meat Boy-Spiele sind berüchtigt dafür, schwierig zu durchspielen zu sein – wie passt das also zu deiner Philosophie zu Schwierigkeit und Design? Betrachtest du überhaupt eher Casual-Spieler, oder ist Super Meat Boy 3D passend für diejenigen gemacht, die vor allem Herausforderungen mögen?

Plaßmann: "Von Anfang an wussten wir, dass das Spiel nicht für jeden geeignet ist, und das ist in Ordnung. Herausforderung ist ein Kernbestandteil dessen, was Super Meat Boy ausmacht, und es war uns sehr wichtig, diese Identität zu bewahren. Dennoch versuchen wir, ein Gleichgewicht zu finden, indem wir die frühen Level für die meisten Spieler zugänglich machen. Im Verlauf des Spiels steigt der Schwierigkeitsgrad definitiv an. Die meisten Spieler sollten jedoch dennoch einen kompletten Durchlauf abschließen und den Endboss erreichen können, da die härtesten Herausforderungen optional sind und nicht erforderlich sind, um das Ende zu sehen."

Gamereactor: Wie verändert der vollständige 3D-Umstieg grundlegend Ihre Herangehensweise an ein Super Meat Boy-Spiel? Für diejenigen, die Super Meat Boy nur in zwei Dimensionen erlebt haben: Wie wird diese Entwicklung das Erwartungsparadigma neu setzen?

Plaßmann: "Der Kernansatz hat sich kaum verändert. Im Kern ist es immer noch ein Spiel über präzise, schnelle Bewegungen, häufige Tode und sofortiges Respawns. Was die dritte Dimension hinzufügt, ist eine neue Ebene der Komplexität für die Fortbewegung. Wir mussten das Leveldesign ziemlich überdenken, besonders mit einem festen Kamerawinkel, um sicherzustellen, dass sich alles richtig anfühlt. Aber insgesamt sind wir fest davon überzeugt, dass das klassische Super Meat Boy-Gefühl immer noch sehr erhalten ist."

Gamereactor: Wie stehen Sie zum Einsatz von KI in der Spieleentwicklung?

Plaßmann: "Wir sehen KI als ein Werkzeug, das in bestimmten Bereichen nützlich sein kann, aber nicht als etwas, das überall eingesetzt werden sollte. Zum Beispiel würden wir keine KI-generierten Assets in unsere Spiele aufnehmen."

Gamereactor: Da der Start für verschiedene Plattformen geplant ist, wird es irgendeine Form von Cross-Save/Cross-Progression für das Spiel geben?

Plaßmann: "Das ist im Moment nicht geplant."

Gamereactor: Was ist ein Teil von Super Meat Boy 3D, über den Ihrer Meinung nach mehr Leute sprechen sollten?

Plaßmann: "Um ehrlich zu sein, werden die meisten wichtigen Aspekte des Spiels bereits besprochen, was zeigt, dass die Spieler wirklich verstehen, worum es bei Super Meat Boy geht. Aus unserer Sicht als Entwickler ist uns die historische Bedeutung von Super Meat Boy als eines der Indie-Spiele, die die Indie-Szene geprägt und etabliert haben, uns sehr bewusst, aber es ist natürlich etwas, das für uns mehr Gewicht hat als für die meisten Spieler."

Nochmals vielen Dank an Plaßmann, dass er sich die Zeit genommen hat, unsere Fragen zu beantworten. Du wirst Super Meat Boy 3D bald auf PC, PS5, Xbox Series X/S und Switch 2 spielen können.

Meinung: The Crimson Crossroads – Eine der verwirrendsten und bizarrsten AAA-Veröffentlichungen in der Geschichte von Videospielen

alberto@gamereactor.de (Alberto Garrido) — Wed, 25 Mar 2026 15:00:00 +0100

Crimson Desert, eines der am meisten erwarteten Spiele der letzten Jahre, ist endlich da. Am 19. März um 23:00 Uhr MEZ, zu einer eher ungewöhnlichen Zeit, die auf allen Plattformen verpflichtend war, öffnete Pearl Abyss endlich die Türen zu seiner riesigen offenen Welt Pywel, sodass die Spieler sie als Kliff, der Hauptprotagonisten, erkunden konnten. Doch als diese Stunde kam, waren die ersten Rezensionen der Presse und der Kritiker bereits für einen ganzen Tag veröffentlicht worden, einschließlich meiner, und sie zeigten bereits, dass dies nicht der Titel war, der alles im Genre verändern würde. Oder zumindest schien es vor fünf Tagen, zum Zeitpunkt des Schreibens, so zu sein.

Aber lassen Sie uns nicht voreilig sein. Da nun alle Embargos und Verpflichtungen abgelaufen sind, erlauben Sie mir, ein wenig über den Spielbewertungsprozess zu sprechen. Ohne zu sehr ins Detail zu gehen, kann ich sagen, dass ich knapp zwei Wochen Zeit hatte, das Spiel für meine Rezension zu spielen. Es sollte ein paar Tage länger dauern, aber ein Pre-Launch-Patch für die Press-Version (der erste von mehreren) zwang mich, meine Speicherstände zu löschen und von vorne anzufangen. Trotz dieses Rückschlags wäre die Überprüfungsphase für die meisten Spiele ausreichend und angenehm... aber völlig unzureichend für den Umfang dieses Modells. Außerdem war es ein ziemlich anspruchsvoller Prozess, als Erster eine neue Welt zu betreten – und in der es kaum einen Kontext gibt, um ihre Geheimnisse oder die Anforderungen des Fortschritts zu verstehen – sowohl zeitlich als auch geduldig.

Sie könnten interessiert sein: Crimson Desert: Tipps und Tricks, um Ihre Reise im Bereich Pywel zu beginnen

Glücklicherweise standen wir europäischen Tester über einen privaten Kanal miteinander und mit Mitgliedern von Pearl Abyss in Kontakt, wo wir sowohl die dringendsten Probleme des Spiels hervorhoben als auch Ratschläge gaben, wie man weiterkommt und die Geschichte abschließen kann. Ich muss sagen, dass dieser Kanal neben der Funktion als Treffpunkt für Spieler, die am Review-Prozess beteiligt sind, auch als Testfeld für viele der Anpassungen diente, die am Spiel kommen (und kommen werden). Wir waren nicht Kritiker, sondern Tester des Spiels, und deshalb glaube ich , dass heute, fünf Tage später, die meisten Launch-Rezensionen des Spiels, einschließlich meiner, obsolet geworden sind.

Mit gelösten Problemen bezüglich der Steuerung, der Interaktion mit Objekten, dem Gleichgewicht in Bosskämpfen, einer Neugestaltung des Speichersystems und einer massiven Erweiterung des Inventars der Charaktere (für mich die Hauptverbesserung des Erlebnisses) sowie der Hinzufügung zahlreicher Schnellreisepunkte ist das aktuelle Erlebnis völlig anders als das, was wir im Review-Prozess gesehen haben. Und all diese Probleme wurden im Laufe von drei Updates am ersten Spielwochenende behoben. Unglaublich... und sehr seltsam.

Was mich bei diesen – wohlgemerkten großen und mehr als willkommenen Änderungen – die Nase rümpfen lässt, ist , wie sie so schnell ins Spiel integriert werden konnten, ohne zu prüfen, ob das das Gesamterlebnis tatsächlich beeinflusst hat. Es ist, als hätte Pearl Abyss gesagt: "Richtig, wir stimmen allen Kritiken und dem Feedback zu; Wir geben dir sofort alles, was du willst." Hatte das vorher niemand bemerkt? Deutet das nicht auf einen gewissen Mangel an Richtung im Spiel hin? Denn wenn man Teleportationspunkte einfügt, wo es vorher keine gab, verschwimmt ein Großteil dieser Erkundung – die vor dem Start eine der Hauptelemente des Spiels war – verschwommen. Zum Beispiel gibt es im Goldblatt-Händlergildenlager zwei Abyss-Nexus, die durch 200 Schritte getrennt sind. Es ist eine hastige und unbeholfene Ergänzung.

Das Problem des Mangels an Richtung ist übrigens auch kürzlich öffentlich bekannt, nachdem angeblich Gespräche und Kommentare von aktuellen und ehemaligen Mitgliedern des Crimson Desert Entwicklerteams durchsickert waren, in denen sie von einer Entwicklungskultur der 'positiven Toxizität' sprachen, bei der niemand auf den Mangel an Richtung oder die strukturellen Probleme des Spiels hinwies. Dies, ohne offizielle Bestätigung (und der Beitrag wurde von Reddit entfernt), wird durch den offensichtlichen Mangel an Kohärenz in der Geschichte des Spiels gestützt, einer seiner Schwächen, da es angeblich in letzter Minute hinzugefügt wurde. Es könnte auch mit dem Fehlen eines Arbeitsplans zusammenhängen, da man nach der Entdeckung von von GenAI erstellten Assets im Spiel eine schnelle Schadensbegrenzungsübung durchführen musste, aber ich gebe ihnen in diesem Fall den Vorteil des Zweifels und nehme an, dass es ein Tropfen auf den heißen Stein, der ihre gigantische offene Welt ist.

Ich beschwere mich nicht darüber, dass Pearl Abyss so schnell vorgegangen ist, dass alle Crimson Desert Launch-Bewertungen obsolet sind – genau das, was passiert ist. Im Gegenteil, ich begrüße die Tatsache, dass sie (so) schnell reagiert und die Probleme angegangen sind, die für die wachsende Community des Spiels am dringendsten waren, die inzwischen über drei Millionen Spieler zählt.

Ist es jetzt ein GOTY-Kandidat? Meiner Meinung nach nein. Es ist zweifellos ein besseres Erlebnis, aber kein besseres Videospiel. Es ist jetzt viel weniger hart für neue Spieler, und die Schwierigkeitskurve wurde deutlich ausgeglichen, aber es leidet immer noch unter einer zu großen Diskrepanz zwischen den verschiedenen Teilen.

Und nun kommt mein letzter Gedanke, weshalb ich diesen Artikel "The Crimson Crossroads" genannt habe. Ein Teil von mir ist froh, dass das direkte Feedback so schnell bei den Entwicklern angekommen ist. Im aktuellen Klima ist es ein einzigartiger Fall einer positiven Reaktion, und vielleicht bleibe ich deshalb hier, um zu sehen, wohin Kliff in diesem sich ständig verändernden Pywel steuert. Aber ich habe auch einige Bedenken, denn wenn dieses Spiel – das inzwischen große Anstrengungen unternimmt, um Fans zufriedenzustellen, fast täglich Patches mit Änderungen im Gameplay veröffentlicht und seine Verkaufszahlen in die Höhe schießt – wirklich die Schwelle des Erfolgs erreicht... Wie wird sich das auf die zukünftige Entwicklung von Einzelspieler-Titeln desselben Genres auswirken? Werden andere Teams mit kleineren oder sogar ähnlichen Budgets dem Fahrplan für ihre eigenen Titel folgen? Ich nehme an, dass wir bald, vielleicht wenn das Finanzquartal vorbei ist und sich der Staub gelegt hat, sehen werden, ob dies ein Modell sein kann, das man in Zukunft replizitieren kann.

Saturday Night Live UK: Es gibt noch viel zu verbessern, aber es ist trotzdem eine willkommene Ergänzung für das Late-Night-Fernsehen

ben@gamereactor.de (Ben Lyons) — Tue, 24 Mar 2026 14:00:00 +0100

Auch wenn ich bei keiner Berichterstattung über Saturday Night Live s Versuch, mit SNL UK in die britische Comedy-Szene einzudringen, vorurteilskritisch gewesen wäre und auch nicht gewesen bin, war ich außerhalb der Nachrichtenberichterstattung sehr, sehr skeptisch gegenüber diesem Vorhaben. Tatsächlich würde ich sogar so weit gehen zu sagen, dass ich überhaupt nicht zuversichtlich war, dass es ein Erfolg wird.

Der Grund für diesen Glauben ist einfach, dass es eine ziemlich große Kluft zwischen britischem und amerikanischem Humor gibt, insbesondere Stand-up und Sketch-Comedy. Wir Briten haben nicht die gleiche Liebe für exzentrischere, lebhaftere und etwas kindliche Sketch-Comedy, von der Serien wie SNL auf dem amerikanischen Markt gedeihen. Ebenso – und wahrscheinlich auch wegen des Überlegenheitskomplexes der britischen Kultur – mögen wir Humor, der intellektueller und witziger ist, noch trockener, was wahrscheinlich ein Hauptgrund dafür ist, dass es einen erheblichen Unterschied zwischen der ersten und späteren Staffel der amerikanischen Version von The Office gibt.

Ich will nicht sagen, dass ein Humorstil besser ist als der andere, sondern nur, dass es eine klare Trennung zwischen dem gibt, was britische und amerikanische Fans mögen. Vor diesem Hintergrund habe ich SNL UK nie als Erfolg gesehen. Ich habe die US-Version von SNL schon oft gesehen, und obwohl es Momente gibt, die herausstechen, passt vieles nicht zu meinem Comedy-Stil. Und doch versucht hier Sky- und SNL-Schöpfer Lorne Michaels allen zu sagen, dass das funktionieren wird und dass wir einschalten sollten für eine unterhaltsame und urkomische 75-minütige Fernsehserie. Klar...

Aber hier ist noch etwas, das britische TV-Zuschauer wahrscheinlich vergessen: Das Late-Night-Fernsehen ist derzeit ehrlich gesagt katastrophal. Die Messlatte dafür, dass SNL UK auch nur ansatzweise erfolgreich sein könnte, ist so niedrig wie nie zuvor. Wir sprechen hier nicht von einer Szene, in der alte Gold-Pokémon wie Only Fools and Horses und Fawlty Towers in ihrer Blütezeit sind, noch von einer Zeit, in der moderne Hits wie The Thick of It, The IT Crowd oder Peep Show die Aufmerksamkeit der Zuschauer fordern. SNL UK konkurriert gegen müde und trostlose sogenannte 'Comedy'-Shows wie Mrs. Brown's Boys, welche Talk-, Spiel- oder Reality-Show auch immer Romesh Ranganathan oder Rob Beckett moderieren, oder Wiederholungen etablierter Ikonen. Wenn es jemals eine Zeit gab, in der SNL ins Vereinigte Königreich kommt, eine Zeit, in der wir dringend Late-Night-Comedy brauchen, dann ist es diese. Und weißt du was, trotz all meiner Zurückhaltung und Vorurteile bin ich froh, dass SNL UK angekommen ist.

Ich werde Ihnen nicht sagen, dass die erste Serie ein großer Erfolg war, was sie auch nicht war, aber es gibt definitiv Potenzial, das weiter erforscht werden kann. Die zusammengestellte Besetzung hat Eigenschaften, auf die sie sich stützen kann; die Art und Weise, wie das britische Wendegebiet strukturiert ist (nicht an eine Zeitzone gebunden, die wie in den Vereinigten Staaten drei Stunden zurückliegt), sorgt dafür, dass es noch reifer und grober sein kann, und der Fokus auf einen britischen Stil und nicht als amerikanische Übersetzung des SNL-Formats wirkt alles zu seinen Gunsten. Wir konnten brutal ehrliche politische Seitenhiebe sehen, einige exzellente Parodien und Darbietungen sowie ein herausragendes Weekend Update, in dem Paddy Young und Ania Magliano aufblühten und Witze lieferten, die einen wirklich laut zum Lachen bringen. Es überrascht nicht, dass dieser eher stand-up-ähnliche Teil die Schlagzeile der Show war, denn vielleicht ist es der Bereich von SNL US, der am besten mit einem nicht-amerikanischen Publikum anspricht.

Ebenso war Tina Fey eine bemerkenswerte Wahl als erste Gastmoderatorin. Sicher, es wäre schön gewesen, einen großen britischen Star als metaphorisches Band zu haben, aber wie Fey in ihrem urkomischen und ehrlichen Monolog erwähnte: "Keiner von euch Mistkerlen würde das tun." Fey brachte Erfahrung und Klasse mit und meisterte die Aufgabe brillant, wobei sie weiterhin beweist, wie effektiv sie in der Komödie sein kann, Unabhängig von der Region. Ach ja, und nach diesem Monolog folgt ein nonce-basierter Sketch – das ist ein sicherer Weg, britische Comedy-Fans für sich zu gewinnen – also auch Respekt an denjenigen, der diese Entscheidung getroffen hat.

Aber auch hier war es nicht alles Sonnenschein und Regenbögen, und für jede ausgezeichnete Wahl und Skizze war es eine ebenso schlechte. Fast jeder andere Sketch hinterließ einen eher unzufriedenen Nachgeschmack, sei es der feige Keir Starmer, David Attenboroughs Last Supper, die schlampige kleine Hamnet-Ketten-Parodie, der Hit-Piece auf Paddington Bear und so weiter. Viele davon hatten großartige Elemente und lustige Witze, aber sie hielten zu lange, zogen sich in die Länge und wirkten einfach müde und etwas langweilig. Wenn überhaupt, könnte die Show davon profitieren, 15 Minuten kürzer zu sein und Sketche straffer und effektiver zusammenzusetzen.

Vergessen wir auch nicht die musikalische Darbietung... Wenn Fey die erste Wahl für einen Eröffnungsmoderator war, war Wet Leg für den musikalischen Gast keineswegs der Fall und bot eine Darbietung, der an Punch und einer einprägsamen Natur fehlte, die diese erste Show wirklich besitzen musste. Die Performance ließ mich nur denken: "Mann, sie kriecht wirklich gerne auf dem Boden herum... "

Die charakteristischen Cameos fanden zumindest Fans und vernetzten sich, indem sie neue und aufstrebende Talente wie Nicola Coughlan und Rege-Jean Page einbrachten und diese mit globalen Superstars wie Michael Cera und britischen Ikonen wie Graham Norton zusammenbrachten.

Es gibt also zweifellos viel zu verbessern, aber ich bin tatsächlich gespannt auf mehr, denn ich würde lieber SNL UK sehen als fast jede andere müde und trostlose Sendung, die derzeit das "Late-Night"-Fenster am Samstagabend füllt. Zugegeben, solange SNL UK weiterhin ein eigenes Ding ist und wenn überhaupt, noch mehr darauf einsteigt. Wenn SNL UK auch nur einen Bruchteil dessen sein kann, was Mitchell und Webb, Armstrong und Miller, Fry und Laurie – die Liste geht weiter – sein können, dann wird es ein willkommener Bestandteil der Late-Night-Unterhaltung auf britischem Boden sein.

Lego: Die Legende von Zelda 77093 Ocarina of Time – Die letzte Schlacht

conny@gamereactor.de (Conny Andersson) — Tue, 24 Mar 2026 12:00:00 +0100

Ich werde von Anfang an ehrlich sein und gleich sagen, dass keines der beiden Lego-Sets aus den Zelda-Spielen, die erschienen sind, mich persönlich besonders beeindruckt hat oder mich sofort zum Geldbeutel greifen ließ. Was natürlich wirklich schade ist. Da die Zelda-Reihe meine absolute Lieblingsspielreihe ist, könnte man natürlich annehmen, dass ich die Gelegenheit ergreifen würde, beide veröffentlichten Sets zu bauen. Aber das war nicht der Fall. Zum Glück habe ich das Glück, Lego rezensieren zu können – und am Ende gab es zum Glück noch viele Details an diesem Set, die mir gefielen, und der Bauprozess selbst hat Spaß gemacht, wie es bei Lego üblich ist.

Der Bau beginnt mit der kleinen Plattform, auf der die Szene stattfinden wird.

Einer von ihnen könnte etwas klein sein; aber Minifiguren von Link, Zelda und Ganondorf sind absolut wunderschön. Also fangen wir mit diesen dreien an, und ich mag sie wirklich. Der Druck ist wunderschön, die Details fantastisch, und allein sie sind eine großartige Ergänzung für die Sammlung jedes Lego-Fans. Drei Minifiguren allein machen den Preis nicht lohnenswert – aber dieses Set stellt – wie der Name schon sagt, den finalen Kampf aus dem fantastischen Zelda: Ocarina of Time nach, und das allein ist an sich wirklich, wirklich cool. Eine klassische Szene, die für eine stilvolle Ausstellung sorgt, wenn sie, einmal gebaut, schließlich im Bücherregal landet.

Dieses Set besteht aus 1.003 Stücken. Acht Taschen, von denen die Hälfte zum Bau der Basis selbst und dem, was darauf liegt, gedacht sind, während die andere Hälfte zum Bau des wildschweinähnlichen Monsters dient, das wir als Ganon kennen. Auf der Basis passiert eigentlich nicht viel, was Details angeht. Man baut die Basis, stellt einen halb zerstörten Turm auf, der auch als Reittier für die transparenten Halter dient, sodass Link und Navi in der Luft schweben können.

Drei (oder besser gesagt vier, einschließlich Navi) wunderschöne Minifiguren

Ansonsten besteht das Set aus einigen weiteren kleinen Burgruinen, in denen du die Zelda-Minifigur platzieren kannst, und einer Ruine mit einer kleinen Funktion, in der du dich verstecken und Ganondorf heraufbeschwören kannst. Ich persönlich habe ihn aber ganz vorne in der Basis platziert, da ich wollte, dass er sichtbar ist. Ein kleiner Stand mit einem Triforce vorne wurde ebenfalls zusammengestellt, und einige Flammen hinten gehören zu den Dekorationen. Insgesamt ist es ziemlich spärlich, obwohl die Szene selbst sehr wirkungsvoll ist.

Denn schließlich ist es dieses Monster namens Ganon, das hier die Hauptattraktion ist. Schließlich macht er die Hälfte der Tüten aus und nimmt fast die Hälfte des Platzes auf der Anzeige ein. Tatsächlich war ich mir vorher am unsichersten – aber ich muss sagen, dass die gelenkigen Gelenke in seinen Beinen, Armen und Kopf – sowie die massiven Schwerter – eine dramatische Szene schaffen, als er eingesetzt wird. Als 'Schnappschuss' aus dem Spiel sieht es tatsächlich ziemlich cool aus – was letztlich bedeutet, dass es als Ausstellungsmodell im Regal auch eine stilvolle Ergänzung des Raums ist.

Das fertige Produkt sieht im Regal großartig aus.

Der eigentliche Bauprozess selbst erfordert eine Menge fummeliger Arbeit. Hier gibt es nicht viele große Stücke, abgesehen von einigen für den Sockel und einigen 'Ziegeln' für den zerstörten Turm. Ansonsten ist alles sehr klein. Es gibt keine besonderen technischen Schwierigkeiten, nur viele kleine Teile insgesamt. Allerdings gibt es hier keine besonders sich wiederholenden Schritte, außer vielleicht den Flammen, die im Hintergrund in einer Reihe angeordnet sind – aber selbst diese sind nicht besonders zahlreich oder repetitiv zu installieren. Erwähnenswert ist, dass es in diesem Set überhaupt keine Aufkleber gibt, was immer (immer!) ein Pluspunkt ist.

Am enttäuschendsten finde ich am Aufbau wahrscheinlich, dass er sich etwas flach und niedrig anfühlt. Es wäre einfach schön gewesen, etwas Höhe zu haben. Ein Turm mit Treppen, die nach oben führen, oder ein paar Säulen, um Höhe zu schaffen und es etwas dramatischer und beeindruckender zu machen. Gleichzeitig geht es bei Lego immer um einen Kompromiss zwischen Preis und Anzahl der Teile, und die Erweiterung der Basis oder ihres Inhalts würde automatisch einen deutlich höheren Preis bedeuten. Aber klar, vor allem die Basis hätte hier etwas spannender sein können.

Es wird reichlich Nintendo Lego geben, und ich hoffe wirklich, dass es in Zukunft noch mehr geben wird.

Alles in allem bin ich immer noch ziemlich zufrieden damit, wenn ich es neben all meinen anderen Nintendo-Lego-Sets lege. Wenn ich viel jünger wäre, würde ich wahrscheinlich sogar denken, dass das ein ziemlich spaßiges 'Spiel'-Set ist, da man mit den Minifiguren coole Szenen erstellen kann. Also, auch wenn ich bei der ersten Präsentation nicht besonders beeindruckt war oder sofort das Bedürfnis verspürte, es zu kaufen, ist es ein bisschen so, wie ich mich bei meiner letzten Lego-Rezension zu Fylke gefühlt habe – es ist einfach schöner im echten Leben, als ich anhand der vorherigen Fotos gedacht hätte. Was den eigentlichen Bauprozess angeht, habe ich auch keine direkten negativen Beschwerden. Es gilt weder in Bezug auf Aussehen noch wie viel Spaß es gemacht hat, es zusammenzustellen, als Favorit – aber es ist schließlich Lego, und es ist immer eines der spaßigsten Dinge der Welt zum Basteln.

Rückschau auf 2026: Die bisher am besten bewerteten Spiele

magnus@gamereactor.de (Magnus Groth-Andersen) — Tue, 24 Mar 2026 09:00:00 +0100

Uns ist sehr wohl bewusst, dass es noch etwas früh ist, um Ende März über Game of the Year zu sprechen. Doch anstatt, sich kopfüber hineinzustürzen, hat es vielleicht eine gewisse Eleganz, zwischendurch Bilanz zu ziehen.

Genau das wollen wir hier tun, während wir auch die Spiele hervorheben, die bisher auf Gamereactor am besten abgeschnitten haben. Im Folgenden findet ihr eine Auswahl - hauptsächlich die abschließenden Absätze der relevanten Rezensionen - der Spiele, die wir derzeit als unsere Favoriten betrachten.

Das Feld wird sich im Laufe des Jahres natürlich verändern - tatsächlich setzen wir darauf - aber die Frage ist, ob wir bereits Ende November einige Spiele identifizieren können, über die wir sprechen werden, wenn die wichtigeren Diskussionen beginnen.

Also, los geht's: Welches Spiel ist bisher euer Favorit des Jahres 2026?

Resident Evil Requiem

Bewertung: 9/10

Auszug aus der Rezension:

"Egal, wo man auf diesem Spektrum steht, egal wie wählerisch man bei der Resident-Evil-Formel sein kann, es ist sehr, sehr klar, dass Resident Evil Requiem ein brillantes und unvergessliches Horrorspiel ist, ein gut zusammengestelltes neuestes Kapitel, das die Fans gespannt auf alles machen wird, was Capcom für das nächste Abenteuer bereithält. Es ist erst Februar und wir haben bereits ein paar ausgezeichnete Horrorspiele zu schätzen, und mit Capcoms neuester Veröffentlichung ist die Wahrscheinlichkeit sehr hoch, dass wir später in diesem Jahr noch einmal über das Abenteuer von Grace und Leon sprechen werden, wenn der Preisverleihungszyklus beginnt, denn dies ist ein wunderbarer Titel, den man nicht verpassen sollte und auch nicht verpassen kann. Bravo, Capcom, bravo."

Pokémon Pokopia

Bewertung: 9/10

Auszug aus der Rezension:

"Insgesamt hatte ich eine sehr angenehme Zeit in Pokopia, die mich immer wieder mit neuen Aktivitäten versorgt. Die Lebensbedingungen von Pokémon müssen verbessert werden, Gegenstände müssen gebaut und Grundstücke geplant werden. Wir haben wahrscheinlich alle schon einmal ein Spiel erlebt, bei dem man das Mantra "Das mach ich dann auch noch" immer und immer wiederholt, bis man schließlich aufschaut und merkt, dass es fünf Uhr morgens ist und man kein Auge zugemacht hat. Das ist meine Erfahrung mit Pokopia in Kurzform, und ich verspüre schon den Drang, wieder einzusteigen. Wenn Nintendo weiterhin auf diese Weise mit Pokémon experimentiert, sieht die Zukunft der Marke sehr vielversprechend aus!"

Reanimal

Bewertung: 9/10

Auszug aus der Rezension:

"Es ist wunderbar, während es geschieht, und glücklicherweise blieb mir diese Erfahrung im Gedächtnis, als ich in den Tagen nach dem Ende weiter über die Symbolik nachdachte und darüber, wie alles zusammenpasste. Ich habe jetzt eine klare Theorie und freue mich darauf, mit euch allen sowohl über die Details als auch über das große Ganze zu sprechen, wenn ihr Tarsiers neuestes Spiel spielt. Und alle, die auch nur ein bisschen Little Nightmares, filmische Plattformer oder einfach Horror im Allgemeinen lieben, sollten das tun, denn Reanimal ist bereits ein Anwärter auf das beste Horrorspiel des Jahres 2026. Und es hat mich sogar zum Lachen gebracht, wie ein Idiot."

Mio: Memories in Orbit

Bewertung: 9/10

Auszug aus der Rezension:

"Wenn du ein Metroidvania mit einem etwas nachsichtigeren Schwierigkeitsgrad erleben möchtest, ohne in irgendeiner Weise einfach zu sein, dann empfehle ich dir sehr Mio: Memories of Orbit. Das Spiel wird zu einem sehr vernünftigen Preis von £15 verkauft und wird am Tag der Veröffentlichung auch im Game Pass verfügbar sein, daher ist es schwer, einen Grund zu finden, diesem Spiel keine Chance zu geben."

World of Warcraft: Midnight

Bewertung: 9/10

Auszug aus der Rezension:

"Insgesamt ist Midnight also eine sehr solide Erweiterung. Das Leveln bleibt spannend, die Ausrüstungsbeschaffung wirkt weniger mühsam, und Blizzard versteht klar, was das Spiel ausmacht. Es ist World of Warcraft wieder fast in Bestform."

Cairn

Bewertung: 8/10

Auszug aus der Rezension:

"Ich habe die Zeit mit Cairn sehr genossen, wirklich. Ich wünschte, Aava hätte ihren Charakter etwas mehr gezeigt. Zurück zur Art und Weise, wie sie im Spiel dargestellt wird: Es wird viel über sie gesprochen, und obwohl dies subtil und zurückhaltend geschieht, hätte es vielleicht von Vorteil für sie sein können, etwas mehr von sich zu zeigen. Allerdings ist sie keine oberflächliche Figur, und Cairn ist keine vergessenswerte Geschichte über persönlichen Stolz, toxische Ambitionen und die Fähigkeit, schlechte Motive bei sich selbst und anderen zu erkennen."

Romeo is a Dead Man

Bewertung: 8/10

Auszug aus der Rezension:

"Wenn du wie ich unerklärlicherweise von Goichi "Suda51" Sudas verrücktem Gehirn angezogen bist, solltest du auf jeden Fall Romeo is a Dead Man spielen, denn es gibt einfach nichts Vergleichbares, was das gesamte Spielerlebnis angeht. Das Spiel kann in 12-15 Stunden abgeschlossen werden, je nachdem, wie gründlich man ist und auf welchem Schwierigkeitsgrad man spielt. Romeo is a Dead Man ist wahrscheinlich ein guter Anfang, wenn man einen Vorgeschmack auf die verdrehte Welt dieses Mannes bekommen will - nicht, weil es nicht verrückt und absurd ist, denn das ist es - sondern weil es das am leichtesten verdauliche und gut funktionierende Spiel ist, das er je erschaffen hat."

Mewgenics

Bewertung: 8/10

Auszug aus der Rezension:

"Der buchstäbliche Name des Spiels - abgesehen von dem Wortwitz von zweifelhaftem Geschmack - stammt von der Zucht von Katzen. Dies enthält cartoonhafte, aber explizite Animationen, die im Einstellungsmenü ausgeschaltet werden können. Man kann versuchen, zu beeinflussen, wer mit wem rummacht, aber das Endergebnis ist immer ein Glücksspiel. Wenn alles gut läuft, erbt das Kätzchen die besten Eigenschaften seiner Eltern und kann daher härtere Gegner besiegen. Das ist einer der innovativeren Aspekte des ungewöhnlichen Spiels, der anderswo etwas eintönig und traditionell wirken kann, auch wenn die Menge an Inhalten gut zum erschwinglichen Preis passt."

Docked

Bewertung: 8/10

Auszug aus der Rezension:

"Aus der Ich-Perspektive wird alles viel anspruchsvoller, aber natürlich auch realistischer; allerdings muss ich zugeben, dass ich es vorziehe, die Maschinen aus verschiedenen Außenperspektiven zu betrachten. Vor allem aber ist das Gefühl, Spaß zu haben, wenn ich in der Kabine einer Maschine sitze, das hier das Wichtigste ist. Bei Docked geht es zwar im Grunde genommen nur darum, schwere Gegenstände zu bewegen, aber das macht das Spiel brillant, und hinter dem Joystick einer dieser Maschinen zu sitzen, ist - wie wir aus einer alten Internetlegende wissen - das, was einem das Gefühl von Macht verleiht. Deshalb fällt es mir schwer vor, wie diese Art von Simulator unterhaltsamer gemacht werden könnte, als es Docked tatsächlich schafft. Trotz einiger unausgearbeiteter Teile und dass es etwas darunter leidet, dass ihr vorheriger Titel, Roadcraft, in fast jeder Hinsicht besser ist. Wenn dir die vorherigen Spiele des Entwicklers gefallen haben, solltest du dir das auf jeden Fall anschauen."

Crimson Desert

Bewertung: 8/10

Auszug aus der Rezension:

"Es gibt zu viele offene Fragen, die das Spielerlebnis zwar nicht ruinieren und mich auch nicht dazu bringen, mit dem Spielen aufzuhören, aber das Spiel dadurch sicherlich nicht zu einem Anwärter auf den Titel 'Game of the Year' machen. Crimson Desert kann ein Ort sein, an dem man sich als Spieler monatelang verlieren kann, aber erwarte nicht, dass all diese Stunden für ein bereicherndes Abenteuer in einer Welt verbracht werden, die, ich wiederhole, wunderbar ist. Angesichts des Umfangs des Projekts und der Tatsache, dass diese Probleme möglicherweise durch einen Patch behoben werden können, kann ich über gewisse technische Mängel hinwegsehen, doch gibt es einfach zu viele Designkonflikte zwischen all den gleichzeitig laufenden Systemen, als dass ich das Ganze als 'Meisterwerk' bezeichnen könnte. Wenn du einfach damit leben und die Reise genießen kannst, auch ohne unbedingt zu verstehen, wohin sie führt, dann ist diese offene Welt einen Versuch wert."

Esoteric Ebb

Bewertung: 9/10

Auszug aus der Rezension:

"Ich habe es immer noch geliebt, als The Cleric zu spielen und mit meinem liebsten fein gekleideten Kobold an meiner Seite durch Tolstad zu rasen. Esoteric Ebb ist einfach ein schönes Rollenspiel, das die Spielerfreiheit in den Mittelpunkt stellt. Seine Welt ist fantastisch immersiv, tiefgründig und lädt einen ein, eine Weile zu bleiben, mit charmanten Grafiken, Charakteren und so detaillierter Lore, dass ich gerne noch ein oder zwei Spiele in dieser Welt spielen würde. Wenn du Würfel werfen, Skelette bekämpfen und mit jeder Kreatur mit einem Herzschlag flirten willst, wirst du mit Esoteric Ebb eine großartige Zeit haben. Ein Tabletop-Videospiel-Genuss."

Wir sprechen über die besten Oktopusse des Gamings mit dem Art Director und Gameplay Director von Darwin's Paradox!

alex@gamereactor.de (Alex Hopley) — Mon, 23 Mar 2026 13:00:00 +0100

Die moderne Maskottchen-Plattformszene könnte von früheren Namen übernommen werden. Mario, Kirby, Sonic und ähnliche, aber es gibt immer Platz für einen neuen Namen, und wir würden uns freuen, wenn es Darwin der Oktopus wäre. Darwin's Paradox! kommt in nur wenigen Wochen zu uns, und vor dem Launch des Spiels am 2. April haben wir mit Art Director Mikael "Mika" Tanguy und Gameplay Director Gilles Aujard von ZDT Studio über Darwin selbst, die Spielmechaniken, die Zeit zum Durchspielen und mehr gesprochen. Viel Spaß!

F: Darwin's Paradox! fühlt sich anders an als alles, was wir in den letzten Jahren im Gaming gesehen haben. Was hat Sie an dem Konzept der Abenteuer eines Oktopus gereizt?

Mika: Die Idee eines Oktopus als Protagonisten stammt aus einem Traum, den ich vor über einem Jahrzehnt hatte – ein Oktopus, der in einer Industriewelt verloren ist und seine natürlichen Fähigkeiten nutzt, um zu überleben. Oktopusse sind faszinierende Kreaturen: intelligent, anpassungsfähig und voller Persönlichkeit. Sie können sich tarnen, sich in kleine Räume quetschen und sogar Rätsel lösen – Eigenschaften, die sie perfekt für ein Spiel machen, das Stealth, Plattforming und Storytelling verbindet. Wir wollten etwas Frisches, Verspieltes und Emotional Ansprechendes schaffen, und ein Oktopus gab uns die Freiheit, Mechaniken und Themen zu erforschen, die sich wirklich einzigartig anfühlten.

Gilles: Ein Oktopus ist nicht nur ein Charakter; es ist eine Gameplay-Revolution. Seine Biologie ermöglichte es uns, Stealth und Plattforming auf eine natürliche und intuitive Weise neu zu denken. Darwins Fähigkeiten – wie 360 Grad klettern, Tinte defensiv einsetzen und Tarnung – basieren alle auf echtem Oktopus-Verhalten, aber wir haben sie verstärkt, um etwas cartoonhaftes, spaßiges und Überraschendes zu schaffen. Es ist selten, einen Protagonisten zu finden, der das Spieldesign so perfekt bestimmt, und genau das hat Darwin getan.

F: Was können Sie über die Figur Darwin sagen? Welche Art von Oktopus steuern wir im Spiel?

Mika: Darwin ist eine Octopoedia ceruleanus – eine fiktive Spezies, die wir erschaffen haben, um seine Intelligenz, Anpassungsfähigkeit und seinen Charme widerzuspiegeln. Er ist kein typischer Held; Er ist verletzlich, klug und voller Persönlichkeit. Visuell ist er ausdrucksstark und cartoonhaft, aber seine Bewegungen und Fähigkeiten sind realistisch verankert. Er ist ein Überlebender, der seinen Verstand und seine natürlichen Talente nutzt, um sich in einer ihm feindlichen Welt zurechtzufinden. Die Spieler werden sich mit seiner Widerstandskraft und seinem Humor identifizieren, was ihn trotz seiner Ära als Oktopus nachvollziehbar macht!

Gilles: Darwin ist ein natürlicher Superheld. Er ist kein Soldat oder Krieger – er ist ein kleiner, einfallsreicher Oktopus, der davon lebt, seine Feinde auszutricksen. Seine Fähigkeiten wirken instinktiv, eröffnen aber kreative Möglichkeiten fürs Gameplay. Ob er Wände erklimmt, Tinte sprüht, um Feinde abzulenken, oder sich tarnt, um sich zu verstecken – jede Handlung ist mit seinem Charakter verbunden. Er ist ein Held, der Anpassungsfähigkeit verkörpert, und genau das macht ihn so unterhaltsam zu spielen.

F: In der Demo war klar, dass Darwin viele Kräfte hatte, wie zum Beispiel Tarnung. Welche anderen Fähigkeiten können wir freischalten?

Gilles: Darwins Fähigkeiten entwickeln sich weiter, während die Spieler voranschreiten. Abgesehen von Tarnung kann er seine Tinte auf kreative Weise einsetzen – etwa indem er eine Rauchvorwand erschafft, um sich vor Feinden zu schützen, oder um Überwachungskameras zu blenden. Seine Tentakel ermöglichen es ihm, jede Oberfläche zu erklimmen, sich durch enge Räume zu zwängen und sogar Gegenstände in der Umgebung zu manipulieren. Wir haben diese Fähigkeiten so gestaltet, dass sie sich organisch und vielseitig anfühlen, damit Spieler experimentieren und neue Lösungen für Rätsel und Stealth-Herausforderungen finden können. Jede Fähigkeit ist mit Darwins Charakter und den Themen Anpassungsfähigkeit und Widerstandsfähigkeit des Spiels verbunden. Wir wollten, dass sich jede Fähigkeit wie eine natürliche Erweiterung dessen anfühlt, wer Darwin ist.

F: Mir ist auch aufgefallen, dass ein Kostüm, das Darwin trägt, eine Anspielung auf einen bestimmten Meister der Tarnung ist. Gibt es viele Kostüme, die wir im Spiel ausrüsten können?

Mika: Ja! Die Demo enthielt einen speziellen "Sneaky Snake"-Skin als lustige Hommage an unsere Zusammenarbeit mit Metal Gear Solid, und dieses Kostüm wird im vollständigen Spiel verfügbar sein. Spieler, die das Spiel vorbestellen, erhalten außerdem zwei exklusive Bonusskins, die als besonderes Dankeschön für frühe Unterstützer erstellt werden. Wir haben auch andere Kostüme eingebaut, die Darwins Persönlichkeit und den Humor des Spiels widerspiegeln. Diese Outfits sind nicht nur kosmetisch – sie sind eine Möglichkeit, Darwins Reise zu feiern und den Spielern die Möglichkeit zu geben, ihr Erlebnis zu personalisieren. Erwarten Sie eine Mischung aus verspielten, nostalgischen und sogar absurden Designs!

Gilles: Die Kostüme sind unsere Art, dem Spiel eine zusätzliche Schicht Spaß und Kreativität hinzuzufügen. Sie sind eine Anspielung auf die Genres und Figuren, die uns inspiriert haben, aber sie spiegeln auch Darwins Anpassungsfähigkeit wider.

F: Darwins Paradoxon ist ein Abenteuer, das perfekt für einen Animationsfilm zu sein scheint, aber ich hoffe, es dauert länger als eine Stunde und 30 Minuten. Wie lange dauert ein Durchlauf des Spiels ungefähr?

Gilles: Ein typischer Durchlauf von Darwin's Paradox! dauert etwa 5 bis 7 Stunden, abhängig davon, wie viel Zeit die Spieler mit Erkunden, Rätsellösen und Geheimnissen verbringen. Das Spiel ist so konzipiert, dass es wiederspielbar ist, mit versteckten Bereichen und Sammelobjekten, die die Spieler dazu ermutigen, die Level erneut zu besuchen. Wir wollten ein Erlebnis schaffen, das filmisch wirkt, aber die Tiefe und Herausforderung eines vollwertigen Abenteuers bietet.

Mika: Das Tempo ist sorgfältig gestaltet, um Spannung, Erkundung und Humor auszubalancieren. Wir haben das Spiel so strukturiert, dass die Spieler sich Zeit nehmen können, um die Atmosphäre aufzusaugen oder direkt ins Geschehen einzutauchen. Die Welt ist reich an Details, und wir hoffen, dass die Spieler zurückkehren wollen, um alles zu entdecken, was Darwins Reise zu bieten hat.

F: Wir haben im Laufe der Jahre einige Oktopusse im Gaming gesehen. Was macht dieses Tier Ihrer Meinung nach zu einer interessanten Wahl als Protagonisten?

Mika: Oktopusse sind von Natur aus faszinierend – sie sind intelligent, geheimnisvoll und voller Überraschungen. Ihre Biologie eignet sich perfekt für das Gameplay: Tarnung, Tintenabwehr, wendige Bewegung und Problemlösungsfähigkeiten. Aber über die Mechanik hinaus haben Oktopusse einen einzigartigen Charme. Sie können gleichzeitig lustig, unheimlich und liebenswert sein, was uns viel Spielraum gibt, um mit Ton und Erzählweise zu spielen. Darwin ist nicht nur eine Figur; Er ist ein Symbol für Widerstandsfähigkeit und Kreativität, was ihn im Gaming hervorhebt.

Gilles: Ein Oktopusprotagonist ermöglicht es uns, Themen wie Anpassung und Überleben auf eine frische und organische Weise zu erforschen. Darwins Fähigkeiten sind nicht nur Werkzeuge – sie sind Erweiterungen seines Charakters. Spieler steuern nicht nur einen Helden; Sie verkörpern einen Oktopus, mit all der Flüssigkeit und Einfallsreichtum, die damit verbunden sind. Das ist eine Perspektive, die im Gaming selten ist, und genau das macht Darwin's Paradox! so besonders.

F: Die Welt scheint in Darwins Paradoxon von Außerirdischen übernommen worden zu sein. Sind sich die Menschen dessen bewusst, und liegt es an Darwin, die Erde zu retten?

Mika: Die Aliens in Darwin's Paradox! stellen eine äußere Bedrohung dar. Die Menschen in dieser Welt sind sich der wahren Natur der Außerirdischen weitgehend nicht bewusst, da die Invasoren im Hintergrund operieren und Industrien und Umwelten manipulieren. Darwins Reise dreht sich nicht nur um die Flucht; Es geht darum, die Wahrheit aufzudecken und auf seine eigene kleine Weise die Pläne der Aliens zu durchkreuzen. Obwohl er kein konventioneller Held ist, haben seine Handlungen einen erheblichen Einfluss auf und fordern die bestehende Ordnung heraus.

Gilles: Darwins Rolle ist mehr das Überleben als die Rettung der Welt im großen Sinne. Seine Geschichte ist persönlich – er ist ein Außenseiter, der darum kämpft, nach Hause zurückzukehren, und sein Kampf spiegelt das übergeordnete Thema der Fähigkeit der Natur wider, sich anzupassen und selbst unter feindlichen Bedingungen zu gedeihen. Das Spiel legt nicht das Gewicht der Welt auf seine Tentakel, aber seine Reise ist ein kraftvolles Statement über Einfallsreichtum und Hoffnung.

F: Wie bringt Darwin's Paradox die klassische Adventure-Plattformer-Formel in die moderne Ära?

Gilles: Wir haben die Kernelemente klassischer Plattformer – präzise Bewegung, Umgebungsrätsel und erzählerisch getriebene Erkundung – genommen und sie mit moderner Technologie und Designgefühlen versehen. Darwin's Paradox! nutzt Unreal Engine, um eine lebendige Welt zu erschaffen, mit dynamischer Beleuchtung, flüssigen Animationen und nahtlosen Übergängen zwischen Gameplay und Zwischensequenzen. Wir legen außerdem großen Wert darauf, das Gameplay organisch und intuitiv wirken zu lassen, wobei jede neue Umgebung im Verlauf des Abenteuers ganz natürlich neue Mechaniken einführt. Jede Gameplay-Entwicklung ist sorgfältig in die Welt und Erzählung eingewoben, sodass neue Fähigkeiten und Interaktionen stets bedeutungsvoll, gerechtfertigt und nahtlos mit Darwins Reise verbunden sind. Das Ergebnis ist ein Spiel, das die Vergangenheit ehrt und das Genre vorantreibt.

Mika: Optisch haben wir cartoonhaften Charme mit filmischer Tiefe verbanden, inspiriert von Klassikern wie Looney Tunes und modernen Spielen wie Inside und Ori. Die 2,5D-Perspektive ermöglicht es uns, das Tempo und die Erzählung präzise zu steuern und so ein lineares, aber immersives Erlebnis zu schaffen. Wir haben außerdem traditionelle UI-Elemente entfernt, um die Immersion zu vertiefen, sodass die Spieler das Gefühl haben, Teil von Darwins Welt zu sein und nicht nur ein Spiel zu spielen.

F: Werden Darwin und Steven the Seagull jemals miteinander auskommen?

Mika: (lacht) Steven the Seagull ist Darwins Erzfeind. Ihre Beziehung ist eine Mischung aus Rivalität und komischer Erleichterung. Die Spieler müssen selbst sehen, wie sich ihre Geschichte entwickelt!

Gilles: Steven ist da, um Darwins Reise Humor und Kontrast zu verleihen. Ihre Interaktionen sind chaotisch, aber sie sind Teil dessen, was die Welt von Darwin's Paradox! so lebendig macht. Du musst spielen, um herauszufinden, ob sie sich wirklich verstehen – aber erwarte unterwegs jede Menge Lacher!

Darwin's Paradox! erscheint am 2. April für Xbox Series X/S, PS5, PC und Nintendo Switch.

Die 10 schönsten Sega Mega Drive Cover

marcus@gamereactor.de (Marcus Persson) — Mon, 23 Mar 2026 09:00:00 +0100

Nachdem alles vom Super Nintendo bis zum PC behandelt wurde, ist die Zeit für den Mega Drive endlich gekommen. Nein, wir haben Segas Ruhm sicherlich nicht vergessen - den schwarzen Hengst, der Anfang der 90er große Teile des Marktes dominierte und Nintendo einige Kopfschmerzen bereitete - die coole Alternative für all die Gören, die sich keine Lust auf pummelige Klempner, gefräßige grüne Dinosaurier oder saubere Maskottchen bereiteten.

Und diese Reise begann direkt im Ladenregal mit den Spielcovern. Vielleicht das wichtigste Element von allen: ein Kunstwerk, das dazu entworfen wurde, unsere Aufmerksamkeit zu erregen und uns von den unglaublichen Abenteuern zu überzeugen, die vor uns lagen. Genau hier gelang es Sega, etwas völlig Eigenes zu schaffen, mit einer deutlich härteren, überheblicheren Einstellung als der Super Nintendo. Nein, wir sprechen von Covern, die wirklich alles gegeben haben, frei zwischen amerikanischen Comics, japanischem Anime, klassischen Fantasy-Illustrationen und purer Heavy-Metal-Ästhetik gemischt haben.

Das Ergebnis waren Cover, die oft eher wie Filmposter oder Albumcover aussahen als wie traditionelle Spieleboxen. Schau dir nur das Regal in einem alten Spielzeugladen von 1991 an, das voller nackter Helden, futuristischer Raumschiffe, neonbeleuchteter Straßen und Roboter war. Es war dramatisch, farbenfroh und manchmal fast lächerlich übertrieben. Aber genau deshalb ist es so einprägsam. Handgemalt und unglaublich ikonisch, mit einem völlig anderen Flair als die digitalen, sterilen Cover, die wir heute oft sehen.

Nein, wir reden hier von Persönlichkeit und Seele. Die Mega-Drive-Cover waren so viel mehr als nur Werbung; sie waren magisch, und hier sind zehn der absolut bestaussehenden, die debütierten, ohne bestimmte Reihenfolge. Also, los geht's.

Super Thunder Blade

Das Cover von Super Thunder Blade ist ein Paradebeispiel dafür, wie der Mega Drive reine, unverfälschte Action durch ein einziges Bild verkaufen konnte. Hier werden wir direkt in ein chaotisches Inferno geworfen, das nach Actionfilm schreit. Die Parallelen zu Das fliegende Auge (Blue Thunder) (dem Film, versteht sich) sind unvermeidlich. Wolkenkratzer, Explosionen und eine dramatische Perspektive, die den gepanzerten Hubschrauber so aussehen lässt, als würde er gleich von der Deckung fliegen. Außerdem schaffen sie es mit fast chirurgischer Präzision, dieses Arcade-Gefühl tatsächlich einzufangen.

Toki Going Ape Spit

Allein die Tatsache, dass der Titel des Spiels es schafft, daraus einen Witz zu machen, weckt mein Interesse. Aber Tatsache ist, dass Toki auch eines der farbenfrohesten und lebhaftesten Cover für die Konsole ist. Ein Dschungel voller Monster und Intrigen, sich windender Ranken und alles mit einer grotesken Lebensfreude. Ein Cover, das es wirklich schafft, einen zum Nachdenken zu bringen; es weckt Neugier und hebt sich sofort von allem anderen ab.

Golden Axe

Hat jemand epische Fantasy gesagt? Natürlich gehört Golden Axe zu den coolsten und stilvollsten Covern für die Konsole, und obwohl auch die Fortsetzungen nicht schwach sind, ist die Illustration des allerersten Spiels pure Perfektion. Wölbte Muskeln, glänzende Schwerter und wohlgeformte Schönheiten. Es ist unmöglich, auf das Cover zu schauen, ohne vor Freude völlig ausflippen zu können; es hätte genauso gut ein Albumcover für Manowar oder eine andere zeitgenössische Band sein können.

Truxton

Mit einer extrem intensiven Farbpalette und einem gigantischen feindlichen Schiff (oder Kreatur?) kitzelt das meinen ästhetischen Nerv sehr. Die kräftigen blauen und dunklen Töne vor dem feurigen orangen Hintergrund, durchzogen von blinkenden Laserstrahlen. Ja, ich nehme es. Eine äußerst clevere und ausgewogene Komposition, die heute genauso gut funktionieren würde wie damals. Es ist ein Cover, das nicht nur gut aussieht, sondern wirklich eine explosive Energie erzeugt und sich wirklich gefährlich anfühlt.

Alisia Dragoon

Während Golden Axe episch ist, ist Alisia Dragoon elegant. Weit mehr als viele andere Mega-Drive-Spielcover, mit der titelgebenden Heldin im Zentrum und dem riesigen Drachen hinter ihr. Es ist eindeutig weicher und etwas weniger übertrieben, fast filmisch und traumhaft, mit einer Anspielung auf japanischen Anime und Manga. Es ist ebenso kraftvoll wie stilvoll zugleich. Zugegeben, als junger Junge hätte ich es wahrscheinlich nicht gelernt (Schwärmereien für Mädchen waren damals gefährlich), aber aus erwachsener Sicht ist Alisia Dragoon ein Juwel höchsten Grades.

Two Crude Dudes

Wenn ein Cover die übertriebene Action-Ästhetik der frühen 90er einfängt, dann ist es Two Crude Dudes. Mitten in einer zerbombten Stadt stehen zwei massive, muskulöse Helden, bereit, alles zu zerstören, was sich bewegt. Wahrscheinlich die coolsten Typen überhaupt, mit absolut null Selbstreflexion oder einem Hauch von Subtilität, was genau der Grund ist, warum das Cover so verzweifelt charmant ist. Es ist ein bisschen so, als hätte jemand gleichermaßen Mad Max und Les Edwards in einen Mixer geworfen und Vollgas gegeben. Als kleiner Junge wäre man davon total begeistert gewesen. Ein perfektes Beispiel dafür, wie Mega-Drive-Cover oft übertrieben, laut und absolut brillant waren.

Streets of Rage

Ein weiterer Klassiker höchster Klasse. Ehrlich gesagt, wird es auf dem Mega Drive noch ikonischer als das? Streets of Rage ist das Wesen von allem, wofür Sega in den 90ern stand. Emotion, Action, Leidenschaft und Eimer voller Hinterntritt. Ebenso viel Comic-Cover wie Spielcover, wobei zwei (der drei) Helden - Axel und Blaze - gegen den Abschaum der Stadt kämpfen, umgeben von Feuer, Wolkenkratzern und Neon. Aus irgendeinem Grund durfte Adam jedoch nicht darin sein.

Quackshot Starring Donald Duck

Inmitten von Schwertern, Monstern und Explosionen taucht Quackshot auf und erinnert uns daran, dass auch Disney mitmachen kann - und will. Aber das ist hier nicht der übliche "langweilige" Donald; nein, hier ist er stattdessen ein überheblicher Abenteurer, ganz im Einklang mit Segas Einstellung, komplett mit Safarihut und entschlossenem Blick in den Augen. Mach Platz, Indiana Jones. Das Cover schafft es außerdem, ein Gleichgewicht zwischen kinderfreundlich und stilvoll zu finden. Es fühlt sich charmant an, ohne kindisch zu wirken, und genau deshalb gilt es immer noch als eines der zeitlosesten Mega-Drive-Cover.

Phantasy Star III: Generations of Doom

Hier haben wir ein Cover, an das ich mich deutlich erinnere, dass es in den Spielzeugkatalogen jener Zeit auffiel. Ein einsamer Held, der einem scheinbar überwältigenden Feind an der Spitze einer Treppe gegenübersteht, die scheinbar in den sternenklaren Himmel führt. Die Szene ist fast melancholisch, als ob sie auf ein viel größeres Schicksal als nur ein gewöhnliches Abenteuer hindeutet, und ehrlich gesagt erinnert sie eher an das Cover eines Romans als an ein Videospiel. Unvergesslich und episch, mit einer wunderbaren Mystik und unglaublich gut gewählten Farben. Es ist ein Bonus, dass das Spiel selbst einfach unglaublich fantastisch ist.

Street Fighter II: Champion Edition

Zugegeben, das Street-Fighter-II-Cover für den Super Nintendo hat seinen Charme und ist zudem sofort lächerlich ikonisch. Aber die Mega-Drive-Version ist, meine Güte, einfach eine ganz andere Liga. Schärfer, schöner und geladen mit explosiver Energie. Die Zeichnungen tendieren eindeutig zum japanischeren Stil, und Bison, mit seinen leuchtenden Händen im Hintergrund, wirkt wunderbar bedrohlich, genau wie es sein sollte. Ehrlich gesagt könnte es durchaus das bestaussehende Street-Fighter-Cover aller Zeiten sein; so gut ist es.

Ja, die Mega-Drive-Bibliothek ist voller fantastischer Cover, und es war in Wahrheit keine leichte Aufgabe, diese auf zehn einzugrenzen. Deshalb möchte ich trotzdem die Gelegenheit nutzen, einige der Spiele zu erwähnen, die gerade noch nicht auf die Liste gekommen sind, darunter Castle of Illusion mit Mickey Mouse, Turbo Outrun, Gynoug und Sonic the Hedgehog 2. Und ich habe zweifellos mindestens ebenso viele andere verpasst, also überlasse ich es euch, liebe Leser, mich daran zu erinnern.

Jedenfalls erinnert uns das daran, dass der Mega Drive nicht nur eine fantastische Konsole war, sondern auch einige der absolut bestaussehenden Spielcover der Geschichte beherbergte. Was denkst du?

Welche Cover habe ich übersehen und welche hättest du gerne auf der Liste erwähnt?

Poppy Playtime Interview: Berührung von Fan-Theorien, dem Realfilm, KI und dem, was als Nächstes bei MOB Entertainment kommt,

ben@gamereactor.de (Ben Lyons) — Sat, 21 Mar 2026 11:00:00 +0100

Die Geschichte von Poppy Playtime ist zu Ende gegangen. Oder hat es...? Kapitel 5 ist kürzlich auf dem PC erschienen, mit der Absicht, später auch auf Konsolenplattformen zu erscheinen. Vor diesem Hintergrund hatten wir das Privileg, mit dem Entwickler MOB Entertainment zu sprechen, um einen Einblick zu bekommen, was hinter den Kulissen bei der Entstehung eines Poppy Playtime Kapitels passiert – und ebenso, was die Zukunft für die Serie bereithält.

Zu diesem Zweck haben wir einige Fragen an den leitenden Leiter der kreativen Entwicklung, George Krstic, gestellt, in denen wir nach dem Ende von Kapitel 5, Fan-Theorien, dem Live-Action-Film, der Nutzung von KI und dem ultimativen Elefanten im Raum gefragt haben, was als Nächstes für Poppy Playtime kommt?

Sehen Sie sich das alles und mehr im vollständigen Interview unten an, und falls Sie es noch nicht getan haben, verpassen Sie nicht unsere gezielte Rezension des aktuellen Kapitels 5 sowie unseren praktischen Leitfaden.

Sind Sie überrascht von der anhaltend enormen Resonanz auf Poppy Playtime von Fans weltweit?

Auch wenn ich von Anfang an nicht bei Mob war, kann ich ohne jeden Zweifel sagen, dass das Team hier bei jedem Kapitelstart immer überrascht und dankbar für die Resonanz der Fans ist. Selbst jetzt, nach fünf Kapiteln, fragt man sich, ob dieses gleiche Maß an Begeisterung noch da sein wird, aber unsere Fans und unsere Community sind unglaublich. Und es ist nicht nur die Anzahl der Spieler, die uns überrascht – es ist die Tiefe des Engagements. Theorien, Lore-Analysen, Fanart, Spekulationsvideos, all das. Seit Kapitel 1 hoffte Mob einfach, dass sich die Leute mit der Welt von Poppy Playtime und ihren Charakteren identifizieren würden. Es ist unglaublich demütigend und lohnend, dass es weiterhin so bei den Spielern Anklang findet.

Poppy Playtime ist seit Jahren eine Herzensarbeit, aber war das Ende, das du in Kapitel 5 geliefert hast, immer das geplante Ende, oder hast du die Handlung mit jedem Kapitel angepasst und angepasst?

Kapitel 5 bereitet mehr vor, aber der Weg, überhaupt an diesen Punkt zu gelangen, war ja, sicherlich eine Herzensangelegenheit. Intern war die Grundlage für das Ende von Anfang an vorhanden, und wir haben uns immer um einen grundlegenden narrativen Rahmen für das Spiel gedreht. Aber wie bei den meisten Medien, egal ob Videospiele, Film oder Fernsehen, ist das Endprodukt selten das, was auf dem Storyboard begann. Die Details ändern sich sozusagen in der Erzählung. In diesem Sinne hat sich vieles entwickelt. Je mehr Kapiteln man aufbaut und mehr Zeit mit den Charakteren verbringt, desto reicherer findet man Wege, die Geschichte zu erzählen.

Gab es Fan-Theorien oder Meinungen, die die übergeordnete Erzählung verändert haben, die du vermitteln wolltest?

Wir achten auf die Fan-Theorien und spekulativen Inhalte, weil sie ein Zeichen dafür sind, dass die Leute wirklich in das Spiel investiert sind (und es macht Spaß zu sehen, was die Leute richtig und falsch machen!), aber letztlich wird die Erzählung pro Kapitel intern von dem gesteuert, was das Team mit Mechaniken, Charakteren und Handlung zusammenarbeitet, die Hand in Hand arbeiten. Allerdings kann es beeinflussen, wie Fans bestimmte Details interpretieren, wie wir später Ideen klären oder vertiefen.

Wie hast du es erlebt, dich ständig selbst mit den Ereignissen jedes Kapitels übertrumpfen zu müssen? Gab es Ideen, die du entwickelt hast, die aber letztlich nicht Realität wurden, weil sie die Poppy Playtime -Erfahrung so weit getrieben haben?

Es gibt definitiv Druck, die Messlatte jedes Mal höher zu legen. In Kapitel 5 zum Beispiel gab es einige Handlungsstränge, die nach viel Aufbau ihren Höhepunkt erreichten, und der Druck, das richtig zu machen und sich wie eine große Belohnung für die Spieler anzufühlen, ist enorm. Das Iterieren kann eine Herausforderung sein, aber unser Team hier bei Mob ist unglaublich darin, wie sie so viel Zusammenhalt erreicht haben, ohne dass es sich repetitiv anfühlt.

Was verworfene Ideen angeht, gab es einige, die im Moment vielleicht zu ambitioniert waren, entweder technisch oder tonal. Manchmal ist etwas isoliert cool, dient aber nicht der Geschichte. Wir sind vorsichtig damit. Nur weil wir noch weiter gehen können, heißt das nicht, dass wir es immer tun sollten. Das Erlebnis muss zusammenhängend bleiben.

Jetzt, wo die Geschichte zu Ende gegangen ist, gibt es einen bestimmten Moment, der Ihnen besonders im Gedächtnis sticht, einen bestimmten Teil, auf den Sie stolz zurückblicken?

Nun, Kapitel 5 bereitet mehr vor, also steck es noch nicht auf! Aber ich kann auf jeden Fall sagen, dass es zwar viele Momente gibt, die mir im Laufe der Entwicklungszyklen und stolzen Momenten mit dem Team besonders auffallen, aber ich blicke persönlich mit Freude auf meine Zeit zurück, als ich Kapitel 1 zum allerersten Mal gespielt habe. Ich werde nie vergessen, welche besondere Angst ich empfand, als ich Huggy unerwartet hinter mir stehen sah und dieses beunruhigende Gefühl drohenden Unheils auslöste. Ich meine, er ist ein Spielzeug! Man erwartet diese Gefühle einfach nicht von etwas, das traditionell sicher und gesund ist. Aber es hat den Ton für die gesamte Serie gegeben, und ich erinnere mich, wie dieser erste Moment für mich wirklich den Boden gebrochen hat, um zu verstehen, was mit der Prämisse eines solchen Spiels möglich ist.

Wann können wir mit den Konsoleneditionen für Kapitel 5 rechnen, und warum nehmen die Konsolenversionen vor dem Start noch mehr Zeit?

Die Konsolenentwicklung benötigt etwas mehr Zeit wegen Zertifizierungsprozessen, Optimierung und der Sicherstellung, dass sich das Erlebnis auf jeder Plattform richtig anfühlt. Es ist nicht nur ein gerader Port. Wir wollen, dass Spieler auf Konsole das gleiche Maß an Feinschliff und Leistung wie PC-Spieler bekommen. Es geht um Qualitätskontrolle. Wir werden Details teilen, sobald alles festgelegt ist, aber wir erwarten noch etwas später in diesem Jahr.

Wie schreitet die Entwicklung des Realfilms Poppy Playtime voran?

Wir arbeiten eng mit unserem Partner Legendary Pictures zusammen und werden mehr teilen, sobald diese Informationen vorliegen.

Wie steht MOB Entertainment zu KI?

Unser Fokus lag immer auf den Menschen hinter der Arbeit. Die Kreativität, das Storytelling und die künstlerische Leitung, die unsere Spiele prägen, kommen von den talentierten Künstlern, Autoren, Designern und Entwicklern des Mob-Teams.

Wie viele Studios behalten wir neue Technologien und Werkzeuge im Auge, die Arbeitsabläufe in Bereichen wie Forschung oder Verwaltungsaufgaben unterstützen können. Aber wenn es um das kreative Herz unserer Spiele, die Charaktere, das Worldbuilding und das Spielererlebnis geht, bleiben diese Entscheidungen fest von menschlicher Kreativität und der verdrehten Fantasie unseres Teams bestimmt.

Was steht als Nächstes für das Poppy Playtime Universum an? Hast du weitere Ideen zu erkunden, Spin-offs, die du verwirklichen möchtest, was ist der Plan?

Die Welt von Poppy Playtime ist größer, als eine einzelne Fabrik enthalten könnte, aber im Moment nehmen wir uns Zeit, um über Kapitel 5 nachzudenken, den Start mit unserer Community zu feiern und wirklich sicherzustellen, dass das, was als Nächstes kommt, bewusst wirkt. Für uns muss es immer eine Geschichte geben, die es wert ist, erzählt zu werden, und das nicht nur, weil es Nachfrage gibt. Uns ist der Schutz der Integrität des Universums sehr wichtig.

Danke an George und MOB Entertainment, dass sie sich die Zeit genommen haben, unsere Fragen zu beantworten. Wie bereits erwähnt, kannst du ab heute alle fünf Kapitel von Poppy Playtime auf dem PC spielen, wobei das fünfte Kapitel später in diesem Jahr auf Konsolen erscheint.

Ein Gespräch mit dem CEO von Fumi Games über Fälle, Gummischläuche, KI und Adaptionen

ben@gamereactor.de (Ben Lyons) — Fri, 20 Mar 2026 09:00:00 +0100

Wir mussten etwas länger warten als erwartet, bevor wir in Mouse: P.I. For Hire einsteigen konnten, da der erwartete Indie-Shooter von Fumi Games kürzlich um einen Monat verschoben wurde. Diese Planänderung bot uns den Raum, um ins Spiel einzusteigen und ein erstes Hands-on-Erlebnis zu machen, worüber wir euch in unserer letzten Vorschau alles erzählen konnten.

Darauf aufbauend hatten wir auch das Privileg, dem CEO und Gründer von Fumi Games, Mateusz Michalak, in einem Interview, das ihr unten vollständig lesen könnt, ein paar Fragen zu stellen, das die verwirrende Detektivgeschichte, den auffälligen Gummischlauch-Animationsstil, wie der Entwickler KI angeht und wie er Adaptionen betrachtet, und mehr.

Schau es dir an und vergiss nicht, dass Mouse: P.I. For Hire jetzt am 16. April auf PC, PS5, Xbox Series X/S und Nintendo Switch 2 erscheint.

Die Resonanz auf Mouse: P.I. For Hire war enorm. Hat dich das überhaupt überrascht?

Wir hätten uns nie vorstellen können, dass Mouse: P.I. For Hire dieses Maß an Aufmerksamkeit erhalten würde. Das allererste Video, das wir über das Spiel auf TikTok gepostet haben, ist aus dem Nichts explodiert, und von diesem Moment an war es ein Schneeballeffekt. Unser Spiel hat über 1,3 Millionen Wunschlisten generiert, wir haben zig Millionen Aufrufe in sozialen Medien erhalten und es ist sogar gelungen, einen Veröffentlichungsvertrag abzuschließen. Wir können nicht all unseren Fans für ihre unglaubliche Unterstützung danken!

Im Herzen dieses Spiels steckt ein Rätsel, ein Fall, der gelöst werden muss. Wie viel Entscheidungsfreiheit hat der Spieler, selbst die Puzzleteile zusammenzusetzen und die Wahrheit hinter jedem Vermisstenfall herauszufinden?

Obwohl es einige Fälle gibt, in denen man bestimmte Level erkunden und bestimmte Fälle in der gewählten Reihenfolge angehen kann, ist die Geschichte in Mouse: P.I. For Hire dennoch relativ linear. Aber das bedeutet nicht, dass es nicht möglich ist, manchmal falsche Schlüsse zu ziehen! Beim Sammeln von Beweisen und Hinweisen für jeden Fall denkt man vielleicht, man kenne die Antworten und genau das Ende der Dinge, aber es kann einige Wendungen geben...

Die Vorschau-Version gab uns einen interessanten Eindruck von der Oberwelt und davon, wie jedes Level miteinander verknüpft ist. Sollten wir erwarten, jeden Ort besuchen zu müssen, oder sind einige Level/Bereiche für Nebenquests und zusätzliche Aufgaben reserviert?

Die meisten Level in Mouse: P.I. For Hire müssen irgendwann besucht werden, um die Hauptgeschichte abzuschließen - also ja, erwarte, alle zu besuchen! Obwohl es einige zusätzliche Aufgaben gibt, die erledigt werden können, werden diese typischerweise in den Levels erledigt, die man bereits besucht, und nicht an brandneuen, spezifischen Orten.

War es schwierig, den Gummischlauch-Stil sowohl in ein FPS-Videospiel als auch in ein 3D-Erlebnis einzubringen?

Es war definitiv eine Herausforderung, 2D-Gummischlauchsprites in einer 3D-Welt zu nutzen! Zum Beispiel müssen wir, um Gegner durch die Welt laufen zu lassen, denselben Gegner viele Male und aus verschiedenen Perspektiven zeichnen und animieren (z. B. vorne, vorne links, vorne rechts, seitlich, hinten usw.). Wie man auch im Gameplay gesehen hat, müssen wir diese Gegner dann mit dem Hauptcharakter Jack Pepper "verbinden", sodass man immer eine Ebene der 2D-Kunst aus einer sichtbaren Perspektive sieht. Und das kratzt nur an der Oberfläche, ganz zu schweigen von all den Herausforderungen, ein Spiel in Schwarz-Weiß zu machen!

Die verschiedenen visuellen Filter und Audioeinstellungen wirken wie ein echtes Vergnügen. Wie wichtig war es, diese Elemente einzubeziehen und dem Kunststil und der Ästhetik der 1930er Jahre angemessen Tribut zu zollen? Außerdem, hast du eine Lieblingsmethode, das Spiel mit diesen Filtern und Audioeinstellungen zu spielen?

Diese Eigenschaften sind uns schon lange sehr wichtig. Mouse: P.I. For Hire ist inspiriert von klassischen Cartoons der 1930er Jahre und von Noir-inspirierten Filmen. Daher wollten wir unser Bestes geben, der Zeit treu zu bleiben. Genau deshalb haben wir Einstellungen wie das Ändern der Intensität sowohl von Filmkorn als auch von UI-Diffusion sowie zur Anpassung der Audioverschlechterung eingeführt, sodass die Dinge klingen, als würden sie auf einer Vinylplatte oder sogar durch einen Wachszylinder abgespielt! Für uns persönlich mögen wir es, diese Effekte höher zu drehen, damit das Spiel wirklich aussieht und sich anfühlt wie die alten Cartoons, die unsere Großeltern wahrscheinlich gesehen haben.

Das Spiel scheint viel größer zu sein, als viele erwarten. Wie lange dauert also ein Durchlauf von Mouse: P.I. For Hire, und wie viel Zeit sollten die Spieler erwarten, um den Abspann laufen zu sehen?

Erwarte, dass ein einziger Durchlauf von Mouse: P.I. For Hire zwischen 12 und über 20 Stunden dauert. Natürlich hängt das davon ab, wie man spielt und wie viel man jede Ecke durchsucht. Das Spiel hat viele Geheimnisse und Sammelobjekte zu entdecken - die wirklich aufmerksamen Spieler werden das Beste daraus machen!

Wie ist die Haltung von Fumi Games zu KI?

Mouse: P.I. For Hire ist ein vollständig handgefertigtes Spiel, das ein einzigartiges Erlebnis bietet, von dem wir hoffen, dass die Spieler Freude daran haben!

Hast du schon einmal darüber nachgedacht, wie die Welt von Mouse: P.I. For Hire noch weiter ausgebaut werden könnte, vielleicht durch eine Zeichentrickserie? Cuphead führte zur Cuphead-Show. Hättest du Interesse, etwas Ähnliches zu erkunden?

Im Moment konzentrieren wir uns stark auf Mouse: P.I. For Hire als Videospiel, um sicherzustellen, dass es den Spielern zum Start das bestmögliche Erlebnis bietet. Um deine Frage zu beantworten: Wir haben bisher noch keine wirklichen Diskussionen über eine animierte Serie geführt. Allerdings solltet ihr in den kommenden Wochen auf jeden Fall die Augen offen halten, denn wir haben einige wirklich coole Partnerschaften anzukündigen und andere Dinge zu enthüllen!

Auf welchen Teil von Mouse: P.I. For Hire freust du dich am meisten, dass die Fans ihn selbst erleben?

Wir können es kaum erwarten, dass die Spieler sehen, dass Mouse: P.I. For Hire viel mehr ist als nur ein cooles Kunstprojekt. Neben den schwarz-weißen Gummischlauch-Grafiken ist das Spiel auch ein actiongeladener First-Person-Shooter, der randvoll ist mit einer spannenden Detektivgeschichte, einem eklektischen Charakterensemble, lebendigen Umgebungen, originellen Jazzstücken und vielem mehr. Letztendlich haben wir hier etwas ganz Besonderes entwickelt und zählen die Tage, bis die Spieler das ganze Spiel selbst erleben können!

Dank an Mateusz und Fumi Games. Bleibt dran für mehr zu Mouse: P.I. For Hire vor der Premiere in weniger als einem Monat.

Die Spielewelt verdient Besseres als Nvidias generisches KI-Makeover

jonas@gamereactor.de (Jonas Mäki) — Thu, 19 Mar 2026 15:00:00 +0100

Nvidia hatte sich wahrscheinlich einen triumphalen Moment vorgestellt, als sie am Montagabend stolz DLSS 5 ankündigten, inklusive einer Pressemitteilung, in der erklärt wird, wie bedeutend das ist. Nvidia-Gründer und CEO Jensen Huang sagte unter anderem, dass "fünfundzwanzig Jahre nachdem Nvidia den programmierbaren Shader erfunden hat, wir die Computergrafik erneut revolutionieren".

Große Worte, und er ging sogar so weit, dies den "GPT-Moment für Grafik" zu nennen, in dem GPT auf vielfältige Weise ein Wendepunkt für die ganze Welt war. Es besteht kein Zweifel, dass KI großes Potenzial bietet, aber wenn man sie erschaffen soll, waren die Ergebnisse oft sehr fantasielos, leblos und generisch, was zum inzwischen recht weit verbreiteten Begriff "KI-Slop" geführt hat.

Was genau ist dieses DLSS 5? Laut Nvidia selbst "kombiniert es handgefertigtes Rendering mit generativer KI, um einen dramatischen Durchbruch im visuellen Realismus zu erzielen", wobei insbesondere Gesichter ein großer Anziehungspunkt sind – etwas, das im veröffentlichten Video, in dem Gesichter im Mittelpunkt stehen, deutlich zu erkennen ist. Ich habe mit Neugier angefangen, nach all dem Hype umgehauen zu werden, und habe Grace Ashcroft aus Resident Evil Requiem gesehen, zuerst ohne DLSS 5 und dann mit dem...

Nvidia hat eine Technologie entwickelt, die alle Spielcharaktere in KI-Avatare verwandelt (Bild aus Starfield mit aktiviertem DLSS 5).

Das Video wechselte schnell zu Leon, woraufhin mein Gehirn einsetzte. Warte mal... Ich pausierte das Video kurz und spulte zurück. Grace hat plötzlich schmollende Lippen, ausgeprägte, modellartige Wangenknochen, viel Foundation, mandelförmige Augen und eine raffiniertere Nase erhalten, neben anderen Dingen. Die etwas unschuldige Grace, die als schüchterne Figur gedacht ist, mit der wir uns identifizieren können, ist plötzlich eine Femme fatale mit Modelambitionen, nicht weit entfernt von dem, wie nerdige PC-Mods normalerweise aussehen, wo Frauen "verbessert" werden sollen.

Überrascht startete ich das Video erneut und sah es bis zum Ende. Ich kratzte mich am Kopf und sah es noch einmal an. Nvidia hat also eine Technologie entwickelt, die das ersetzt, was die Spieleentwickler im Sinn hatten und was ein Art-Designer und ein Charakterdesigner erschaffen haben, durch etwas, das sich wie KI-Brei anfühlt – ein bisschen wie Echtzeit-Snapchat-Filter in unseren Spielen – und genau so, wie es normalerweise aussieht, wenn man KI bittet, etwas zu entwerfen: generisch, ist das Wort, um es zu beschreiben.

Im Bruchteil einer Sekunde verwandelt sich Grace von dem gewöhnlichen Mädchen, mit dem wir uns identifizieren sollen, in eine Schönheit, die definitiv ein 'Model' in ihrer Instagram-Biografie hat, klinisch ohne Persönlichkeit.

Ich habe kurz in den Kommentarbereich auf YouTube geschaut, neugierig, ob die Leute das wirklich kaufen. Aber... Sind sie nicht. Praktisch kein einziger Kommentar ist mit Nvidias KI-Filter zufrieden, und die Kritik ist stellenweise wirklich heftig. Ein kurzer Blick auf Resetera, gefolgt von sozialen Medien (insbesondere Bluesky, Instagram, Threads und X), zeigt deutlich, dass man kaum jemanden findet, der den Ansatz mag. Unterdessen hat Nvidia die massive Kritik zur Kenntnis genommen und hastig einen Kommentar zu dem Thema in einer offiziellen FAQ zu DLSS 5 veröffentlicht. Und hier sind wir jetzt. Ob dies Nvidia zu Änderungen veranlasst, bleibt abzuwarten, ebenso wie wie sehr die Spieleentwickler dies nach all dem Widerstand unterstützen wollen.

Für meinen Teil bin ich enttäuscht und ein wenig überrascht. Dass selbst vorgerenderte Grafiken aus unseren Spielen durch KI-Technologie ersetzt werden, die alles langweilig und unpersönlich macht, ist einfach zu tragisch. Ich glaube nicht, dass derselbe Ansatz in einer anderen Kunstform möglich gewesen wäre.

Soziale Medien sind derzeit überschwemmt von Memes, die hervorheben, wie absurd es ist, die Kunst von Spieleentwicklern durch KI-generierte Interpretationen zu ersetzen (Bildnachweis: Nintengamersng).

Stell dir vor, Spotify würde Kopfhörer verkaufen, die die Musik, die du liebst, in Echtzeit nehmen und sie mit dem umgestalten, was Spotify als Verbesserungen betrachtet. Zum Beispiel jegliche Unvollkommenheiten zu entfernen, kratzige Rock-Vocals zu etwas Melodischem zu machen, Gitarrensoli anspruchsvoller zu machen und so weiter. Die Tatsache, dass ikonische Stimmen nicht mehr wie sie selbst klingen würden und geliebte Bands einen ausgefeilteren KI-Sound hätten, spielte keine große Rolle. Musikhörer auf der ganzen Welt wären wahrscheinlich verrückt geworden, und das ist völlig undenkbar.

Wende dieselbe Idee auf die Kunstwelt an. Stellen Sie sich vor, Sie wären im Louvre und hätten eine KI-Brille bekommen, mit denen Sie verbesserte Werke sehen können. Alles wäre aufgehellt, Farben angepasst, die Mona Lisa "babe-ifiziert", Kontraste angepasst worden und wir wären von Raum zu Raum gegangen und hätten KI-verbesserte Kunst betrachtet. Wir könnten so mit Kunstform um Kunstform weitermachen, warum also nicht Bücher? Lies auf einem Tablet mit E-Ink, das den Inhalt so verändert, dass eine KI stattdessen kontrolliert, was du siehst, oder schaue Filme oder Serien, bei denen alles in Echtzeit aufgepeppt wird. Wenn du findest, dass Sarah Chalke in den neuen Scrubs älter aussieht, schadet ein bisschen DLSS 5 nicht, und wenn Liam Neeson im Naked Gun-Reboot etwas erschöpft wirkt, ist es dort dieselbe Geschichte.

Stell dir vor, du gehst durch den Louvre und siehst Kunst, die von KI interpretiert wird. Das ist im Grunde das, womit Nvidia uns in der Welt des Gamings zufriedengeben sollte. Generisch und langweilig.

Leider hat die Spielewelt jedoch bei weitem nicht denselben Respekt vor unserer eigenen Kunstform wie andere Medien, was sowohl zu einer massiven Erosion dessen führt, was ich glaube, dass eingefleischte Spieler oft wollen. Es gibt eine deutlich größere Nachfrage nach aufwendigen Einzelspieler-Abenteuern und Koop, und eine deutlich geringere Nachfrage nach Läden, die sich als Spiele ausgeben, als Publisher zugeben wollen.

Jetzt wird also ein weiterer Schritt unternommen, um Spiele automatisierter und generischer zu machen, und ich würde lügen, wenn ich sagen würde, dass mich die Proteste in den Kommentarbereichen weltweit nicht sehr erfreuten, denn auch wenn Unternehmen Videospiele als Geldquelle und Kunstform sehen, die absolut keine Liebe braucht, durchschauen die Fans das direkt.

Künstliche Intelligenz: Ein Lebensretter?

joel@gamereactor.de (Joel Petterson) — Wed, 18 Mar 2026 12:00:00 +0100

Künstliche Intelligenz. Die Weltuntergangs- und Skynet-Technologie, die uns nicht nur zwingt, ein Arm und ein Bein zu bezahlen, wenn wir den RAM unseres Computers aufrüsten wollen, sondern auch die Technologie ist, die die Schönheit der Spielewelt komplett zu zerstören. Aber ist das in der Realität wirklich so? Haben wir Angst vor etwas, das tatsächlich eher eine Belästigung als eine echte Gefahr darstellt? Ich weiß es nicht und ich habe keine Antworten, denn was ich mache, ist eher eine Form von Videospiel-orientierter Spekulation über Männer als hochwertige, statistikbasierte Forschung. Aber man sollte das ganze Geschäft mit Typen, die über Dinge spekulieren, nicht abtun.

Und nein, ich weiß, dass ich nicht der Erste bin, der das anspricht, und dass dieses Thema inzwischen im Grunde überdiskutiert wird. Das ändert jedoch nichts an der Tatsache, dass es heute relevanter denn je ist, wenn man alles bedenkt, was mit Asha Sharma, Xbox Helix und den explodierenden Komponentenpreisen zu tun hat (im Ernst).

Ich glaube, KI ist gekommen, um zu bleiben. Damit müssen wir jetzt leben; Daran besteht wirklich kein Zweifel. Wenn du eine KI einbauen kannst, die ihre Aufgabe genauso gut oder besser als ein Mensch erledigt, wird diese Entscheidung getroffen, solange sie Geld spart. Innovation und hurra-hurra ist zwar schön und gut, aber letztlich ist es die Wirtschaft, die für die Großen an den Vorstandstischen zählt. Es fühlt sich – leider – wie eine Tatsache an, der wir nicht entkommen können, und obwohl ich absolut glaube, dass die KI-Blase platzen wird, ist das eine Realität, an die wir uns gewöhnen müssen.

Asha Sharma sorgte dafür, dass die gesamte Spielewelt gemeinsam Besorgnis äußerte, dank ihres Hintergrunds in der KI-Industrie.

Die Blase, ja! Sie wird wahrscheinlich etwas schwächer werden, sobald die Nachfrage nachlässt. So wie der IT-Sektor eine schwierige Phase überstanden hat, wird auch der KI-Sektor das tun. Hoffentlich führt das aber zu weniger Hype und günstigeren Komponenten. Künstliche Intelligenz ist schließlich eine Branche, von der JEDER ein Stück haben will, aber der Kuchen wird am Ende einfach nicht groß genug sein, und dann werden wir höchstwahrscheinlich eine Handvoll Akteure sehen, die den Markt dominieren, statt viel zu viele Start-ups und alte Giganten, die versuchen, in den Markt einzudringen. Sie wird sich abflachen und einen Status quo erreichen, bei dem wir nicht mehr mit der Wimper zucken müssen, wenn sie in unserem Leben ist.

Aber was bedeutet das für die Spieleentwicklung und letztlich für uns Spieler? Für die großen AAA- und AAAA-Entwickler bedeutet das wahrscheinlich, dass menschliche Charaktere zugunsten KI-gesteuerter Lösungen schrittweise aus dem Feld genommen werden. Das moralische Dilemma, das dieses Thema mit sich bringt, wird mit der Zeit verschwommen, diffuser und schwerer zu interpretieren, und man kann darüber denken, was man will, aber ich vermute, die lautesten Gegner werden irgendwann die Kraft verlieren. Und die Branchenriesen werden natürlich davon profitieren. Schritt für Schritt, bis wir uns irgendwie daran gewöhnt haben, dass es kein Mensch ist, der Dialoge für Nebencharaktere schreibt, sondern eine KI, die das übernimmt, genauso wie sie Assets und Programmierung übernimmt.

Das wird in manchen Kreisen sicherlich aus der Bahn laufen, wo die Spiele, die wir heute als seelenlos und identitätslos bezeichnen, als absolute Meisterwerke in Bezug auf künstlerischen Wert gelten. Hochwertige KI-basierte Spiele, sozusagen. Auch wenn ich überhaupt nicht spirituell bin – bin ich sicher, dass einem Spiel, das nicht von Menschen entwickelt wurde, das fehlen wird, was wir tatsächlich haben, was eine KI nicht hat – eine Seele und eine eigene, einzigartige Identität.

Wir können mit viel KI in Microsofts neuem All-in-One-Gerät rechnen.

Der Vorteil ist natürlich, dass Spiele schneller entwickelt werden und mit Hilfe von KI auf weniger leistungsfähiger Hardware laufen können. Was die Hardware betrifft, sehe ich mehr Vorteile als Nachteile, da dieses Feld nicht auf menschlichen Willen und Geist beruht oder fällt. KI-Beschleunigung und alle DLSS-Lösungen hauben älteren Setups neues Leben ein, und CPUs werden mit Hilfe von KI-Tools Quantenberechnungen schneller durchführen können. Ich bin kein Experte auf diesem Gebiet – aber als erfahrener Rater würde ich definitiv sagen, dass wir hier zumindest KI größtenteils willkommen heißen sollten.

Doch während Tencent, Electronic Arts, Activision Blizzard und ähnliche geldgierige Giganten immer mehr KI annehmen und immer mehr menschliche Entwickler nach Hause schicken, gibt es etwas, das heller und stärker brennen wird als je zuvor – die großen Stärken der Menschheit: Kunst, Innovation und Identität. Und wo wird das am deutlichsten sein, solange der nächste Call of Duty bis ins kleinste Maß generisch ist? Nun, natürlich in der Indie-Welt. Geliebte, geliebte Indie-Welt.

Die Spielebranche wird – möglicherweise – anfangs einen Schlag bekommen, aber kleinere Indie-Entwickler und Publisher werden zweifellos zeigen wollen, wie Spiele entwickelt werden sollten und wie groß der Unterschied tatsächlich ist, wenn jemand mit echter Leidenschaft Herz und Seele in seine Arbeit steckt. Etwas, das fortschrittliche künstliche Intelligenz niemals erreichen kann. Wir werden eine Renaissance von Spielen erleben, die lebendig wirken. Spiele, bei denen ein einzelner Entwickler, mit Kaffeeflecken auf der Tastatur und drei Jahren relativer Schlaflosigkeit, seine Seele in jeden Pixel, jede Soundschleife und jede halbgare (aber herzerwärmende) Dialogzeile gesteckt hat.

Larian Studios hat sich ein wenig mit KI beschäftigt, musste aber zurückrudern, da die Fans offensichtlich nicht besonders begeistert von diesen Features waren.

Denk mal darüber nach: Wenn sich der nächste AAA-Titel wie eine gut polierte, aber völlig hohle Hülle anfühlt – genau wie diese prozedural generierten Open-World-Karten, die im Trailer großartig aussehen, aber so fesselnd sind wie das Durchblättern eines DIY-Katalogs – dann fangen die Leute an, sich nach etwas anderem zu sehnen. Und dass etwas anderes nicht von Tencent oder EA kommen wird. Es kommt von einem Typen im Keller in Skövde, einem Duo in Polen oder einem Trio in Japan, die sich weigern, KI für mehr als vielleicht eine schnelle Platzhaltertextur zu verwenden.

Wir Gamer werden besser darin werden, den Unterschied zu erkennen. So wie wir jetzt spüren können, wann ein Spiel mit Leidenschaft und Liebe gemacht wurde, im Gegensatz dazu, dass es dazu dient, die 'Quartalseinnahmen' zu maximieren. Und dieses Gefühl? Es kann nicht zu einem Modell trainiert werden. Es ist menschlich. Es ist chaotisch und manchmal sogar blutig hässlich, aber es lebt und verleiht dem Spiel Seele und Menschlichkeit.

Also nein, ich persönlich habe keine Angst, dass KI die Kunst des Gamings komplett zerstören wird. Ich glaube tatsächlich, dass es langfristig das Gegenteil bewirken wird, indem es verfeinert und klarstellt, was es wert ist, sich zu interessieren. Die großen Studios können ihre großbudgetierten KI-Produktionen mit Pfad-Raytracing und 240 fps produzieren. Und der Rest von uns wird das Gefühl zurückbekommen, etwas zu spielen, das tatsächlich von jemandem erschaffen wurde, dem es wichtig war – ein Luxus, den wir nicht mehr als selbstverständlich ansehen sollten. Spiele, die von jemandem gemacht wurden, der irgendwann mitten in der Nacht weinte, fluchte, lachte und vielleicht sogar sein eigenes Spiel hasste. Schwächen, die letztlich zu unserer Stärke werden und der Grund, warum wir diese Schlacht als Sieger hervorgehen werden.

Was denkst du? Stimmst du Joels Begründung zu?

Bequemlichkeit tötet die Freude am Spielen

jonas@gamereactor.de (Jonas Mäki) — Tue, 17 Mar 2026 14:00:00 +0100

Als ich kürzlich meinen Artikel über den Virtual Boy schrieb, holte ich meine alte, treue Maschine hervor, die freundlicherweise hochfuhr und ihre charakteristischen roten Grafiken zeigte. Ich habe gespielt, um mein Gedächtnis vor der Rezension des neuen Switch-Zubehörs aufzufrischen, und mich hauptsächlich auf Mario Clash und Wario Land konzentriert.

Nintendo fügt seinem Abonnementdienst schnell Klassiker hinzu.

Es sollte nur eine kurze Recherche sein, vor allem, da das Gerät unglaublich unergonomisch ist, aber ich habe tatsächlich stundenlang gespielt, wobei besonders Wario Land eine Herausforderung war. Obwohl beide Titel gute Spiele sind, gibt es bessere Spiele, mit denen man den Abend verbringen kann – warum habe ich mich also dafür begeistert? Ich habe eine Theorie.

Mir ist tatsächlich schon mal etwas Interessantes aufgefallen. Wenn ich eines der vielen klassischen Spiele auf der Switch und Switch 2 über Switch Online + Expansion Pack spiele, ist mein Engagement meist halbherzig. Ich kann jederzeit zwischen allen Spielen wechseln, und die Herausforderung ist weg, weil ich die Zeit zurückdrehen und Fehler rückgängig machen kann.

Ich liebe Retro-Gaming und freue mich, die schönsten und unbekannteren Momente der Spielegeschichte erneut zu besuchen, um die Magie vergangener Zeiten zu erleben. Meine alten 16-Bit-Veteranen sind immer noch erfolgreich, und ab und zu kaufe ich ein neues, altes Spiel, das ich noch nicht gespielt habe. Ich liege oft im Bett und spiele, wenn ich Lust auf Retro habe, und ich kann stundenlang spielen, wenn ich die Kassetten benutze. Aber es sind nicht die Patronen, die das möglich machen.

Ich habe auch ein Mega Everdrive Pro, damit ich emulierte Titel abspielen kann, wenn ich keine Box öffnen, mich mit einer kaputten Cartridge herumschlagen oder ein Kickstarter-ROM kaufen möchte. Es ist außerdem eine Cartridge, die in jeder Hinsicht wie eine Mega Drive-Cartridge aussieht, aber Speicherstände und Ähnliches ermöglicht. Wenn ich Spiele aus diesen Spielen spiele, nutze ich diese Funktionen natürlich und plötzlich fühlt es sich weniger interessant und etwas schlafender an.

Es gibt viele Möglichkeiten, Save States auf dem Super Nintendo zu verwenden, wie zum Beispiel FXPAK Pro.

Ihr seid kluge Leser (ihr lest doch Gamereactor, oder?) und könnt mir denken, worauf ich hinauswill, nämlich dass der Unterhaltungswert von Retro-Spielen etwas abnimmt, wenn man es zu einfach macht, darauf zuzugreifen und Speicherstände hinzuzufügen. Ich denke, das ist so, als würde man an einem Freitagabend Netflix starten und entscheiden, was man sehen möchte. Die Auswahl ist so umfangreich, was es schwieriger und etwas weniger fesselnd macht. Am Ende wählt man etwas spontan aus, während diejenigen von euch, die während der Videoverleih-Ära dabei waren, sich sicher daran erinnern werden, wie man seinen Film ausgesucht und nach Hause gegangen ist, nur um ihn dann fast zeremoniell zu genießen.

Speicherstände ihrerseits wurden als etwas beschrieben, das alte Spiele auch heute noch unterhaltsam macht. Daran ist etwas Wahres, aber sie nehmen auch den Unterhaltungswert. Alte Spiele waren nicht schwer, weil sie unmöglich zu besiegen waren; Sie waren herausfordernd, weil sie oft nur etwa eine Stunde dauerten. Wenn du die Herausforderung entfernst, bleibt nur ein Abenteuer, durch das du hast, ohne Herz und Seele hineinstecken zu müssen.

Wenn man gedankenlos Titel wie Mega Man, Castlevania oder Contra spielt, geht ihre Begeisterung und ihr Geist völlig verloren.

Das bedeutet oft, dass man brillante Spieldetails verpasst, wie zum Beispiel wie genial gestaltet die Bewegungen von Yellow Devil im ersten Mega Man sind, wenn das Biest sich durch den Raum bewegt. Es ist zwar darauf ausgelegt, relativ leicht zu besiegen, erfordert aber erstklassige Konzentration und Konzentration, gefolgt von einem Adrenalinschub und Endorphinen, wenn man Erfolg hat. Jeder, der Speicherstände verwendet und diese dadurch komplett eliminiert, wird nie ihre Größe verstehen.

Aus genau demselben Grund, warum die Titel von FromSoftware heute so beliebt sind. Das sind keine Spiele, die man halbherzig spielen kann; Du musst voll investiert sein. Niemand wird dir sagen, wohin du gehen sollst; Das musst du selbst herausfinden, und niemand wird dir sagen, wie du die Bosse besiegst, denn das musst du auch selbst herausfinden. Das Gefühl des Erfolgs ist euphorisch; Du fühlst dich kompetent und hast etwas Wertvolles erreicht.

Spiele wie (von links nach rechts) The Adventures of Bayou Billy, Fester's Quest, Ikari Warriors und Ghost 'n Goblins sind allesamt NES-Spiele, die meiner Meinung nach ohne Cheats unmöglich zu beenden sind.

Erkläre ich also den Krieg gegen Speicherstände? Nein, überhaupt nicht. Natürlich gibt es alte Spiele, die völlig unmöglich sind, nicht zuletzt Battletoads und Trojan, und diese erfordern wirklich die Möglichkeit, Speicherstände erneut spielen zu können, was mit solchen Hilfsmitteln kaum möglich ist. Außerdem sind alte Spiele eben das: alt, und es ist leicht, Fehler zu machen, sodass man Dinge verpasst und im schlimmsten Fall vielleicht gar nicht weiterkommt. Außerdem kannst du nicht speichern (und wenn doch, dann nur an ausgewählten Punkten, was zu langen Reisestrecken führt).

Während der NES-Ära wurden Spiele jedoch hauptsächlich für Kinder entwickelt; Ich war in dieser Zeit selbst ein Kind, und wir haben die Spiele nacheinander durchgespielt. Sie waren nicht so schwierig, aber wie gesagt, sie erfordern ein wenig emotionales Engagement. Die Mega Man-Reihe gilt oft als wahnsinnig schwierig, aber als Typ, der fast 50 ist, kann ich sie trotzdem problemlos durchspielen. Es liegt nicht daran, dass ich so ein verdammt guter Gamer bin (denn das bin ich wirklich nicht, außer vielleicht in Kampfspielen, in denen ich in der richtigen Gesellschaft meist ziemlich gut mithalten kann), sondern daran, dass ich sie viel gespielt und geübt habe.

Titel wie Ori and the Will of the Wisps, Hades II und Hollow Knight: Silksong sind im Grunde Retro-Spiele in neuer Form und wären ziemlich langweilig gewesen, wenn sie Speicherstände enthalten hätten.

Für mich, der oft Retro-Konsolen zur Schau gestellt hat und weiß, welche älteren Spiele ich auf der PlayStation 5, Switch 2 oder Xbox Series S/X spielen kann, bekomme ich bei jüngeren, aufstrebenden Spielern oft die Bestätigung, dass es sich um zeitlose Klassiker handelt. Sogar Kinder, die modernere Spiele gewohnt sind, werden oft begeistert, wenn ich ihnen eine Runde Eishockey auf dem NES, Sonic the Hedgehog auf dem Mega Drive oder Goof Troop auf dem Super Nintendo anbiete. Gute Spiele sind zeitlos, wenn man sie so spielt, wie sie beabsichtigt sind.

Wie gesagt, es gibt Spiele, die man ohne Save States einfach nicht genießen kann, aber was fast alle diese Titel gemeinsam haben, ist, dass sie selbst mit ihnen nicht besonders unterhaltsam sind – obwohl man sie zumindest durchspielen kann. Allerdings gibt es auch Genres, in denen Speicherstände tatsächlich einen Mehrwert bieten, und das betrifft hauptsächlich längere Abenteuer und Rollenspiele. In einem Abenteuer, das mehrere Stunden dauert, von vorne anfangen zu müssen, macht keinen Spaß, und unverhältnismäßig lange Passwörter aufzuschreiben, bringt tatsächlich nichts. Außerdem ist es, wie oben erwähnt, schön, in Rollenspielen nicht zurückgehen zu müssen, nur um an einem der unvernünftig wenigen Orte zu speichern, die das ermöglichen.

FromSoftware entwickelt Spiele, die auf die gleiche Weise wie die Klassiker genossen werden müssen und unglaublich beliebt sind. Wenn es Save States gegeben hätte, wären sie wahrscheinlich nie so groß geworden, wie sie es heute sind.

Aber wenn du faul ein Spiel aus einer endlosen Bibliothek von ROMs mit Speicherständen auswählst, wirst du fast sicher nie die Größe dessen, was du gerade spielst, erfassen können. Aus diesem Grund ist es schön, ein Mega Drive-Juwel (das Format, das ich gerade am meisten sammele) zu finden und die Cartridge zu Hause einzusetzen. Drei Leben und meistens keine Fortsetzungen. Wenn ich sterbe, dann sterbe ich. Ein episches Retro-Spiel wie Alisia Dragoon, Ranger-X oder Shadow Dancer: The Secret of Shinobi zu starten, fühlt sich genauso magisch an wie damals, als sie neu waren. Ich muss mich durchkämpfen, versuchen herauszufinden, was schiefläuft, wenn ich unvermeidlich sterbe, und es dann noch einmal versuchen. Wenn es richtig schwierig wird, ist es ein Wutan-Quitt, ein Spaziergang an der frischen Luft mit den Hunden, danach gebe ich mit einer Tasse Kaffee oder einem kalten Bier und etwas getrockneter Mango eine weitere Chance und habe oft Erfolg.

Die Befriedigung ist enorm, und das Gefühl, lustlos durch einen Haufen Spiele zu blättern, nur um sie ein paar Minuten zu testen, bevor man entscheidet, dass sie hoffnungslos veraltet wirken, verschwindet sofort. Erst am vergangenen Wochenende habe ich die Remake-Sammlung Mega Man: The Wily Wars für den Mega Drive in einem gut bestückten Spieleladen gekauft und war wieder einmal an den Bildschirm gefesselt, wie man es beim Verwenden von Hilfsmitteln nicht bekommt.

Ältere Spiele können herausfordernd sein, aber wenn wir sie als Kinder gemeistert haben, können wir sie jetzt auch managen. Spiele wie Sonic and Marios beste Momente aus der 16-Bit-Ära werden sich nie veraltet anfühlen.

Nicht alle Klassiker sind gut gealtert, aber viele schon. Wenn man ihnen nur eine faire Chance gibt, gibt es eine Goldgrube großartiger Titel zu entdecken. Wenn Kinder diese Spiele in den 80ern und 90ern gemeistert haben, kannst du das auch, und es gibt sogar Studien, die zeigen, dass diese Spiele eine großartige Bewegung für dein Gehirn sind, weil du voll engagiert, gefordert sein musst und nicht einfach auf Autopilot spielen kannst. Es gibt einen Grund, warum die Klassiker Klassiker genannt werden, und das liegt nicht daran, dass es alte Spiele sind, sondern weil es gute alte Spiele sind. Das ist ein großer Unterschied. Genieße sie richtig und beobachte, wie sich eine neue alte Welt öffnet – was erklärt, warum wir uns damals so in diese Spiele verliebt haben.

KI und Lovecraft mit Cthulhu: The Cosmic Abyss Spielleiter Tommaso Nuti

alex@gamereactor.de (Alex Hopley) — Tue, 17 Mar 2026 11:00:00 +0100

Kürzlich hatten wir die Gelegenheit, einen guten Teil von Cthulhu: The Cosmic Abyss durchzuspielen. Nachdem wir einen Vorgeschmack auf Big Bad Wolfs neues Abenteuerspiel bekommen hatten, waren wir wie Archäologe von einem Artefakt gefesselt, das sie definitiv hätten in Ruhe lassen sollen. Und als sich die Gelegenheit bot, mit dem Regisseur des Spiels, Tommaso Nuti, zu sprechen, haben wir natürlich sofort die Gelegenheit ergriffen. Im Folgenden könnt ihr unser vollständiges Interview mit Nuti lesen, in dem wir über KI, lovecraftsche Geschichten, wie ihr mit den Schrecken umgehen könnt, denen ihr in Cthulhu: The Cosmic Abyss begegnet, und wie lange es dauert, ihnen zu entkommen.

F: Welche lovecraftianischen Geschichten dienten als Hauptinspirationen für das Spiel?

Nuti: "Wir haben uns bei der Adaption des Mythos von vielen lovecraftianischen Kurzgeschichten inspirieren lassen. Unser Ziel war weniger das Nacherzählen einer bestimmten Geschichte, sondern vielmehr die Nutzung der breiteren Hintergrundgeschichte, um ein Gefühl von Kontinuität innerhalb dieses Universums zu schaffen. Natürlich werden Sie Elemente aus The Call of Cthulhu sowie The Shadow Over Innsmouth und The Haunter of the Dark wiedererkennen. Es gibt auch eine weitere Kult-Kurzgeschichte, die uns inspiriert hat, aber ich möchte sie noch nicht verraten, um sie als Überraschung zu bewahren!"

F: Wie können Spieler mit den Schrecken umgehen, denen sie im Spiel begegnen?

Nuti: "Wir wollen dich in die Lage eines okkulten Ermittlers versetzen, der ein Universum erkundet, das völlig jenseits ihres Verständnisses liegt. Aus diesem Grund haben wir Kämpfe von Anfang an ausgeschlossen. Das Fehlen von Kämpfen bedeutet jedoch nicht, dass keine Gefahr besteht.

Viele Dinge können dich in R'lyeh töten, sei es die Ruinen selbst oder die Kreaturen, die sie bewohnen. Keine konventionelle Waffe wird hier helfen. Nur deine Werkzeuge und dein Verstand ermöglichen es dir, voranzukommen und das Abenteuer zu vollenden. Um zu überleben, musst du die Regeln verstehen, die diese Welt regieren, entweder indem du sie akzeptierst oder Wege findest, sie auszutricksen.

So ist Horror in jedem Aspekt des Erlebnisses präsent und schafft eine Atmosphäre, die manchmal düster und manchmal faszinierend wirken kann, aber immer von Geheimnissen und Unbekanntem durchdrungen ist. Unser Ziel war es, kosmischen Horror in seinem reinsten Sinne zu betrachten, wo Furcht daraus entsteht, einer Welt gegenüberzutreten, die die Menschheit in jeder Hinsicht übertrifft."

F: Ist die Art und Weise, wie KI im Spiel dargestellt wird, so wie Sie sich wünschen, dass sie in Zukunft eingesetzt wird?

Nuti: "Das ist eine faszinierende Frage. Ich sollte erwähnen, dass dies eine sehr persönliche Meinung ist, die über meine Rolle als Game Director bei Big Bad Wolf hinausgeht.
Meine Haupthoffnung ist, dass KI große Durchbrüche in Medizin und Wissenschaft beschleunigt und letztlich sowohl unsere Gesundheit als auch unsere Welt bewahrt.

Um ein konkretes Beispiel für das Spiel zu geben: KI ist direkt in das Gehirn des Charakters integriert. Noah nutzt es, um Ideen zu 'ping-pongen', Informationen zu extrahieren und Beweise zu analysieren. In diesem Sinne stellt es eine logische Weiterentwicklung seiner Ermittlungsinstrumente dar. Wenn es jedoch darum geht, mit Menschen umzugehen, ist es wichtig, sein eigenes Urteil zu bewahren und entsprechend zu handeln. Meiner Ansicht nach gibt es grundlegende Normen, die KI unterstützen kann, aber gesunder Menschenverstand sollte menschlich bleiben.

Aus professioneller Sicht sehe ich KI als ein mächtiges Werkzeug, das stets mit menschlicher Aufsicht in Einklang gebracht werden muss. Dasselbe gilt für kreative Bereiche, in denen Menschen im Mittelpunkt jedes Projekts stehen sollten. KI kann dazu beitragen, ambitionierte Konzepte zum Leben zu erwecken, aber Fragen zum Urheberrecht müssen noch geklärt werden, um eine seelenlose Industrialisierung der Kunst zu vermeiden.
Im weiteren Sinne sollte die Gesellschaft KI mit Sorgfalt und Überlegung angehen. Es ist wichtig, die Grundlagen zu lernen, bevor man sich auf das Werkzeug verlässt, ähnlich wie beim Zählen vor der Verwendung eines Taschenrechners. Am Ende sollte es nicht dazu führen, dass wir unser eigenes Gehirn abschalten, wenn wir ein 'Super-Gehirn' zur Verfügung haben."

F: Wie lange dauert ein durchschnittlicher Lauf von Cthulhu: The Cosmic Abyss ?

Nuti: "Im Durchschnitt dauert das Abschließen des Abenteuers zwischen 12 und 15 Stunden, je nach gewähltem Schwierigkeitsgrad und wie tief jeder Spieler sich mit der Untersuchung beschäftigt. Um Ihnen etwas mehr Details zu geben: Unser Spiel belohnt Neugier vor allem. Die Tiefe Ihrer Recherche bestimmt letztlich die Dauer der Erfahrung.

In jedem Kapitel können die Spieler frei in offenen Bereichen erkunden. Wenn du dich entscheidest, einer Spur zu folgen, während du bestimmte Hinweise oder Teile der Karte übersiehst, wirst du schneller vorankommen. Dies kann jedoch zu voreiligen Schlussfolgerungen führen, was zu schlechten Entscheidungen führen und Ihr Korruptionsniveau erhöhen kann.

Andererseits ermöglicht es dir, jede Ecke zu erkunden und die vielen verborgenen Geheimnisse in jedem Level zu enthüllen, um fundiertere Entscheidungen zu treffen und dich besser zu schützen. Das ist unsere Hauptmöglichkeit, das Erlebnis zu erweitern. Zusätzlich können Spieler nach Upgrade-Komponenten für ihre Ausrüstung suchen. Diese Komponenten sind sorgfältig in der Umgebung versteckt und verleihen dem Abenteuer eine Schatzsuche-Dimension."

F: Wie viele Enden gibt es, die Spieler finden können?

Nuti: "Das Spiel bietet sechs verschiedene Epiloge, die die Spieler entdecken können, zusätzlich zu den verschiedenen Möglichkeiten, wie Ermittlungen im Verlauf des Abenteuers gelöst werden können."

LEGO Pokémon 72152: Pikachu und Pokéball

marie@gamereactor.de (Marie Liljegren) — Tue, 17 Mar 2026 09:00:00 +0100

Als Pokémon Ende der 90er Jahre zum ersten Mal in Spielen und Kindersendungen auftauchte, war ich mit Ausgehen und Jungs beschäftigt; schließlich war ich 19 und Spaß zu haben war so ziemlich das Einzige, woran mein jüngeres Ich dachte, also könnte man sagen, dass der Hype für Spiele, Sammelkarten und die Serie an mir vorbeiging, ohne großen Eindruck zu hinterlassen. Klar, ich wusste das meiste über Lohgock und Tornupto. Jeder, der Kinder in seinem Umfeld hat, weiß, dass sie von solchen Dingen regelrecht vereinnahmt werden und dass sie den ganzen Tag lang fast nur noch davon reden. Mein Neffe Oscar liebte Pokémon so sehr, dass er am Tag nach seinem Geburtstag, als er einen lang ersehnten silbernen Gameboy SP bekam, es mit dem Nachbarsjungen in der Sandgrube gegen eine einfache Pokémon-Karte tauschte, sehr zum Erstaunen seiner Eltern, was zu einer Stufe acht auf der Wutskala führte.

Eine richtig große Kiste voller Leckereien und Leckereien.

Aber für mich war das alles, was es gab. Die Namen zu kennen und gelegentlich gezwungen zu sein, Kindersendungen mit einem sabbernden, rotzigen kleinen Kind im Arm zu schauen. Aber es gibt eine Figur, die jeder kennt und vor allem jeder wiedererkennt, und das ist Pikachu, und ich hatte die Ehre, ihn als Lego-Figur zusammenzubauen. Pika Pika, irgendwie! Die Kiste selbst ist ein riesiger Hammer, und ich trug sie wie ein großes Baby in meinen Armen nach Hause, vorbei an Nachbarn und Kindern, die ehrfürchtig auf meinen Schatz starrten, den ich festhielt, um ihn vor gierigen, imaginären Händen zu schützen.

Gerade erst angefangen. Totale Entspannung.

Wie immer liegt dem Lego-Set eine umfangreiche Bauanleitung bei, und dieses Mal kamen die Teile in 16 verschiedenen kleinen weißen Tüten mit insgesamt 2.050 Bausteinen - was mich sehr begeisterte, da ich weiß, dass das eine ganze Weile dauern wird. Denn wenn es eine Sache gibt, die ich seit meinem letzten Bau erkannt habe, dann, dass Lego mich glücklich macht. Es macht mich zu einem wahren Yoga-Meister, der Zeit und Raum vergisst und einfach baut. Die Entspannung ist echt, und ich würde sagen, jeder sollte bauen. Wir Erwachsenen haben Köpfe, die nie wirklich abschalten, denn wir sind voller Sorgen um Finanzen, Weltereignisse auf der anderen Seite der Welt, Kinder und das Haus, aber wenn es eine Sache gibt, die einen die Gedanken abschalten lässt, dann sind es diese winzigen, winzigen Bausteine namens Lego. Beim Bauen war ich beeindruckt davon, wie weit sich Bausteine weiterentwickelt haben, seit ich in meinem Kinderzimmer vor meiner Spielzeugkiste saß und Städte und Autos auf großen grünen Platten baute, die optisch nicht gerade ansprechend waren.

Es beginnt, Gestalt anzunehmen. Endlich passte die Rückwand zum Gehäuse! Ich war überglücklich.

Fantasie war das Einzige, was die Grenzen setzte, und meine war wirklich grenzenlos. Die heute wunderschön abgerundeten Stücke lassen wirklich jede Kreation so lebensecht wie möglich erscheinen, wenn alle kleinen Abschnitte zusammengepresst werden. Die Stücke in diesem Set sind in allen Farben des Regenbogens erhältlich, in vielen Pastelltönen, und man fragt sich immer wieder: "Ist diese kleine Ratte nicht gelb??" Denn ja, es ist unser geliebter kleiner Pikachu. Denn ja, es ist unser geliebter kleiner Pikachu. Sollte ich „klein" sagen? Er war jedenfalls alles andere als klein, als ich fertig war. Aber tatsächlich fertigzustellen, war leichter gesagt als getan. Denn irgendwo in meinem Bauwerk ist mir ein winziger Fehler unterlaufen. In allen anderen Bereichen des Lebens spielt ein kleiner Ausrutscher meist keine Rolle, aber bei Lego ist das ein echtes NO-GO.

Vielleicht ein leicht groteskes Bild. Ich habe ein bisschen das Gefühl, dem armen Ding den Kopf abgeschlagen zu haben.

"Warum?", fragen sich vielleicht diejenigen unter euch, die nicht bauen. Wie alle Baumeister wissen, egal ob man eine Ziegelmauer oder eine Lego-Struktur baut, müssen alle Teile passen; sonst läuft alles auf lange Sicht schief. Leider wurde mir mein Fehler schon mehrere Stunden nach Baubeginn bewusst, gerade als ich den Rückenteil am Körper anbringen wollte. Egal wie sehr ich drückte, es verschmolz einfach nicht mit den anderen. Ich starrte mich blind auf alle Teile und alles sah so aus, wie es sollte, bis mein guter Freund mir schließlich sagte, ich solle meinen Build Schritt für Schritt zurückverfolgen, bis das Problem gefunden sei. Aber ein paar Züge hier und da, und die Stücke begannen sich zu lösen; das Chaos war eine Tatsache, und ja, ich wurde wütend. So wütend, dass ich alles, was ich gebaut hatte, auseinandergebaut habe, außer der Rückwand, von der ich zumindest wusste, dass sie korrekt war.

Schau, wie glücklich er mit seinem kleinen Ball ist.

Ich bin jetzt also eine Pikachu-Expertin, da ich ihn nicht nur einmal, sondern zweimal gebaut habe. Und am Ende fand ich den Fehler: zwei winzige Mini-Stücke, die im falschen Schlitz gelandet waren. Und mit dieser Erfahrung im Gepäck möchte ich empfehlen, nicht die mitgelieferte Bauanleitung zu verwenden, sondern stattdessen die unglaublich hilfreiche App 'Lego Builder' herunterzuladen, mit der ich beim letzten Mal tatsächlich meinen Baufehler gefunden habe. Die App sieht genauso aus wie der Baukatalog, mit dem Unterschied, dass man sie in 3D drehen kann, sodass man sowohl die Oberseite als auch die Unterseite genau sehen kann. So entgeht einem nicht, wie viele Noppen man beim Zusammenstecken der Teile zählen muss. Und das war meine Rettung, das kann ich euch sagen, denn schon eine Stunde später war ich wieder an der Stelle, an der alles schiefgelaufen war, und wisst ihr was? Das Rückenpaneel glitt im Handumdrehen an seinen Platz. Da haben Sie es also - eine Geschichte, die zeigt, dass nicht immer alles nach Plan läuft.

Dieser Pikachu ist ziemlich süß.

Sogar eine Göttin wie ich macht manchmal Fehler. Aber meistens ist es die Schuld von jemand anderem. In diesem Fall der Lego-Katalog. Beachtet hier den Sarkasmus, bevor Lego-Fans mir Duplo als Vergeltung für diese Blasphemie schicken. Es ist etwas schwer einzuschätzen, wie lange der eigentliche Bau dauert, da ich das Modell zweimal zusammenbauen musste, aber wenn ihr euch dieses Set zulegt, stehen euch ein paar gemütliche Abende bevor. Aber wenn ich raten müsste, etwa sechs Stunden, je nach Geschwindigkeit. Das Set besteht tatsächlich aus drei verschiedenen Builds. Zuerst baut man Pikachu, der mit 35 Zentimetern ein ziemlich beeindruckender Kerl ist. Dann gibt es noch den kleinen Pokéball zum Zusammenbauen, der ziemlich schnell zusammengebaut werden kann, da er nicht viele Teile hat. Zu guter Letzt ist da noch die Grundplatte selbst, die das Ganze zusammenhält, und das hat ziemlich lange gedauert.

Das ist wirklich eine besondere Arbeit.

Alles in allem ist es ein großes Stück, das ziemlich viel Platz einnimmt, und ich merkte bald, dass ich mich für die Platzierung in meinem Zimmer für eine verkleinerte Version entscheiden musste. Zum Glück gibt es also den kleinen Ständer, den man benutzen kann, während der große wieder in der Originalverpackung verstaut werden kann. Pikachu sah unglaublich süß aus, als er fertig war, und ich muss sagen, es war etwas schwierig, ihn zum ersten Mal in seinen Stand zu setzen, da die Platzierung von unseren dänischen Erfindern vielleicht nicht so gut durchdacht war. Der Stock, auf dem man unsere gelbe, flauschige, meerschweinchenartige fette Wurst montieren soll, muss direkt in den Hintern des armen Dings gehen. Oder besser gesagt: die Rückseite. Das Hinterteil. Der Hintern. Kein Wunder, dass ich eine kleine Träne hatte, als er wie ein Lamm zum Schlachten auf den Grillspieß aufgespießt wurde.

Um eine Vorstellung von der Größe zu bekommen, können Sie sie mit einer 1,5-Liter-Plastikflasche vergleichen.

Jedenfalls ist er sehr detailliert gestaltet und wird sicherlich eine stilvolle Ergänzung für meinen kleinen Vitrineschrank sein, wo er jetzt zwischen Leon S. Kennedy und Jill Valentine sitzt. Allerdings musste das Heck geschnitten werden, da es etwas zu groß war. Apropos Schwanz: Er gibt ihn in zwei Versionen: eine für ein Männchen und eine für ein Weibchen. Man kann auch die Ohren, Arme und Füße der Figur bewegen, aber aus irgendeinem Grund fühlt sich dieser etwas zerbrechlicher an als mein letzter Bau, der Marvels Iron Man war und etwas kompakter und widerstandsfähiger war. Ich erwähne das, weil ich den armen Pikachu schon mehrfach in einen einarmigen Banditen und einen etwas weniger hoffnungsvollen Kerl verwandelt habe, wenn ihm ein Fuß abfiel.

Alles in allem war es ein wirklich spaßiger Build und, wie ich schon sagte, ist man immer unglaublich beeindruckt von all den winzigen Teilen, die man zusammenbaut, ohne eine Ahnung zu haben, was man zusammenbaut, und plötzlich sitzt man einfach nur mit einem Kopf oder einem Arm da. Die Menschen, die diese erschaffen, sind wahrhaftige Ingenieure von höchstem Kaliber. Könnte das das beste und klügste "Spielzeug" der Welt sein? Möchtest du dieses kleine Juwel unbedingt haben? Nun, es könnte dir schon für 179,99 £ gehören. Das war wirklich eine schöne Art, das 30-jährige Jubiläum von Pokémon zu feiern.

Lego-Set: Bisaflor, Glurak und Turtok

fredrik@gamereactor.de (Fredrik Malmquist) — Sun, 15 Mar 2026 11:00:00 +0100

Rot oder Blau? Was war deine Entscheidung? Bisasam, Glumanda oder Schiggy? Bevor ich meine erste Reise in der Kanto-Region antrat, musste ich mehrere Entscheidungen treffen, Entscheidungen, die ich seitdem mehrfach wiederholt habe: Rot und Glumanda. Wenn du dem 13-jährigen Fredrik gesagt hättest, dass er mit seinen beiden Söhnen sitzen und eine Woche damit verbringen würde, drei riesige Lego-Pokémon zu bauen, hätte er dir nie geglaubt. Glumanda wird immer mein erstes Pokémon sein und das erste, das ich trainiert habe, um sich in seine endgültige Form, Glurak, zu entwickeln.

Wenn man das riesige Pokémon-Set von Lego kauft, muss man sich nicht für ein Starter-Pokémon entscheiden. In diesem riesigen Lego-Set mit 6.838 Teilen sind Bisaflor, Glurak, Turtok und eine coole Basis enthalten, auf der man die Figuren platzieren kann. Die einzige Entscheidung, die man treffen muss, ist, welchen der drei Riesen man zuerst baut. In der riesigen Box bekommt man drei Boxen, die als Poké Balls gedruckt werden. Auf der Rückseite gibt es Symbole, die zeigen, welcher Pokémon-Typ in der Box versteckt ist. Die Boxen sind nummeriert, aber nichts hindert dich daran, die drei Figuren in der von dir bevorzugten Reihenfolge zu bauen. Wenn man sich an die Nummerierung der Boxen hält, kommt zuerst Bisaflor, dann Turtok und schließlich Glurak.

Ich beschloss, es mir selbst leicht zu machen, und begann zu bauen, während meine Söhne schliefen. Nach zwei Stunden und zehn Minuten war es Schlafenszeit. Wie weit bin ich gekommen? Sechs Säcke und eine fertige, kühle, pflanzenbedeckte Basis, auf der Bisaflor stehen kann. Am nächsten Tag kamen mein 8-jähriger und 6-jähriger mit, und zusammen verbrachten wir fast sieben Stunden damit, Bisaflor zu vollenden. Es ist durchaus möglich, dass ich den Gras-Typ schneller hätte bauen können, aber jedes Mal, wenn meine Söhne und ich das Lego-Set von jetzt an ansehen, wissen wir, dass der Bau eine Teamarbeit war.

Bisaflor war tatsächlich Nummer eins in der Reihenfolge, wenn wir den Zahlen auf den Boxen und den Anweisungen des Lego-Sets folgten. Als meine Söhne und ich Bisaflor beendet hatten, bestanden beide darauf, dass Glurak als Nächstes dran sei. Es war nicht allzu schwer, mich zu überzeugen, angesichts meiner Bevorzugung. Gluraks Basis ist ein Vulkan, auf dessen Gipfel sich ein Sockel befindet, auf dem der orangefarbene Riese befestigt werden soll. Mein ältester Sohn half mir, die Basis zu bauen, was weitere vier Stunden dauerte. Dann dauerte es weitere drei bis vier Stunden, um Glurak fertigzustellen. Danach haben wir aufgehört zu zählen, aber wir haben wahrscheinlich noch weitere sieben bis acht Stunden gebraucht, um die Basis und Turtok zu bauen und das Lego-Modell fertigzustellen - genau eine Woche, nachdem ich die Schachtel ins Haus gebracht hatte.

Bisaflor, Glurak und Turtok sind das größte Lego-Set, das ich seit der Ultimate Collector's Edition des Millennium Falken im Jahr 2017 gebaut habe. Ich habe Star Wars vor Pokémon entdeckt, aber beide Universen liegen mir sehr am Herzen, und obwohl ich den Falken selbst bauen durfte, konnte ich es diesmal mit meiner Familie tun, was noch besonderer war. Im Gegensatz zum Millennium Falke ist dies ein 18+-Set, das deutlich weniger Lego-Technic-Teile enthält, und das hat mir gut gepasst - ebenso wie meinen Söhnen.

Wie sollte das Set gebaut werden? Abwechslungsreich, herausfordernd, spaßig und zeitaufwendig. Für wen ist es? Pokémon-Fans und Lego-Enthusiasten. Bisaflor und Turtok sind beide kompakt und im Design ähnlicher. Glurak ist schlanker und hat zwei Flügel aus bedrucktem Stoff. Die drei Basen unterscheiden sich stark im Design, wobei der sechste Beutel der Bisaflor-Basis wie ein normales Lego-Botanical-Set zum Bauen war. Gluraks Vulkan fühlte sich wie der Teil des Baus an, der die meisten technischen Teile enthielt, und für die Kinder war die größte Herausforderung, lange fokussiert zu bleiben. Nach drei Stunden Bau sagte mein jüngster Sohn: "Papa, das ist das Spaßigste, was ich kenne. Große Lego-Sets bauen!" Da wurde mir klar, dass er noch viele zukünftige Bauprojekte vor sich hat.

Lego-Sets sind in allen Preisklassen erhältlich und dieses Set gehört zu den teureren. Es ist ein Statement-Stück, etwas, das man baut, weil man Lego und Pokémon liebt. Es ist ein Set, das einen Platz in eurem Zuhause braucht, an dem es sichtbar ist, mit einer Basis von 54 Zentimetern Breite und einem Trio, das eine Höhe von 50 Zentimetern erreicht - man kann sich vorstellen, wie viel Platz benötigt wird. Viele Content-Creator und Autoren haben den Preis erwähnt und vorgeschlagen, dass Lego die Basis hätte entfernen können, um das Set günstiger zu machen. Ich frage mich, warum? Wenn Pokémon sein 30-jähriges Jubiläum feiert und zum ersten Mal als Lego-Set veröffentlicht wird, sollte es Platz bekommen. Wenn ich etwas nennen müsste, das besser hätte sein können, dann wäre es die Form von Gluraks Gesicht und die Lücken auf dem Bisaflor. Insgesamt ist dies jedoch ein würdiges Premium-Modell, um drei Jahrzehnte eines Universums zu feiern, das jedes Jahr Millionen von Menschen unterhält.

Fußnote: Das Lego-Set wird exklusiv von Lego selbst verkauft und ist äußerst beliebt. Das Set ist bis April im Rückstand bestellt.

Top 10 atemberaubendste Nintendo-64-Cover

kenny@gamereactor.de (Kenny Nordgren) — Sat, 14 Mar 2026 11:00:00 +0100

Wahrscheinlich habe ich die Nintendo-64-Ära am meisten Erinnerungen. Ich war zehn Jahre alt, als das große, schwere Paket am Heiligabend 1997 Nintendos neue Konsole enthielt, was mich bis zum Erscheinen der PlayStation 2 Ende 2000 glücklich und zufrieden machte. Mit anderen Worten: Es war der perfekte Zeitpunkt, um die Videospielgewohnheiten einer Person zu gestalten.

In dieser Liste sind meine "Lieblingscover" stark von Nostalgie beeinflusst. Es war unmöglich, das zu vermeiden, als ich diesen Text zusammenstellte, wo ich nach sorgfältiger Überlegung und einem Eimer voller Nostalgie auf folgende Liste gekommen bin:

10. Castlevania: Das Vermächtnis der Dunkelheit (Nintendo 64)

Im Allgemeinen hat Castlevania unglaubliche Cover, besonders für das NES. Da sprechen wir von Magie. Legacy of Darkness ist noch nicht ganz da, aber es sticht im Nintendo 64-Katalog in Sachen Cover immer noch hervor. Es ist etwas ungewöhnlich, dass mich ein von Manga inspiriertes Cover so anspricht wie Legacy of Darkness, denn Manga ist eine Ästhetik, die ich im Allgemeinen überhaupt nicht mag, aber die Mystik von Dracula, dem Schloss, den Fledermäusen und dem großen Mond im Hintergrund ist etwas ganz anderes, und zwar positiv.

9. Super Mario 64

Ich kann nicht umhin, dass dieses Spiel auf dieser Liste stehen muss. Aber andererseits ist es ein minimalistisches und stilvolles Cover, das mich sehr anspricht, auch wenn es nicht zu meinen Top 10 Lieblingsspielen der Konsole gehört. Aber wir sind nicht hier, um über so eine Top-Liste zu sprechen. Jedenfalls fliegt Mario mit seiner Flügelkappe, was die Freiheit symbolisiert, die das Spiel dank seiner 3D-Welt bietet, und weit unten links sieht man das Schloss mit einem Goomba, das es bewacht. Schlicht, aber stilvoll.

8. Snowboard Kids

Das ist ein verspieltes Cover, das mich allein beim Anschauen glücklich macht. Ich habe dieses Spiel früher oft gespielt, und das Cover passt gut zum Spiel selbst. Ich finde, dieses Cover fasst die Verspieltheit zusammen, die bei Nintendo 64 ausmacht. Es ist ein "Mario-Kart-Cover", aber mit Snowboards. Ich wollte auch "große Nasen" schreiben, als mir klar wurde, dass Marios und Warios Nasen auch nicht so klein sind.

7. Turok: Dinosaurierjäger

Viel schwieriger wird es kaum; ein Krieger, der mit seinem Rambo-Messer bereit im Nahkampf mit einem Velociraptor stand. Als kleines Kind fand ich es gleichzeitig cool und beängstigend. Es schreit nach Action, und das Spiel hat definitiv geliefert. Ich habe das Spiel selbst nie besessen, aber ab und zu habe ich es mir von meinem Kindheitsfreund ausgeliehen. Auch wenn das Cover damals vielleicht cooler war, steht es trotzdem auf dieser Liste.

6. Die Legende von Zelda: Majora's Mask

Die zweite Veröffentlichung von The Legend of Zelda für das Nintendo 64 steht auf dieser Liste. Meiner Meinung nach gibt es eine gewisse Mystik um dieses Cover. Natürlich liegt das auch daran, dass das Spiel selbst sehr geheimnisvoll ist, wobei der dunkelgrüne Hintergrund und der lila Text einen gewissen Reiz haben, besonders in Kombination mit Majoras Maske, die einen bösartig direkt anstarrt. Relativ minimalistisch, wie Super Mario 64.

5. Mario Kart 64

Ich habe so viele Erinnerungen aus der Nintendo-64-Ära, die sich in meinem Gedächtnis eingebrannt haben, und viele davon stammen aus Mario Kart 64, das vielleicht auch das stilvollste Mario-Kart-Cover ist. Wieder einmal sprechen wir von Minimalismus und Geschwindigkeit, und ich liebe auch, dass mein Favorit aus der Mario-Gang, Wario, eine so prominente Rolle auf dem Cover hat. Mit anderen Worten: Es muss nicht immer um Mario und Donkey Kong gehen.

4. Conker's Bad Fur Day

Dieses fast legendäre Spiel taucht auf allen möglichen Top-Listen auf. Der Grund, warum es auf diesem Album zu sehen ist, ist, dass Conker ein Bier in einer Hand hält. Das allein ist Grund genug, um seinen Platz in meinem Buch der coolsten Cover zu festigen. Dass ein Eichhörnchen das Bier hält, macht es nicht schlimmer. Ist es das erste Bier des Tages? Der siebte? Wer weiß. Ich kann mir auch vorstellen, wie Kinder mit ihren Eltern gesprochen haben, als das Spiel 2001 veröffentlicht wurde: "Mama und Papa, ich will das Spiel mit dem Eichhörnchen, das Bier auf dem Cover zu Weihnachten trinkt."

3. Banjo Kazooie

Ich gehöre zu der Gruppe von Leuten, die, oder vielleicht ist es gar keine Gruppe, wenn ich darüber nachdenke, nicht denken, dass Super Mario 64 das beste 3D-Spiel auf dem Nintendo 64 ist. Meiner Meinung nach stehen die Banjo Kazooie-Spiele ganz oben auf dem Podium. Banjo und sein super-überheblicher Vogelbegleiter stehen ebenfalls auf dieser Liste. Ein schnelllebiges Cover, auf dem unser Bär nicht nur Kazooie im Rucksack hat, sondern auch mit dem linken Arm einen lila Jinjo hält, während er mit dem rechten ein Puzzleteil greift. Hinter ihm ragt der Endgegner des Spiels, Gruntilda, wie ein Riese empor. Ich mag auch, dass Mumbo Jambo auf der linken Seite des Covers sichtbar ist, ein persönlicher Favorit von mir.

2. Yoshis Geschichte

Ein super süßes Cover mit dem Lieblingsdrachen von allen. Yoshi's Story war damals nicht mein Lieblingsspiel, aber was für ein farbenfrohes und angenehmes Cover es war. Ich hatte dieses Spiel fast vergessen, bis ich für diesen Artikel recherchiert hatte, aber als ich es sah, bekam ich einen so nostalgischen Kick, dass das Cover ohne viel Diskussion auf der Liste stand.

1. The Legend of Zelda: Ocarina of Time

Es ist vielleicht das beste Spiel der Welt und hat eine Coverversion, bei der weniger mehr ist. Ich beziehe mich hauptsächlich auf die PAL-Version, obwohl die anderen Cover fast genauso schön sind. Aber der schwarze Hintergrund und der goldene Text, zusammen mit Schwert und Schild, sehen wirklich, wirklich gut aus. Ich selbst habe dieses Spiel während der Nintendo-64-Ära nie besessen, aber sobald ich das Cover bei Freunden und Bekannten sah, war ich jedes Mal begeistert, obwohl ich es schon mehrmals ausgeliehen hatte.

Welches Nintendo-64-Cover ist dein Favorit?

Friday the 13th: Von schlechtem zum besten

kenny@gamereactor.de (Kenny Nordgren) — Fri, 13 Mar 2026 10:00:00 +0100

Es ist jedenfalls niemandem entgangen, dass Slasher-Filme meine Stärke sind. Vor einiger Zeit habe ich die Scream-Filme nach meinem persönlichen Geschmack eingestuft, und jetzt der zweite (von drei!) Freitag, der 13. des Jahres, ist da. Natürlich dachte ich, ich nutze diese Gelegenheit, um alle Friday the 13th Filme zu bewerten. Von schlechtem zu besten!

12. Jason X (2002)

Jason Voorhees im Weltraum? Auf dem Papier mag das klingen... Nein, selbst auf dem Papier klingt diese Idee überhaupt nicht spaßig. Ganz im Gegenteil. Wie kann es überhaupt jemand wagen, so eine Idee vorzuschlagen? Es beginnt einigermaßen vielversprechend mit Jason, der ziemlich gut aussieht, angekettet in einem großen Hangar. Es ist etwas unklar, wie er dort gelandet ist, wenn man die vorherigen Filme gesehen hat. Dann gerät alles ziemlich schnell aus dem Ruder, als Jason eingefroren wird und ein paar Jahre später an Bord eines Raumschiffs aufwacht. Wir sehen alles von Androiden bis zu Super-Jason. Hinter der Kamera steht der verstorbene James Isaac, der an Spezialeffekten für Die Rückkehr der Jedi-Ritter (1983) und Gremlins (1984) arbeitete, während Noel J. Cunningham, Sohn von Sean S. Cunningham, der hinter dem ersten Friday the 13th stand, als Produzent fungierte. Man könnte meinen, er habe den guten Geschmack seiner Eltern geerbt, aber hier ist klar, dass guter Geschmack eine Generation überspringt.

11. Jason geht in die Hölle: Der letzte Freitag (1993)

Mein guter Freund und Kindheitsfreund wird es nicht mögen, diesen Film zu lesen, aber das ist kein guter Film. Es beginnt brillant mit einem grotesken Jason (zum dritten Mal gespielt von Kane Hodder, Jason X war der vierte und letzte), groß und schwer mit abgetragener Kleidung und einer Hockeymaske, die fast an sein Gesicht geschmolzen ist. Dann wird er von einer Gruppe FBI-Agenten in Stücke geschossen. Aber Überraschung, Überraschung, Jasons böse Seele ist in der Hölle nicht willkommen und lebt in verschiedenen menschlichen Formen weiter. Am Ende, als Jason endlich für etwa zwei Minuten in seinen echten Körper zurückgekehrt ist, kommen ein paar Dämonen und ziehen ihn in die Hölle. Es ist ein bisschen lustig, oder eigentlich sehr lustig, dass Freddy Kruegers messerbewaffnete Hand in den allerletzten Sekunden des Films erscheint und Jasons Maske herunterzieht. Das ist ein perfekter Übergang zu...

10. Freddy gegen Jason (2003)

... der nächste Film auf der Liste, auf den ich mich zunächst sehr lange gefreut hatte. Ich fand ihn auch gut, als ich ihn zum ersten Mal gesehen habe. Dann wurde mir klar, dass es eigentlich gar nicht gut war. Trotzdem finde ich, dass es die Sache etwas zusammenzieht, mit Freddy, der Jasons Maske fast genau zehn Jahre später in die Hölle zieht, auch wenn es letztlich nicht besonders gut funktioniert. Weder Jason noch Freddy sollten in irgendeinem Todeskampf gegeneinander sein; Das ist nicht der Reiz dieser beiden Figuren. Sie sind sozusagen nicht Godzilla oder Kong. Sean S. Cunningham ist tatsächlich der Produzent dieses Films...

9. Friday the 13th (2009)

... von dem er auch das Remake produzierte. Als Remake ist es nicht so gut wie The Texas Chainsaw Massacre (2003) oder The Hills Have Eyes (2006), aber insgesamt ist es trotzdem ziemlich gut. Allerdings muss man ihn mit den anderen Filmen der Reihe vergleichen, und dann rangiert er nicht höher als den neunten Platz. Jason nimmt Frauen gefangen und hält sie mehrere Wochen gefangen? Was soll das eigentlich? Aber ich mag auch, dass er sowohl einen Kissenbezug als Maske benutzt, wie in Teil 2, als auch die legendäre Hockeymaske. Der deutsche Regisseur Marcus Nispel steht hinter der Kamera und hat auch das bereits erwähnte Remake von The Texas Chainsaw Massacre inszeniert.

8. Friday the 13th Teil VI: Jason lebt (1986)

Das erste Mal, dass Jason buchstäblich aus dem Grab zurückkehrt. Der Charakter Tommy Jarvis, der Jason (für den Moment) im vierten Teil tötet, hat ein Leben in Angst geführt, ohne zu wissen, ob Jason wirklich tot ist. Um wirklich, wirklich, wirklich herauszufinden, ob Jason tot ist, gräbt Tommy Jasons Körper aus und durchbohrt ihn mehrfach mit einem Eisenspitzen. So dumm er auch ist, Tommy lässt den Eisenspike während des gerade tobenden Gewitters in Jasons Körper zurück, und wie wir alle wissen, kann der Blitz einen Körper wiederbeleben, der viele Jahre tot ist (HINWEIS: Ironie). So beginnt Jason erneut sein Gemetzel. Der Film hat einen gewissen komischen Unterton, den ich bisher nicht wirklich angenommen habe, aber das scheint mit mir nicht zu stimmen, da viele Leute ihn hoch oder am höchsten auf ihren Top-Listen der Filmreihe einstufen. Trotzdem macht es Spaß, dass Alice Coopers He's Back (The Man Behind the Mask) als Titelsong verwendet wird.

7. Friday the 13th Teil VIII: Jason nimmt Manhattan ein (1989)

Dank des komischen Untertons des vorherigen Films landet der achte Teil der Serie auf dem siebten Platz, und erneut kehrt Jason durch einen starken Stromschlag von den Toten zurück. Die Produktionsfirma der Serie, Paramount, war der Meinung, dass der Wettbewerb sowohl 1988 als auch 1989 zugenommen hatte, als Friday the 13th, Halloween und A Nightmare on Elm Street alle Fortsetzungen veröffentlichten. Letztere Serie war damals eindeutig beliebter, weil sie fantasievoller war, mit Freddy Krueger, der Menschen in ihren Träumen jagte (und wir wissen alle, wie gruselig Träume sein können...), während Jason immer noch zwischen den Bäumen am Crystal Lake herumrannte und immer wieder das Gleiche tat. Was tun? Nun, lass ihn natürlich in New York los. Allerdings spielt 75 % des Films auf einem Boot auf dem Weg nach New York. Er wurde von den Kinobesuchern nicht gut aufgenommen, und die Summe, die der Film einbrachte, galt als Enttäuschung für Paramount. Auch wenn ich nicht besonders daran interessiert bin, Jason in New York Leute niederschlagen zu sehen, hätte der Film definitiv von mehr Szenen in der Großstadt profitiert.

6. Friday the 13th Teil VII: Das neue Blut (1988)

Wie ich im vorherigen Film schrieb, war dies ein hartes Jahr in Bezug auf den Wettbewerb, und wenn es Konkurrenz gibt, muss man herausstechen. Im achten Teil wurde Jason nach New York geschickt, und im siebten Teil wurde ein Mädchen mit telekinetischen Kräften reingeworfen. Dieser Teil erinnert in vielerlei Hinsicht stark an A Nightmare on Elm Street und hätte meiner Meinung nach ganz weggelassen werden können. Zum Glück werden ihre Kräfte nicht allzu oft genutzt. Doch die Kräfte tragen zur beklagenswerten letzten Szene bei, in der der Vater des Mädchens, der seit vielen Jahren tot ist, plötzlich aus dem Crystal Lake aufsteigt und Jason in die "Tiefen" zieht. Es ist so dumm und schlimm, dass ich fast vom Stuhl fälle, während ich das hier schreibe. Abgesehen von diesen Kräften ist es ein guter Slasher-Film mit einem unglaublich coolen Look für Jason (gespielt von Kane Hodder), bei dem man seine Wirbelsäule sieht, weil er sehr abgetragene Kleidung trug und seit Teil VI am Grund des Sees lag. Oh, und ein paar coole Morde.

5. Friday the 13th: Ein neuer Anfang (1985)

Der fünfte Teil der Reihe war meiner Meinung nach der schlechteste seit vielen Jahren (es sollte hinzugefügt werden, dass ich diese Filme einige Jahre vor meiner Jugend zum ersten Mal gesehen habe). Warum ist das so? Nun, weil Jason nicht dabei ist. Es geht um einen Krankenwagenfahrer, der sich als Jason verkleidet, um sich an den Insassen eines Jugendgefängnisses zu rächen, in dem sein Sohn von einem der Insassen getötet wurde. Als Slasher-Film ist er völlig in Ordnung, und wenn man bedenkt, dass er nicht die Exzesse des vorherigen Films auf meiner Liste hat (sehr komische Untertöne, telekinetische Kräfte und eine Reise nach New York), bekommt er den fünften Platz.

4. Friday the 13th (1980)

Hier haben wir das Original selbst, den Film, der 1980 den Slasher-Hype auslöste. Es leidet unter demselben Problem wie Teil 5, nämlich dass Jason nicht der Mörder ist. Wie Ghostface in Scream (1996) anmerkt, taucht Jason erst in derFriday the 13th Fortsetzung auf, als Drew Barrymores Figur "Jason" auf die Frage beantwortet, wer der Mörder ist. Ein wirklich guter Slasher-Film, aber für mich verliert er etwas an Reiz, weil Jason nicht der Mörder ist, was mit dieser Serie gleichbedeutend ist. Es macht Spaß, Kevin Bacon in einer seiner allerersten Filmrollen zu sehen, und hinter der Kamera steht der bereits erwähnte Sean S. Cunningham, und auch Tom Savini, der Meister von Make-up und Spezialeffekten in Horrorfilmen, tritt auf. Der Film kostete etwas mehr als sehr wenig und spielte an den Kinokassen gewaltige Mengen ein.

3. Friday the 13th Teil 2 (1981)

Der Vorgänger war ein Kassenschlager von seltenem Ausmaß, und hier begann das goldene Zeitalter der Slasher-Filme. Hier wird es richtig ernst, als Jason sein Debüt als Mörder gibt (mit einem Kissenbezug über dem Gesicht). Er ist außerdem im Vergleich zu späteren Filmen der Reihe sehr menschlich (was natürlich nicht überrascht). Viele der Morde sind wirklich cool und der Film hat eine wunderbare Slasher-Filmatmosphäre. Steve Miner hat den Regiestuhl übernommen und zusätzlich zu diesem und Teil 3 auch Halloween H20: 20 Years Later (1998) inszeniert. Kurz gesagt, er ist ein Typ, der sich auskennt (ich werde irgendwann in der Zukunft zu der erwähnten Halloween-Konstellation zurückkehren).

2. Friday the 13th: Das letzte Kapitel (1984)

Brutal und aggressiv – es gibt zwei Adjektive, die den vierten Teil der Filmreihe beschreiben (der, wie der Name schon sagt, eigentlich der letzte sein sollte). Jason betritt den Raum mit einer rohen Kraft, die in den ersten beiden Teilen nicht zu sehen war, und tötet alles, was er sieht. Ein denkwürdiger Mord ist, als er die Duschkabine zerschmettert und den Schädel der Figur, die duscht, gegen die Wand schlägt. Jason ist völlig unaufhaltsam. Fast, jedenfalls... Am Ende ist es ein junger Corey Feldman, der das letzte Wort hat, als er Jasons Schädel in tausend Stücke hackt. Das ist das Klischee eines verdammt guten Slasher-Films, über das ich kaum Beschwerden habe.

1. Friday the 13th Teil III (1983)

Im Nachhinein ist es der dritte Teil der Filmreihe, der mein absoluter Favorit ist. Er ist nicht so brutal und aggressiv wie der obige Film, aber es gibt so viele denkwürdige und ikonische Momente im Film, die meine Wahl der Bewertung rechtfertigen. Unter anderem bekommt er in diesem Film seine legendäre Hockeymaske, mit einer coolen Szene, in der wir Zuschauer ihn zum ersten Mal sehen (wir werden vergessen, dass er ein Opfer mit einer Harpune erschießt, da Schusswaffen nicht in Slasher-Filme gehören), und am Ende des Films bekommt er seine ikonische Axtmarke auf seiner Maske. Übrigens ist es eine letzte Sequenz, in der er zuerst gehängt wird und dann eine Minute später eine Axt in den Kopf bekommt. Ich habe längst vergessen, dass der Film ein "3D-Film" ist.

Wir besprechen Dauer, Enden, Sammelobjekte und mehr mit den Entwicklern von Life is Strange: Reunion

ben@gamereactor.de (Ben Lyons) — Thu, 12 Mar 2026 13:00:00 +0100

Es ist fast Zeit, dass Life is Strange: Reunion sein Debüt auf PC, PS5 und Xbox Series X/S feiert. Am 26. März wird das mit Spannung erwartete, erzählerische Abenteuer erscheinen und voraussichtlich die Saga von Max Caulfield und Chloe Price abschließen.

Wenn Sie seit der Enthüllung von Reunion Anfang dieses Jahres eifrig auf dem Laufenden bleiben, unter anderem durch unser aktuelles Hands-on-Preview, haben Sie vielleicht ein paar Fragen zum Projekt, zum Beispiel wie groß das Spiel im Vergleich zu den neuesten Teilen von Life is Strange: Double Exposure und Life is Strange: True Colors ist, Welche Art von Sammelobjekten angeboten werden, wie die Enden integriert sind und sogar, was man vom Soundtrack erwarten kann. Wenn ja, haben wir in vielen dieser Bereiche Antworten.

Wir haben den Entwickler Deck Nine und den Publisher Square Enix kontaktiert, um mehr über Life is Strange: Reunion zu erfahren, und Sie können dies unten in unserem speziellen und faszinierenden Interview vollständig sehen.

Life is Strange: Reunion gilt als das Ende der Saga von Max und Chloe. Vor diesem Hintergrund: Für alle, die gerade erst einsteigen: Wird es eine Zusammenfassung der vollständigen Ereignisse vor dem Spiel geben und wie wichtig ist es, die vorherigen Kapitel zu spielen, bevor man Reunion erlebt?

Life is Strange: Reunion wurde entwickelt, um sowohl langjährige Fans als auch Spieler willkommen zu heißen, die dieses Spiel als ihr erstes Kapitel der Geschichte von Max und Chloe erleben.

Beim Start eines neuen Spielstands erhalten die Spieler eine "Story bisher Story"-Zusammenfassung, die von Max und Chloe auf Englisch, Französisch, Deutsch und Japanisch erzählt wird, mit Untertiteln in allen unterstützten Sprachen. Das Video behandelt die wichtigsten Ereignisse von Life is Strange, behandelt wichtige Elemente aus Life is Strange: Before the Storm und bringt die Spieler auf den neuesten Stand zu den Ereignissen von Life is Strange: Double Exposure, wobei es sich auf alles konzentriert, was man wissen muss, um dieses letzte Kapitel voll zu genießen.

Nach der Zusammenfassung können die Spieler Max' Beziehungen zu den vier Schlüsselfiguren Amanda, Chloe, Safi und Vinh definieren und so effektiv ihren bevorzugten Weltzustand vor Beginn festlegen. Ein Import von Spielständen ist nicht erforderlich! Dieses System dient nicht nur als erzählerischer Erfrischer, sondern gibt den Spielern auch volle Kontrolle über den narrativen Kontext ihres Durchlaufs. Das macht das Wiederholen des Spiels nahtlos und ermöglicht es den Spielern, von Anfang an verschiedene Entscheidungen und Ergebnisse zu erkunden.

Als wen verbringst du mehr Zeit mit dem Spielen in Life is Strange: Reunion ? Außerdem: Werden Sammelobjekte zwischen den beiden geteilt oder sammeln sie jeweils einzigartige Gegenstände?

Zu Beginn des Spiels verbringst du mehrere Szenen damit, Max zu spielen, die Krise in Caledon zu etablieren und bekannte Gesichter zu treffen. Doch es dauert nicht lange, bis du als Chloe aufgreifst, wie im Hands-On-Gameplay zu sehen, und dich auf Max zubewegt, wobei spielbare Szenen zwischen ihren verschiedenen Blickwinkeln wechseln. Diese dynamische, abwechselnde Charakterstruktur – die gemeinsame Sequenzen beinhaltet, in denen man als beide Charaktere Entscheidungen trifft – setzt sich bis zum Finale fort.

Das ist sehr klar eine Max-und-Chloe-Geschichte. Chloe ist durchgehend eine aktive und gleichberechtigte Teilnehmerin, und die Entscheidungen, die die Spieler als beide Charaktere treffen, beeinflussen direkt, wie sich die Geschichte entfaltet und welches Ende sie erreichen.

Jeder Charakter hat außerdem seine eigenen einzigartigen Sammelobjekte:

Max sammelt Fotos.

Chloe erstellt Skizzen, die von Schlüsselmomenten und Umgebungen inspiriert sind.

Jede Sammlung von Sammelobjekten hat ihre eigene eigene Errungenschaft/Trophäe.

Wie in früheren Life is Strange-Titeln können Spieler abgeschlossene Szenen über Scene Select erneut aufrufen, um verpasste Sammelobjekte zu finden, ohne das Spiel neu starten oder ihren aktuellen Spielstand überschreiben zu müssen. Szenen mit Sammelobjekten sind deutlich markiert, was es Komplettisten erleichtert, 100 % zu erreichen.

Was passiert, wenn du bei einer Backtalk-Begegnung scheiterst? Gibt es die Möglichkeit, sagen wir, als Chloe 'zurückzuspulen' und eventuelle Fehler zu korrigieren?

Ein 'Scheiteln' einer Backtalk-Begegnung ist nie ein Hindernis für den Fortschritt. Stattdessen eröffnet es alternative Dialogwege, Konsequenzen und Charaktermomente. Im wahren Stil von Life is Strange gibt es keinen einfachen "Versagerzustand", sondern nur unterschiedliche Ergebnisse.

Chloe hat nicht Max' Fähigkeit, die Zeit zurückzudrehen, und dieser Kontrast ist beabsichtigt. Mechanisch und erzählerisch verstärkt es ein zentrales Thema der Geschichte: die Gegenüberstellung zwischen jemandem, der die Macht hat, ihre Entscheidungen endlos zu überdenken, und oft daran zweifelt, dass sie die richtige getroffen hat, und jemandem, der das Selbstvertrauen hat, das daraus entsteht, sich immer ihrem gewählten Weg zu verpflichten... Jetzt stellte sie fest, dass ihre persönliche Geschichte nicht das war, was sie gedacht hatte.

Auf Meta-Ebene können Spieler Szenen nach Abschluss natürlich erneut spielen, wenn sie verschiedene Ergebnisse erkunden möchten. Aber innerhalb der Geschichte haben Chloes Entscheidungen, genau wie Max', Gewicht. Ihre Entscheidungen beeinflussen sich gegenseitig auf bedeutungsvolle Weise, was die Spannung und emotionale Einsätze während des gesamten Spiels erhöht.

Wie viele Enden gibt es in Life is Strange: Reunion ?

Als abschließendes Kapitel der Saga von Max und Chloe weist Life is Strange: Reunion mehrere Enden auf.

Ohne zu spoilern: Es gibt keine einzige, binäre endgültige Wahl. Der gesamte letzte Akt wird von einer Reihe von Entscheidungen und Auszahlungen geprägt, die die Entscheidungen widerspiegeln, die die Spieler im Spiel getroffen haben. Die Ergebnisse betreffen Max, Chloe, die Menschen von Caledon und Caledon selbst:

Der lebt. Der stirbt. Was zurückbleibt.

Jede Entscheidung hat Konsequenzen, und manchmal sind die intimsten Entscheidungen die mächtigsten.

Life is Strange-Spiele haben immer einprägsame Soundtracks. Hast du schon mit bekannten Gesichtern für den Life is Strange: Reunion Soundtrack gearbeitet?

Musik bleibt zentral für die Identität von Life is Strange. Wir freuen uns, bestätigen zu können, dass wir erneut mit Feel For Music zusammenarbeiten, die sich darauf spezialisiert haben, Künstler zu finden, die perfekt zu einzelnen Spielen passen und die die musikalische Identität der Reihe von Anfang an mitgeprägt haben.

Der Soundtrack wird kommerziell lizenzierte Titel, komplett neue Originalsongs und eine vollständige instrumentale Filmmusik enthalten. Spieler haben bereits Tessa Rose Jacksons Originaltrack "Past Life" im Ankündigungstrailer und in der Vorschau gehört.

Wir freuen uns darauf, bald die vollständige Tracklist und weitere Mitwirkende bekannt zu machen.

Im Vergleich zu Life is Strange: Double Exposure: Wie groß ist Reunion und wie lange erwartest du, dass ein Durchlauf dauern wird?

Life is Strange: Reunion ist vergleichbar mit Life is Strange: Double Exposure oder Life is Strange: True Colors.

Obwohl die Spielzeit je nach Spielerentscheidungen und Erkundung variiert, erwarten wir, dass viele Spieler die Geschichte mehrfach erleben möchten.

Je nachdem, ob du das Spiel mit Chloe als tot oder lebendig beginnst, erlebst du von Anfang an unterschiedliche Chloe-Inhalte und erzählerische Variationen, sodass es sinnvolle Anreize gibt, das komplette Spiel erneut zu spielen, nicht nur das Ende.

Wird es Grafik-/Leistungsmodi auf der Konsole geben?

Ja. Auf der Konsole können Spieler zwischen Grafik- und Performance-Modi wählen, sodass sie entweder visuelle Qualität oder Bildrate je nach Vorlieben priorisieren können.
Detailliertere plattformspezifische Informationen werden kurz vor dem Start geteilt.

Danke, dass du dir die Zeit genommen hast, Deck Neun! Life is Strange: Reunion wird am 26. März auf PC, PS5 und Xbox Series X/S erscheinen.

Die 10 beeindruckendsten PlayStation-Cover

martin@gamereactor.de (Martin Carlsson) — Sat, 07 Mar 2026 11:00:00 +0100

Als ich mich entschied, zehn Cover für PlayStation auszuwählen, verspürte ich eine gewisse Freude, denn es ist eine Spielkonsole, die mir besonders am Herzen liegt und meiner Meinung nach auch heute noch eine der führenden Retro-Maschinen ist; Ein stilvolles Gerät mit einem legendären Spielkatalog. Die Regeln wurden mit bahnbrechender neuer Technologie und Polygonen, 3D-Charakteren, überlegenem Sound per CD, beeindruckenden vorgerenderten Zwischensequenzen und nicht zuletzt unzähligen Titeln, die wir als zeitlos ansehen, neu geschrieben.

Aber die meisten PlayStation-Spielcover waren im Nachhinein nicht besonders schön. Die meisten von ihnen haben der Zeit nicht wirklich standgehalten oder sind würdevoll gealtert, obwohl viele sowohl hässlich als auch nostalgisch sind. Die Cover waren meist mit typischen Plastik-Ingame-Darstellungen von Hauptcharakteren, auffälligen Fahrzeugen, Explosionen und verrückten Logos verziert; jede einzelne prunkvoller und "aufdringlicher" als die vorherige. Vieles davon zeigte, wie Sony sich gegen Sega und Nintendo profilieren wollte, wobei PlayStation der "reifere" Teenager mit einer überheblichen Haltung im Raum war. Ich musste meine Seele durchsuchen, und was von Anfang an offensichtlich schien, wurde zu einer echten Herausforderung, und trotzdem gelang es mir, einige Cover zu finden, die meiner Meinung nach auf verschiedene Arten herausstachen.

10. Endgültiges Verderben

Dieses Cover fiel im Regal meines örtlichen Mietgeschäfts auf, wo ich es nicht mieten konnte, weil ich noch nicht alt genug war (je nachdem, wer an dem Tag hinter dem Tresen stand, muss ich hinzufügen). Ich hatte auch einige ältere Freunde, die diese Einschränkungen für mich überwunden haben. Dennoch fühlte ich mich von dem schwarzen, militärisch anmutenden Cover mit einem Logo angezogen, das sowohl endgültig als auch gewalttätig klang und von allem mehr versprach. "Schönheit liegt in der Einfachheit", wie oft gesagt wird, und das führte zu einem Ort, an dem Dämonen mit Kettensägen niedergeschlagen oder mit Fäusten zu Hackfleisch reduziert werden, wenn die Munition ausgeht.

9. Silent Hill

Ich habe immer geschätzt, wie verdorben das ist. Es ist schmutzig und roh, mit einer rostigen und verfallenen Farbpalette und einem Logo, das sowohl unangenehm als auch verwirrend kaputt ist. Irgendetwas stimmt nicht ganz... Tatsächlich war das der Fall, denn psychologischer und physischer Horror herrschten vor, wobei der dichte Nebel damals hauptsächlich genutzt wurde, um Fehler und Hardwarebeschränkungen zu verbergen, wenn die Umgebungen gestaltet wurden – was ebenso clever wie effektiv war, aber inzwischen zu einem Markenzeichen der Spielereihe geworden ist, die bis heute sehr relevant ist.

8. Tekken 3

Ich hatte die gesamte Trilogie der Namco-Kampfspiele und spielte die ersten beiden Tage und Nachts, sowohl allein als auch gegen meine Freunde nach der Schule oder an Wochenenden und Sommerferien, wenn wir Übernachtungen hatten. Die Cover der ersten beiden waren furchtbar hässlich, aber beim dritten Mal Glück, denn sie haben etwas geschaffen, das ich sowohl ikonisch als auch cool halte. Es ist vielleicht nur eine Darstellung des neu eingeführten Kämpfers Jin Kazama, der dich anstarrt und damit beschäftigt ist, den Handschuh anzuziehen, mit dem er dich verprügeln wird, aber er tut dies, indem er Kraft und Selbstvertrauen ausstrahlt, wobei das Gesamtbild und das Farbschema für mich immer funktioniert haben, abgesehen vom Stammes-Tattoo.

7. Wipeout 2097

Wipeout stürmte mit seinem futuristischen Rennen auf die Bühne, wobei die Cover mit einem futuristischen Konzept und geraden Linien Aufmerksamkeit auf sich zogen, polarisierend in einem leicht sterilen, reduzierten und sehr sauberen Ansatz ohne Schnickschnack. Es fiel gerade deshalb auf, weil es durch seine Schlichtheit auffiel, aber Sonys Profil sehr prägte, als die Disc geladen wurde und die Luftkissenfahrzeuge mit 1.000 km/h vorrasten. 2097, mit seinem Drahtgitter-Tunnel auf dem Cover, könnte auch eines dieser auffälligen Equalizer-Add-ons für Winamp sein, für diejenigen, die sich erinnern.

6. Vagabundengeschichte

Squaresoft, wie sie damals genannt wurden, hätte die Hälfte der Plätze auf dieser Liste mit ihren Covern füllen können, selbst die einfacheren wie Final Fantasy VII. Die japanischen Illustratoren, in diesem Fall Akihiko Yoshida (noch heute bei Square Enix aktiv), standen hinter diesem kleinen Kunstwerk. Es gab eine völlig andere Denkweise als in japanischen Studios; mit mehr Betonung auf Stolz, Finesse und Handwerkskunst, was viele japanische Rollenspiele sowohl durch die schönen Gemälde auf den Kisten als auch als Spiele aus der Masse hervorhob. Vagrant Story war definitiv eines davon, in beiden Punkten.

5. Gran Turismo

Allein der Name dieses Spiels verdient eine Auszeichnung. Er ist kompromisslos und strahlt Klasse in einem feineren, teureren und luxuriöseren Segment aus. Polyphony Digitals Entscheidung, sein passendes Logo als Reifenprofil zu drucken, war genial. "Der echte Fahrsimulator". Es bestand keinerlei Zweifel daran, worum es bei dem Spiel ging, als es auftauchte, allerdings mochte ich diesen Titel damals nicht besonders. Ich habe es wegen des Hypes gekauft, als ich im selben Jahr mit meiner Familie im Urlaub war, und ich war einfach zu jung für einen Führerschein und bevorzugte leichtere Arcade-Rennspiele wie Ridge Racer.

4. Dino-Krise

Capcom hat es genau hier geschafft, nämlich indem sie auf der Welle von Steven Spielbergs gefeiertem Jurassic Park reiten, das einige Jahre zuvor die ganze Welt in seinen Bann gezogen hatte. Nachdem Shinji Mikami sich mit Resident Evil als Meister der Horrorspiele etabliert hatte und sich in einem Nebenprojekt auf Dinosaurier konzentrierte, wählten sie auch ein Coverdesign, das eindeutig mit etwas Unangenehmem und Vertrautem spielte, das viele erkannten. Die Velociraptor-Pfote neben einer Blutlache war ebenso furchteinflößend wie effektiv, und ja... Es hinterließ Eindruck.

3. Metal Gear Solid

Ich liebe Yoji Shinkawa als Illustrator und Designer. Ohne ihn hätten wahrscheinlich alle Spiele von Hideo Kojima radikal anders ausgesehen. Für Solid Snakes... Kein Debüt, aber definitiv ein großer globaler Durchbruch – das Cover ist so aufregend, heimtückisch, präzise und stilvoll ausgeführt wie eh und je. Die Silhouette mit Elementen, die einer schwarz-weißen Wärmebildkamera ähneln, ist ein Cover, das in die Geschichte eingegangen ist. Es war eines der besten Spiele für die PlayStation, und ich träume immer noch von einem aufwendigen Remake, das ihm gerecht wird, im Gegensatz zu der Abscheulichkeit, die The Twin Snakes für den Gamecube war.

2. Resident Evil

Was haben wir hier eigentlich zu tun? Ist es ein Rorschach-Tintenkleckstest und was zum Teufel hält Chris Redfield (von der ich annehme, dass es sein soll) in den Händen? Es ist chaotisch und verwirrend, aber für mich ist es eines dieser Cover, die die PlayStation-Ära definiert haben. Ich sehe Spinnenbeine und Schatten, von denen ich vermute, dass sie zu diesen blutigen Froschmonstern gehören, die dich aus einem Winkel enthauptet haben, den du nicht kommen gesehen hast. Der Horror im weit geöffneten Auge, das direkt in den Schrecken blickt, ist in die Geschichte eingegangen, und ich liebe die Komposition. Resident Evil wird dieses Jahr 30, und was gibt es sonst noch zu sagen außer Glückwunsch und auf die nächsten 30!

1. Castlevania: Symphonie der Nacht

Hier haben wir es, das Cover, das meiner subjektiven Meinung nach den Kuchen schlägt. Alucard, auch bekannt als Draculas Sohn, ziert Konamis bis heute unvergleichliches Castlevania-Spiel, das ein wahrer Augenschnabel ist. Der Detailreichtum lässt nichts zu wünschen übrig, mit dem Schloss im Hintergrund und den abgebrannten Kerzenhaltern im Vordergrund, wo der gotische Glanz der Spieleserie und das stilprägende Reboot der Marke das Genre revolutionierten. Der Begriff "Metroidvania" wurde geprägt, nachdem man sich unverhohlen von Nintendos Metroid-Reihe in Bezug auf Spiellayout und Designmechanik übernommen hat. Besitzt du zufällig dieses Spiel? Wenn ja, sitzt du auf einem echten Goldnugget, das du ins Regal stellen und vielleicht auch einrahmen solltest, aber schau es dir auf jeden Fall jeden Tag an. Heute ist es Geld wert, eine Menge Geld, also behalte es.

An welche Cover erinnern Sie sich am liebsten von Sonys PlayStation, der Dampfwalze, die die Welt überraschte?

Die neue Xbox-Konsole definiert das Konzept einer Spielkonsole neu

jonas@gamereactor.de (Jonas Mäki) — Fri, 06 Mar 2026 15:00:00 +0100

Die meisten Menschen hatten schon lange verstanden, dass dies in Arbeit war. Die Zeiten, in denen Konsolen geheim gehalten werden konnten, sind längst vorbei, und heute sind Zehntausende Menschen an diesen Projekten beteiligt, sodass es unmöglich ist, sie geheim zu halten. Aber... man kann auch nicht sagen, dass Microsoft das mit der neuen Xbox-Konsole versucht hat. Im Gegenteil, sie haben wiederholt gesagt, dass sie an einem neuen Projekt arbeiten, und sie haben sich nicht gescheumt, den Hype um seine Leistung zu bewirken.

Wie wird die neue Xbox-Konsole aussehen (Bild mit KI erstellt)? Wir werden es noch eine Weile nicht wissen, aber man könnte vermuten, dass Microsoft ein Design wählen wird, das sich von der Xbox Series X unterscheidet, um sich zu distanzieren.

Vielleicht am bemerkenswertesten ist die Aussage der ehemaligen Xbox-Chefin Sarah Bond, dass wir uns auf "den größten technischen Sprung, den Sie je gesehen haben" freuen können, aber vor nur wenigen Monaten sagte sie auch, dass "die Next-Gen-Konsole ein sehr hochwertiges, sehr hochwertiges, kuratiertes Erlebnis sein wird". Wir sind natürlich kühne Aussagen gewohnt, aber diese sind so deutlich, dass Microsoft hart bestraft wird, wenn es nicht zumindest annähernd so weit kommt. Ein Siegesmarsch wird dann durch spöttische Memes ersetzt, und das wissen sie natürlich.

Aber Tatsache ist, dass sie von Tech-Insidern unterstützt wird. Der renommierte und hoch kompetente AMD-Experte KeplerL2 hat unter anderem gesagt, dass alle Spiele zu 100 % auf der nächsten Xbox besser aussehen werden als auf der PlayStation 6:

"Ich sehe nicht, wie die PS6 mit Magnus mithalten kann, sie hat weniger CPU-Kerne, niedrigere CPU-Frequenz, weniger CUs, weniger ROPs, niedrigere GPU-Frequenz, weniger Cache und Speicherbandbreite. Es ist kein großer Unterschied, aber Magnus sollte in 100 % der Spiele eine bessere Leistung haben, im Gegensatz zu dieser Generation, wo es eher ein 50/50 ist."

Asha Sharma hatte die Ehre, die neue Xbox-Konsole zu präsentieren, aber sie hat das offensichtlich nicht während ihrer zehn Tage als Chefin zusammengestellt; was wir heute sehen, ist vollständig Phil Spencers Werk.

Deshalb ist es spannend, dass Microsoft jetzt wirklich angefangen hat, es zu hypen. Am Donnerstagabend kündigte die neue Xbox-Chefin Asha Sharma über soziale Medien an, dass der Arbeitsname für die neue Konsole Project Helix ist, und wir haben auch ein Logo bekommen. Ob Helix tatsächlich der endgültige Name sein wird, ist unklar; Bisher hat Microsoft andere Namen für das Endprodukt gewählt – was schade ist, denn sie haben immer eine schlechtere Option gewählt (ich kann mich nicht entscheiden, ob One oder Series S/X die schlechteste ist). Persönlich finde ich, dass Helix genau richtig ist, kombiniert mit einem DNA-Strang, der PCs, Konsolen und Spiele verbindet.

https://www.threads.com/@xbox/post/DVg-fF9j33S

Sharmas kurzer Beitrag besteht hauptsächlich aus fünf spannenden Details, von denen einer der Name Helix ist, aber lassen Sie uns die anderen vier aufschlüsseln: "Project Helix wird in der Performance führend sein und eure Xbox- und PC-Spiele spielen. Ich freue mich darauf, nächste Woche bei meiner ersten GDC mit Partnern und Studios mehr darüber zu sprechen!"

Zuallererst erklärt sie, dass die neue Konsole "in der Leistung führen" wird, und springt damit auf den Hype-Zug auf, den Sarah Bond sowie Phil Spencer mitgebaut haben. Es wird tatsächlich eine leistungsstarke Konsole sein; Da gibt es kein Zurück mehr.

Die Idee, eine neue Konsole lange vor Sonys eigenen Ersatz zu veröffentlichen, erinnert an die Strategie, die Microsoft erfolgreich mit der Xbox 360 gewählt hat, als Sony noch ein weiteres Jahr mit der PlayStation 2 weitermachte.

Das zweite ist natürlich, dass sie die Gerüchte direkt bestätigt, dass es eine Hybridkonsole sein wird, die auch PC-Spiele spielt. Es steht nicht, dass es Spiele aus dem Epic Games Store und Steam ausführen kann, aber wir können fast davon ausgehen, dass es das kann, und ROG Xbox Ally funktioniert so. Das ist unglaublich aufregend, denn es bedeutet mehrere Dinge. Zum Beispiel wird es wahrscheinlich kostenlos online auf Helix zu spielen sein. Der Mehrspielermodus auf dem PC ist kostenlos. Es wird auch möglich sein, jede Woche kostenlose Spiele aus dem Epic Games Store herunterzuladen oder einige der deutlich günstigeren Spiele über Steam zu kaufen, die auf anderen Konsolen gar nicht verfügbar sind.

Vielleicht das Seltsamste, was viele Konsolenspieler wohl schwer begreifen können, ist, dass es im Grunde bedeutet, dass es keine Rolle mehr spielt, wie viel die nächste Xbox verkauft. Es ist "nur" ein PC, wenn auch in einem etwas kleineren Gehäuse mit grünen Details. Eines von vielen Computermodellen. Wenn es sich schlechter verkauft als der Virtual Boy, wird es diese Plattform nicht wesentlich beeinflussen; wenn es sich besser verkauft als die PlayStation 2, wird es paradoxerweise auch nicht wesentlich Einfluss darauf haben, da es sich immer noch nur um ein PC-Modell handelt und es weltweit schätzungsweise zwei Milliarden PC-Spieler gibt. Dies könnte möglicherweise die Nachfrage nach dem Dienst beeinflussen, der Windows in eine controller-gesteuerte Spielplattform verwandelt, aber selbst das ist nicht sicher, da es wahrscheinlich eine Softwarelösung sein wird, die mehr Menschen nutzen können.

Während der Übernahme von Activision Blizzard sickerten Informationen, dass Microsoft an einem neuen Controller arbeitet, und wir haben im vergangenen Jahr mehrfach Gerüchte darüber gehört. Es wird wahrscheinlich für Helix veröffentlicht.

Das Dritte, was ich aus ihrer Aussage mitnehme, ist, dass wir unsere Xbox-Spiele spielen können. Ich nehme an, das bedeutet Abwärtskompatibilität. Microsoft ist darin unglaublich gut, und die Möglichkeit, meine alten Spiele weiterhin spielen zu können, ist natürlich ein großer Bonus. Vielleicht trägt die zusätzliche Leistung zu noch besserer Abwärtskompatibilität bei (genau wie bei der Xbox Series X), aber das bleibt abzuwarten. Aber... bedeutet das auch, dass in Zukunft eigene Xbox-Spiele veröffentlicht werden? Vielleicht, aber meine spontane Reaktion ist, nein zu sagen.

Schließlich gibt es noch das vierte Highlight, nämlich dass wir mehr auf der Game Developers Concerence sehen werden, die vom 9. bis 13. März stattfindet, also schon nächste Woche. Eine normalerweise schläfrige Veranstaltung wird dieses Jahr also richtig spannend werden, und wenn wir uns Microsofts Programm ansehen, haben sie viel geplant (so viel, dass wir im Nachhinein vielleicht hätten merken müssen, dass etwas im Gange ist), nicht zuletzt Building for the Future with Xbox, Press Start: Get Your PC Game Ready for Xbox in One Day and Build Once, Play Anywhere: PlayFab betreibt Xbox-Cross-Platform-Spieledienste. Erwarten Sie also viele Neuigkeiten zur Zukunft von Xbox, wie das Ökosystem funktionieren wird, neue Funktionen und mehr.

Spiele, die einige Jahre später für PlayStation 5 erschienen sind, wie Sea of Thieves und Forza Horizon 5, haben sich genauso gut verkauft, also kann Microsoft vielleicht auch den Kuchen haben, indem sie Helix zuerst gehen lassen, bevor andere einen Anteil an den Resten bekommen?

Trotz all dem gibt es noch vieles, das wir nicht wissen. Nicht zuletzt, was es in Zeiten von Komponentenmangel kosten wird, wie der neue Controller aussehen wird, ob es möglich sein wird, die Hardware zu aktualisieren, ob andere Firmen Helix herstellen dürfen und wann es veröffentlicht wird.

Außerdem gibt es noch den Elefanten im Raum: Wie sieht es mit exklusiven Spielen aus? Es besteht kein Zweifel, dass die Xbox-Marke unter dem Mangel an Exklusivtiteln gelitten hat, aber es besteht auch kein Zweifel, dass Microsoft mit den PlayStation-Veröffentlichungen Geld verdient hat. Asha Sharma hat Aussagen gemacht, die Fans glauben ließen, dass es einige Änderungen an der Multi-Format-Strategie geben könnte, und Sony scheint ebenfalls daran interessiert zu sein, das Konzept etwas zurückzunehmen. Es erscheint unwahrscheinlich, dass sie PlayStation wieder verlassen würden, aber es wäre nicht völlig unvernünftig, wenn sie mehr mit zeitlichen Exklusivtiteln arbeiten würden. Betrachten wir zum Beispiel die Idee, dass The Elder Scrolls VI ein Launch-Titel für die Konsole sein und ein Jahr lang nicht auf anderen Formaten verfügbar sein würde.

Ein interessanter Nebeneffekt des hybriden Ansatzes ist, dass Xbox Play Anywhere noch attraktiver wird. Die Spiele, die Sie heute für Ihre Xbox kaufen, können dank Helix als PC-Titel mit erheblichen Grafikverbesserungen spielbar sein.

Erwarten Sie nächste Woche weitere Antworten über die Zukunft, auch wenn wir natürlich nicht alles wissen werden. Wie üblich werden wir hier bei Gamereactor alles behandeln, und es dürfte sehr interessant sein zu hören, was über Xbox Helix gesagt wird. Dass Microsoft bereit ist, in diese Richtung zu investieren, verheißt viel, und es wird spannend sein zu sehen, wie Asha Sharma plant, nach einigen wirklich schwierigen Jahren für das grüne Team wieder die Xbox-Verkäufe anzukurbeln.

Wir sprechen mit den Menschen hinter The Eternal Life of Goldman über Länge, Schwierigkeit und Inspiration

magnus@gamereactor.de (Magnus Groth-Andersen) — Mon, 02 Mar 2026 17:00:00 +0100

Vor nicht allzu langer Zeit haben wir unsere Eindrücke der neuesten Demo von The Eternal Life of Goldman veröffentlicht, einem handgezeichneten Plattformspiel, das seit vielen Jahren bei Weappy entwickelt wird und dieses Jahr schnell auf die Veröffentlichung zusteuert.

Für Weappy war der Weg zum Start lang und kurvenreich, aber da das Licht am Ende des Entwicklungstunnels sichtbar ist, haben wir mit Produzent Andreas Schmiedecker gesprochen, um Antworten auf die letzten offenen Fragen zu bekommen, sodass Sie gut vorbereitet sind, wenn das Spiel endlich erscheint. Wir sprechen über KI-Tools, die durchschnittliche Spieldauer und vieles mehr.

Okay, legen wir los!

Könnten Sie zunächst ein wenig mehr über die genaue Größe des Spiels erläutern? Wie lang erwartest du von einem durchschnittlichen Durchlauf, und gibt es Gründe, das Spiel mehrmals zu spielen?

"Es gibt hier eine gewisse Bandbreite, wenn man verschiedene Spielstile berücksichtigt (Notizen anschauen, Geheimnisse finden, alle Dialoge lesen), aber ein Durchlauf wird wahrscheinlich zwischen 12 und 16 Stunden dauern.
Das Spiel ist nicht wirklich für viele Durchläufe konzipiert, sondern ist ein ziemlich dirigiertes Erlebnis mit einer kompletten, in sich abgeschlossenen Geschichte. Allerdings erfordern einige der Geheimnisse, einschließlich optionaler Bereiche, etwas Einfallsreichtum und recht aufwendige Aktionssequenzen, um freizuschalten. Für diejenigen, die das Spiel noch einmal spielen und zu 100 % erkunden wollen, gibt es auf jeden Fall Dinge zu entdecken."

Vielleicht ist der attraktivste Aspekt des Spiels für viele die Grafik. Könnten Sie uns ein wenig über die Inspirationsquellen hinter dem Look erzählen? Wie sind Sie zu diesem speziellen Stil gekommen, und hat es mehrere 'Versuche' gebraucht, um dorthin zu gelangen?

"Es gibt eine Bandbreite an Einflüssen aus verschiedenen Quellen – nicht nur aus einem Stil. Technisch gesehen wird es größtenteils so gemacht, wie Animationsfilme gemacht wurden. Die Kunstwerke werden von Hand und größtenteils digital erstellt. Je nach spezifischem Asset durchlaufen viele der Kunstwerke jedoch die "physische Skizzen"-Phase, bevor sie digital finalisiert werden.

"Ästhetisch ist der beständigste Einfluss wahrscheinlich französisch-belgische Comics, hauptsächlich Hergé und der Kunststil "ligne claire". Deshalb halten wir uns im Grunde an sehr traditionelle und strenge Linienarbeit. Da die Entwicklung bisher etwa neun Jahre gedauert hat, haben viele Elemente tatsächlich verschiedene Iterationen durchlaufen. Was meistens passiert ist, ist, dass die Qualitätsmesslatte durch mehr Details, Animationen und Ähnliches höher gelegt wurde, sodass andere Teile des Spiels ebenfalls verbessert werden mussten!"

Schwierigkeit und Balancing sind heute wichtige Themen unter Spielern. Wie meistert Weappy diese Herausforderung? Gibt es mehrere Schwierigkeitsgrade oder arbeitest du mit einem ausgewogenen Modus?

"Wir streben derzeit einen ausgewogenen Modus an, nehmen aber auch aktiv das Feedback der Spieler zur Schwierigkeit der Demo auf und werden eine Entscheidung für das vollständige Spiel treffen."

Wenn wir jetzt ein wenig auf die breite Branche schauen, wie steht ihr als Studio zu KI-Tools in der Spieleentwicklung? Schafft ihr Abstand zwischen verschiedenen Nutzungsarten, und gibt es Leitprinzipien für euch als Gruppe?

"Die Nutzung von KI-Tools für die Kunstproduktion in diesem Spiel würde der ganzen Idee, es überhaupt so zu machen, ziemlich entgegensprechen. Deshalb war das für uns eigentlich keine Option. Egal, wie sich die Technologie derzeit entwickelt, es gibt einen Ort und ein Publikum für handgemachte Kunst."

Können Sie uns zurück zur frühesten Entwicklungsphase führen? Wie lange hat es gedauert, bis ich hierher gekommen bin, und was für eine Reise war das für das Studio?

"Frühe Prototypen begannen bereits etwa 2016, aber das Spiel ging 2019 in Serienproduktion. Es hat also lange gedauert. Als das Team entschied, dass der einzige Weg, ein solches Spiel zu machen, darin besteht, sich voll zu verpflichten, ohne Abkürzungen zu machen oder zu viele Kompromisse einzugehen, wurde klar, worauf wir uns eingelassen haben."

Welche Art von Erfahrung hoffst du dir, dass The Eternal Life of Goldman für die Spieler sein wird? Was hoffen Sie, dass sie sich fühlen lassen?

"Das ist eine großartige Frage, aber auch eine schwierige. Wir können uns vorstellen, dass das Gameplay stellenweise etwas herausfordernd, aber auch sehr befriedigend ist. Wir machen den Sidescroller unserer Träume, und unser Ansatz war es, die Elemente zu nutzen, die sich für dieses spezielle Spiel passend anfühlen, aus einer Vielzahl von Richtungen und Subgenres. Wir hoffen also, dass Spieler, die diese Genres und Elemente aus klassischen Side-Scrollern und Metroidvanias schätzen, positiv auf diese Elemente reagieren. Da das Side-Scroller-Gameplay etwas sehr Reines hat, hoffen wir, dass die Leute das genießen. Gleichzeitig kann die Geschichte in dunkle Richtungen gehen, und wir verstehen, dass auch das komplexe Emotionen hervorruft. Unterm Strich freuen wir uns sehr darauf, dass die Spieler diese Welt erleben."

Was waren die größten Herausforderungen bei der Entwicklung des Spiels, und was sind Ihrer Meinung nach die wichtigsten Probleme, mit denen Studios wie Ihres heute konfrontiert sind?

"Als unabhängiges Studio ist jedes Projekt dieser Größe ein großes Risiko. Trends ändern sich heutzutage schnell, daher ist es eine große Wette, sich so lange auf ein Projekt wie dieses zu konzentrieren, dass es am Ende klappt."

The Eternal Life of Goldman wird hoffentlich bald auf PC, PS5, Xbox Series und Nintendo Switch/Switch 2 erscheinen.

Wir interviewen wahrscheinlich Schwedens lustigstes Indie-Studio

jonas@gamereactor.de (Jonas Mäki) — Mon, 02 Mar 2026 11:00:00 +0100

Das gefeierte Cuphead und das kommende Mouse: P.I. For Hire sind nicht die einzigen Gummischlauch-Animationsspiele, die wir in der Spielewelt genießen können. Die schwedische Entwicklerin She Was Such A Good Horse (mit Sitz in Malmö) arbeitet derzeit an dem unglaublich attraktiven Into the Unwell, einem Third-Person-Roguelite, in dem bis zu drei Personen die Rollen dessen übernehmen, was die Entwickler als "problematische und stark medikamentierte Außenseiter" bezeichnen.

Das klingt natürlich spannend, also beschlossen wir, mit ihnen noch etwas mehr über dieses vielversprechende Projekt zu sprechen und hatten die Gelegenheit, Mårten Stockhaus, Creative Director von Into the Unwell, Fragen zu stellen.

Mårten Stockhaus ist der Creative Director von Into the Unwell und die Person, die unsere Fragen beantwortet hat.

Into the Unwell fühlt sich gleichzeitig humorvoll und unangenehm an. Wie balanciert man den Ton zwischen dem Absurden und dem Dunklen, ohne dass das eine das andere übernimmt?

Stockhaus: Der humorvolle Ton erlaubt es uns, uns in dunkle Bereiche zu wagen, ohne dass es zu schwer ist, es aufzunehmen, ein bisschen wie wenn man Medizin im Eis versteckt oder Fanta in Spirituosen gießt.

Worauf werden Spieler deiner Meinung nach zuerst reagieren, wenn sie mit dem Spielen beginnen?

Stockhaus: Ich hoffe, sie reagieren darauf, dass wir eine gute Kampfschleife und ein spaßiges Spiel haben, aber wahrscheinlich reagieren sie auf einen pinken Charakter, der den Spieler vom Rand der Karte anstarrt oder Selbstgebrannten trinkt, der dich stärker macht.

Into the Unwell wird 2026 veröffentlicht.

Wie früh im Projekt wussten Sie, was für ein Spiel es mechanisch sein würde, und wie viel haben Sie unterwegs entdeckt?

Stockhaus: Wir wussten von Anfang an, dass wir ein Roguelite machen wollten und dass es in der Third-Person-Perspektive und im Koop-Spiel sein würde. All das bleibt bestehen, aber vorher hatten wir viel strategischere Kämpfe mit Ausdauer, wie in einem Soulslike-Spiel. Im Laufe der Zeit haben wir es schneller gemacht. Das Spielgefühl war uns schon immer wichtig, und wir möchten, dass die Grafik und Mechanik des Spiels gut zusammenpassen.

Der visuelle Stil des Spiels sticht sofort hervor. Welche kreativen Grenzen hast du früh gesetzt, um nicht in die "übliche Indie-Ästhetik" zu verfallen, und was hast du aktiv weggelassen?

Stockhaus: Wir wollten das Spiel immer in 3D machen, was viele Indie-Studios nicht machen, daher denke ich, dass wir in dieser Hinsicht etwas anders waren. Aber dann wollte Felix, unser Art Director, schon früh etwas mit Gummischlauch machen, und der Rest von uns fanden das wirklich spannend! Es eröffnet viele kreative Ideen, die andere Grafikstile nicht zulassen.

Du musst nicht alleine spielen; Du kannst Koop mit bis zu drei Personen spielen.

Wie habt ihr den Koop so gestaltet, dass sich alle Spieler wichtig fühlen, auch wenn sie unterschiedliche Fähigkeiten haben?

Stockhaus: Es gibt eigentlich keine Systeme, die prüfen, wie gut jemand ist, aber es gibt andere Systeme, zum Beispiel dass Gegner auf den aktivsten Spieler reagieren, was bedeutet, dass ein Spieler mehr Aufmerksamkeit des Gegners auf sich zieht. Das Spiel wird außerdem unterschiedliche Schwierigkeitsgrade in Form von "Rückfällen" haben, was bedeutet, dass das Spiel nach und nach mehr Schwierigkeitsgrad und andere Elemente einführt. Das Spiel ist schwierig. Das Leben ist schwieriger. Beides wird mit einem Freund leichter!

Was war der größte Designfehler während der Entwicklung, den Sie verwerfen mussten, und was haben Sie daraus gelernt?

Stockhaus: Es gibt ein paar. Wir wollten wirklich, dass die Figuren sich übergeben, wenn sie zu viel "Moonshine" trinken... Es ist immer noch eine großartige Idee, die sich nie ganz richtig angefühlt hat. Das bedeutete, dass die Spieler ihre Stapel zu sehr im Blick behalten mussten, und das Spiel verlor viel von seinem Schwung. Selbst heute, ein Jahr nachdem wir es aus dem Spiel entfernt haben, denken wir darüber nach, wie wir es wieder ins Spiel bringen können. Vielleicht lösen wir es morgen!

Bisher wurde nur eine PC-Version angekündigt, aber wir drücken die Daumen, dass sie auch für die Konsole erscheint.

Welcher Teil des Spiels persönlich repräsentiert deiner Meinung nach am besten das, was Into the Unwell vermitteln will?

Stockhaus: Jeder Charakter hat einzigartige Talente, die im Laufe des Spiels freigeschaltet werden können, und sie stehen für diesen Charakter; Wir nehmen ihre Schwächen und verwandeln sie in Stärken. Unser Hahn-Charakter zum Beispiel hat eine ungesunde Beziehung zum Glücksspiel, und seine Talente verleihen dir zufällige Kräfte oder erlauben ihm, einen Spielautomaten zu beschwören, der sein bester Freund ist.

Wenn Into the Unwell erfolgreich ist, fühlt es sich dann wie der Anfang einer Spielereihe und eines Universums an, oder ist es ein Werk, das völlig für sich allein steht?

Stockhaus: Ich glaube nicht, dass einer von uns diese Welt überdrüssig geworden ist, und wir kommen ständig auf neue, lustige Ideen, die wir einbauen möchten. Wenn also Interesse besteht, mehr von Into the Unwell zu sehen, haben wir noch viel mehr zu berichten!

Screen Time - März 2026

ben@gamereactor.de (Ben Lyons) — Mon, 02 Mar 2026 09:00:00 +0100

Der März ist endlich da und der Frühling ist fast begonnen. Während wir uns stetig von den trüben Wintermonaten verabschieden, sucht ihr vielleicht nach etwas Neuem, das ihr anschauen könnt, um die dunklen Nächte zu füllen, solange sie bleiben. Falls ja, haben wir gute Nachrichten, denn der März bietet großartige Möglichkeiten in Kinos und auf Streaming-Plattformen.

Wie immer basieren unsere Picks auf einem britischen Veröffentlichungskalender, also schaut ihr vor Ort nach genauen Listen und Informationen.

Peaky Blinders: The Immortal Man [Netflix] - 6. März

Zu Beginn des Monats ist das erste von vielen Netflix-Projekten, die wir ausgewählt haben, hervorzuheben. Obwohl dieser Film tatsächlich erst am 20. März auf den Streamingdienst kommt, wird er zunächst eine zweiwöchige Kinolaufzeit erleben, in der wir sehen, wie Cillian Murphy in die Rolle des Tommy Shelby zurückkehrt und anschließend die Kontrolle über seine ehemalige Birminghamer Bande und sein Imperium von einer Gruppe ungezogener und gewalttätiger Jugendlicher übernimmt.

The Bride! - Es lebe die Braut - 6. März

Ihr habt die Geschichte von Frankenstein gesehen, aber jetzt ist es Zeit, die Geliebte des Monsters kennenzulernen. The Bride ist der neueste Film von Regisseurin Maggie Gyllenhaal. Er handelt von dem berühmten Monster, das einen Arzt bittet, ihm eine Partnerin zu erschaffen. Diese Entscheidung führt zu mehr Fragen und Problemen, als sie erwartet hatten, da die gesellschaftlichen Verhältnisse der 1930er Jahre in Frage gestellt werden und das Paar sich auf der Flucht wie Bonnie und Clyde wiederfindet.

War Machine [Netflix] - 6. März

Wieder ein Netflix-Projekt, das deine Aufmerksamkeit erregen könnte. War Machine ist ein Science-Fiction-Actionfilm, der Alan Ritchsons harten Militäranwärter begleitet, wie er die Aufgabe hat, eine anhaltende und tödliche futuristische Roboterbedrohung zu überleben, während er isoliert in einem fernen Wald ist. Mit einem Terminator-ähnlichen Aufbau zeigt dieser Film, wie eine Gruppe furchtloser Spezialeinheits-Rekruten eine Herausforderung meistert, bei der jeder Fehler völlige Vernichtung bedeuten könnte.

Hoppers - 6. März

Pixar ist zurück mit einem weiteren Animationsfilm, den ihr nicht verpassen solltet. Hoppers ist eine urkomische und erfreuliche Prämisse, die erforscht, wie eine alleinstehende 19-jährige Tierliebhaberin es auf sich nimmt, die größten Geheimnisse der Tierwelt zu entdecken - und das alles, indem sie ihr Bewusstsein in den Geist eines robotischen Bibers versetzt. Ja, erwartet alberne und familienfreundliche Streiche in diesem unverzichtbaren Kinofilm.

One Piece: Staffel 2 [Netflix] - 10. März

Wir mussten drei Jahre warten, bis Netflix' Live-Action-Serie One Piece auf den Streamingdienst zurückkehrt, aber zum Glück ist dieses Warten fast vorbei. Monkey D. Luffy und die Strohhut-Piraten werden bald ihre epische Reise zur Grand Line fortsetzen, mit einer zweiten Episodenrunde, die noch mehr ikonische Gesichter und Charaktere sowie Schurken und Bedrohungen einführt, mit denen man nicht spielen sollte.

How to Make a Killing - 13. März

Glen Powell ist heutzutage einer der größten Namen im Kino und A24 ist ein Studio, mit dem jeder zusammenarbeiten möchte - also passen die beiden doch perfekt zusammen? In diesem Film spielt Powell die Hauptrolle in How To Make a Killing als das verstoßene Kind einer sehr reichen Familie, das beschlossen hat, seinen Anteil am Kuchen zu nehmen, indem er einfach alle Verwandten eliminiert, die vor ihm stehen, in der Reihenfolge des Familienrechts und Eigentumswillens.

Undertone - 13. März

Es ist eine ausgezeichnete Zeit, um ein Horror-Kinofan zu sein. A24 ist mit seinem zweiten Film des Monats zurück, der Undertone genannt wird und ein auffälliges und vielversprechendes Projekt ist, das zeigt, wie eine Podcast-Moderatorin nach dem Anhören erschreckender Aufnahmen im Rahmen ihrer übernatürlichen Krimiserien heimgesucht wird. Natürlich ist dieser Film nichts für schwache Nerven, also schaut ihn euch nur an, wenn ihr euch traut.

Invincible: Staffel 4 [Prime Video] - 18. März

Das Versprechen jährlicher Invincible-Staffeln wurde von Prime Video in den letzten Jahren gehalten, und 2026 wird daran nichts ändern. Die mit Spannung erwartete vierte Staffel der animierten Adaption steht kurz bevor, in der wir einige wichtige Handlungsstränge erwarten können, darunter wie Omni-Man zur Erde zurückkehrt, was mit Conquest passiert ist und sogar, wie der große Viltrumite-Koalition der Planeten-Krieg endet... zumindest für eine Weile.

Der Astronaut (Project Hail Mary) - 20. März

Von vielen bereits als Pflichtfilm in diesem Jahr gelobt, droht die große und ambitionierte Adaption von Der Astronaut der Sci-Fi-Film des Jahres zu werden. Mit Ryan Gosling an der Spitze untersucht dieser Film, wie ein Naturwissenschaftslehrer tief ins All geschickt wird, um eine Lösung für eine Substanz zu finden, die die Sonne unseres Sonnensystems zerstört - allerdings mit der zusätzlichen Komplikation, unterwegs sein Gedächtnis zu verlieren und mit einem unerwarteten Verbündeten befreundet zu sein.

Daredevil: Born Again: Staffel 2 [Disney+] - 25. März

Nach der Premiere der ersten Staffel im letzten Jahr ist es Zeit, dass Charlie Cox sich wieder als der Mann ohne Angst anzieht, denn Daredevil: Born Again wird im März fortgesetzt. Die Staffel setzt einige Monate nach der ersten Staffel an und führt uns in ein New York City unter der Kontrolle des Kingpin, in dem Vigilanten als öffentlicher Feind Nummer eins behandelt werden; in den nächsten Episoden kehren zahlreiche bekannte Gesichter zurück, darunter Krysten Ritter als Jessica Jones.

They Will Kill You - 27. März

Wir lieben einen Ein-Personen-Armee-Film, und wenn du das auch tust, solltest du They Will Kill You nicht verpassen. Dieser gewalttätige Film folgt Zazie Beetz' Protagonistin, die nach ihrer Anstellung als Haushälterin in einem Hochhaus in New York City von Bewohnern und Angestellten gejagt und angegriffen wird, in einem sehr düsteren und verdrehten Katz-und-Maus-Spiel. Kann sie entkommen und es bis zum Morgen schaffen? Wir müssen einschalten, um es herauszufinden.

Das war's auch schon wieder, eine weitere Ausgabe von Screen Time ist vorbei. Kommt in ein paar Wochen wieder, wenn wir uns die großen Neuerscheinungen für Kinogänger und Nutzer von Streaming-Diensten im April 2026 ansehen.

Die 10 atemberaubendsten Super-Nintendo-Cover

conny@gamereactor.de (Conny Andersson) — Sun, 01 Mar 2026 11:00:00 +0100

Das Super Nintendo Entertainment System, besser bekannt als SNES, hat sich so sehr verändert. Spiele entwickelten sich von relativ einfachen mit wenigen Pixeln auf einem Bildschirm zu etwas wirklich Spektakulärem. Die meisten großen Spieleserien von Nintendo bekamen fantastische Fortsetzungen, und obwohl ich neue Spiele nach anderen Kriterien als coolem Box-Artwork ausgewählt habe, fühlte sich eine Pappschachtel und ein Handbuch wie ein fantastischer Teil der Kindheit an.

Wir haben zuvor unsere Favoriten für PC aufgelistet und ebenso unsere Favoriten für Xbox. Jetzt ist es an der Reihe, unsere zehn Favoriten für das fantastische Super Nintendo aufzulisten. Es sollte außerdem erwähnt werden, dass SNES-Spiele in Pappkartons geliefert wurden, die mit der Zeit abgenutzt wurden, weshalb einige Spiele schwer in gutem Zustand oder sogar mit ausreichend hochauflösenden Bildern zu finden sein konnten. Deshalb muss ich manchmal mit amerikanischen Versionen "schummeln" oder ein Foto von einer (leicht abgenutzten) Kiste machen, die jemand gescannt hat. Du musst dich mit dem begnügen, was ich gefunden habe.

10. Die Legende von Zelda: Eine Verbindung zur Vergangenheit

Auf den ersten Blick mag das wie eine ziemlich langweilige Wahl erscheinen. Es mag auch wie eine Entscheidung wirken, die ich nur deshalb getroffen habe, weil ich Zelda liebe, da ich denke, dass dieser Teil eines der besten Spiele der Welt ist. Klar, das spielt eine Rolle. Trotzdem kann ich nicht anders, als dieses goldfarbene Gehäuse zu lieben, das nur mit dem Titel des Spiels und einem wirklich coolen Schild und Schwert verziert ist. Es ist wirklich ein Fall von "Lass den Titel für sich sprechen" in höchstem Maße, im Vertrauen darauf, dass er einen in den Bann zieht, alles geheimnisvoll hält und Erwartungen an etwas Episches schafft. Wenn ich diese Liste nur auf persönlichen Verbindungen zu etwas basieren hätte, wäre das definitiv weiter oben gelandet, aber das Wichtigste ist wirklich, dass es enthalten ist.

9. F-Zero

Was mir daran am meisten gefällt, ist das Logo des Spiels. Dann schaut man sich die Luftkissenfahrzeuge an, die große Stadt im Hintergrund, und langsam beginnt man, die stilistische Wahl zu erkennen. Es tendiert ein wenig zu etwas rein künstlerischem, ein bisschen wie ein Gemälde, sozusagen. Ohne die enorme Geschwindigkeit oder die eher rauen Pixelgrafiken des Spiels zu verraten, bekommt man dennoch das Gefühl eines futuristischen Rennspiels, das etwas ganz Besonderes verspricht.

8. Lemmings

Als ich anfing, diese Liste zusammenzustellen, wollte ich nicht nur die Spiele wählen, zu denen ich eine persönliche Verbindung habe. Allerdings habe ich Lemmings viel gespielt, aber ich würde es nicht als eines der Titel zählen, auf die ich zurückblicke. Wie bei vielen anderen Covern auf dieser Liste gefällt mir vor allem der Spieltitel, da er sehr verspielt gestaltet ist, ebenso wie all die niedlichen kleinen Lemmings, die herumklettern und herumspielen. Dann ist da noch das Bild selbst, was sehr aufschlussreich ist, denn die Lemmings scheinen in den Tod zu springen, wenn man ihnen nicht hilft. Es ist humorvoll und passend.

7. Mario Kart

Man kann sich jeden Charakter auf diesem Cover anschauen und sich freuen. Sie alle haben so viel Charakter, und wenn man einige der berühmtesten und einzigartigsten Charaktere der Spielewelt auf einem lebendigen Cover sammelt, fällt es schwer, nicht zu lächeln. Ich mag, wie sie Gegenstände wie Münzen, Bananenschalen und die Hülle, die Bowser trifft, hinzugefügt haben, und abgesehen von einem etwas unvorteilhaften Winkel auf Yoshi liebe ich die Gesichtsausdrücke der Charaktere. Hier steckt so viel Energie und Freude, und es ist definitiv ein Cover, das auf die Unterhaltung des Spiels hindeutet.

6. Donkey Kong Land

Das war knifflig. Ich finde die 3D-gerenderten Versionen von Donkey und Diddy nicht besonders attraktiv. Sie sehen aus wie Plastik. Aber gleichzeitig passt das sehr gut zum visuellen Design, das Rare später im Spiel nachgebildet hat. Ich mag auch Details wie die Schlange, die außerhalb der Box schlängelt, und die Tatsache, dass so viele Charaktere und die Umgebung enthalten sind. Ich kann wirklich verstehen, wie jemand dieses Cover in die Hand nehmen und fasziniert und neugierig sein kann, wie das Spiel sein könnte, und dann all den Erwartungen gerecht wird, die das Cover selbst erzeugt.

5. Mario-Farbe

Ich verstehe, dass sie aus Marketingsicht die Hand einbeziehen wollten, um zu zeigen, dass sie mit Maus und Mauspad geliefert wird. Das ist wirklich das Einzige, was mir an diesem Cover nicht gefällt. Aber Mario und seine Leinwand sind perfekt. Die Farben schaffen es, das Spiel zu vermitteln, ebenso wie die Musiknoten. Vor allem aber gelingt dem Cover eines: Die Kreativität des Spiels zu demonstrieren. Für diejenigen von uns, die saßen und malten, Musik machten und die verschiedenen angebotenen Werkzeuge nutzten, war Mario Paint in den 1990er Jahren etwas wirklich Fantastisches. Es war ein völlig anderes Spiel als alles, was wir hatten, etwas ohne Ziel (außer vielleicht, die eigene Arbeit zu beenden), aber etwas, das den Maler oder Musiker in einem hervorbrachte, selbst wenn es mit recht einfachen Werkzeugen geschah. Ich werde auch jedes Mal richtig glücklich, wenn ich dieses Cover anschaue.

4. Super Mario World 2: Yoshi's Island

Wie bei den meisten Covern auf dieser Liste weiß ich nicht wirklich, warum es mir gefällt. Nun, ich mag Yoshi, ich mag Baby Mario und ich mag das große blaue Monster. Ich mag, dass der Hintergrund ungefähr denselben visuellen Stil wie im Abenteuer selbst malt. Auch wenn nicht viel passiert, wirkt es trotzdem schnell und spannend. Es bietet denselben Charme, den Nintendo-Spiele oft haben, was an sich schon wichtig ist, wenn das Cover das Spiel ergänzen und erklären soll.

3. Geheimnis des Manas

Es gab Cover, auf die ich als Kind lange gestarrt habe. Das war einer davon. Die Figuren im Vordergrund. Der riesige Baum im Hintergrund. Es braucht nicht viel, um Magie zu erschaffen, wenn es richtig gemacht wird. Es ist ein Cover, das größtenteils ein Farbschema verwendet, und deshalb stechen sowohl der Titel als auch die Figuren so gut hervor. Dann ist da noch die Tatsache, dass der Baum und der Rest der Waldumgebung im Hintergrund unglaublich gut gemacht sind. Es ist ein Cover, das in vielerlei Hinsicht Fantasie und Träume einlädt – genau die Gefühle, die mit Secret of Mana verbunden sind.

2. Axelay

Die Auswahl an der Spitze der Rangliste ist schwierig. Ich könnte die Top drei je nach Stimmung wahrscheinlich ganz unterschiedlich einordnen, aber so visuell ansprechend dieses Shoot-'em-up-Spiel auch ist, das Cover ist genauso attraktiv. Der Titel schneidet direkt durch ein Raumschiff und ein Feuermonster. Die Komposition ist perfekt, die Details sind unglaublich, und es ist definitiv ein Cover, für das ich das Spiel kaufen würde. Wie bei fast allen anderen SNES-Abdeckungen hätte ich mir gewünscht, dass die gesamte Oberfläche genutzt wird. Stattdessen bekommen wir diese schwarzen Bereiche mit verschiedenen Logos und anderem Durcheinander. Aber wenn man sich nur auf das Bild selbst konzentriert, liebe ich es.

1. Super Castlevania IV

Egal welche Liste du machst, der erste Platz ist schwierig. So wie ich oben über das Cover geschrieben habe, hätten Secret of Mana, Axelay oder dieses hier sicherlich die Plätze tauschen können. Aber du musst dich entscheiden. Das Cover von Super Castlevania IV ist unglaublich cool. Es ist wieder eines dieser Cover, bei denen ich das Spiel allein durch einen Blick kaufen könnte. Vielleicht hätte der Titel etwas stilvoller sein können, aber das Bild selbst ist fast perfekt. Alle Monster und der gotische Stil sind so gut eingefangen. Besonders gefallen mir die doppelten Drachenköpfe und das Skelett, das über Simon steht, und ich mag auch, dass er farblich von dem ansonsten blau-grau getönten Cover heraussticht. Wenn ich heute so etwas gesehen hätte (und nichts über die Reihe wüsste), würde ich fast ein episches Open-World-Spiel erwarten. Einfach fantastisch.

Spiele, nach denen man Ausschau halten sollte – März 2026

ben@gamereactor.de (Ben Lyons) — Sat, 28 Feb 2026 12:00:00 +0100

Die dunklen und trüben Wintertage gehen allmählich zu Ende und wir stehen nun kurz vor dem Beginn des Frühlings. Nur weil die Tage länger sind und das Wetter milder ist, heißt das nicht, dass du deinen PC oder deine Konsole verlassen solltest, denn dieser März ist vollgepackt mit vielversprechenden neuen Spielen aus einer Vielzahl von Genres. Es wird ein sehr geschäftiger Monat, also schauen wir uns mit der neuesten Ausgabe von Games To Look For an.

World of Warcraft: Midnight (PC) – 2. März

Der Auftakt ist die Rückkehr auf den Fantasy-Kontinent Azeroth für die zweite Erweiterung der größeren Worldsoul-Saga für Blizzards MMORPG. World of Warcraft: Midnight führt uns zurück ins elfische Königreich Quel'Thalas am Vorabend der großen Invasion durch Xal'ataths Truppen – ein entscheidender und entscheidender Moment in der weiteren Erzählung dieses Spiels, der zeigt, wie der Voidstorm droht, die Welt zu überwältigen und in völlige Dunkelheit zu hüllen.

Scott Pilgrim EX (PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S, Switch) – 3. März

Du brauchst keine Einführung in diese Videospiellegende. Der ikonische Scott Pilgrim kehrt in diesem brandneuen Titel, der erforscht, was passiert, zu seinen pixeligen Beat-em'-up-Wurzeln zurück, der zeigt, wenn die Bandkollegen des titelgebenden Helden von dunklen Kräften entführt werden. Die Geschichte wird in eine neue Richtung geführt und Scott tritt gegen drei neue feindliche Fraktionen an, und diese Weiterentwicklung der Formel bringt neue Kampfmechaniken, aufrüstbare Charaktere und viele Geheimnisse.

Marathon (PC, PS5, Xbox Series X/S) – 5. März

Nach weit über einem Jahrzehnt als Destiny-Entwickler zeigt Bungie seine kreativen Fähigkeiten erneut und kehrt zu einer der ältesten Franchises zurück. Marathon ist dieser große Launch, ein Extraktions-Shooter, der in einer kalten und dunklen Science-Fiction-Welt spielt, in der Spieler jagen, plündern, plündern und stärkere Builds zusammenbauen müssen, um immer wieder Zugang zu noch reicheren und riskanteren Missionen zu erhalten. Hast du das Zeug dazu?

Pokémon Pokopia (Switch 2) – 5. März

Der große Nintendo Switch 2-Start des Monats erfolgt kurz nach dem jährlichen Pokémon-Tag und bietet ein sehr einzigartiges Erlebnis im Vergleich zu dem, was wir bisher von der Serie erlebt haben. Pokémon Pokopia ist ein Abenteuer à la Animal Crossing trifft Viva Pinata, bei dem die Spieler die Rolle eines neugierigen Ditto übernehmen, der damit beauftragt ist, Leben und Monster-Charisma in ein ansonsten eher trostloses Landstück zurückzubringen.

Planet of Lana II: Children of the Leaf (PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S, Switch 2) – 5. März

Zu diesem Zeitpunkt haben wir bereits einige große Triple-AAA-Titel im März erschienen, also warum nicht einen kleinen Paletten-Reiniger machen und für ein paar Stunden den Indie-Bereich erkunden? Die Leute bei Wishfully werden mit dem lang erwarteten Planet of Lana II: Children of the Leaf ihre Rückkehr feiern – ein eindrucksvolles und farbenfrohes Abenteuer, bei dem ein Mädchen und ihr ungewöhnlich aussehender Katzenverbündeter verschiedene Biome durchqueren, um ein Heilmittel für die Krankheit ihrer Schwester zu finden.

John Carpenters Toxic Commando (PC, PS5, Xbox Series X/S) – 12. März

Monster, Trucks, Waffen und kooperatives Actionspiel. Müssen wir noch mehr sagen, um dich von John Carpenters Toxic Commando zu überzeugen? Dieser FPS-Titel debütiert und bietet ein Back 4 Blood-ähnliches Erlebnis, bei dem eine Gruppe von bis zu vier Spielern ein gefährliches Level durchqueren muss, Aufgaben erledigt, Upgrades findet und dabei Horden angreifender Monster bekämpft. Erwartet hektisches Chaos in diesem Actionspiel.

Greedfall II: The Dying World (PC, PS5, Xbox Series X/S) – 12. März

Eine Fortsetzung, die im erzählerischen Sinne tatsächlich ein Prequel ist. Genau das hat der Entwickler Spiders mit Greedfall II: The Dying World geliefert, einem Nachfolgekapitel, das nach jahrelangen Verbesserungen im Early Access nun auch für einen groß angelegten Start auf Konsolen bereit ist. Auch dieses Kapitel untersucht, wie das Deutan-Imperium ursprünglich an den Ufern von Uxantis landete und eine Streitmacht bildete, die die Einheimischen des Landes einschränkte und unterwarf.

1348 Ex Voto (PC, PS5) – 12. März

Wenn Sie auf der Suche nach einer weiteren düsteren und authentischeren Darstellung des mittelalterlichen Europas suchen, richten wir Ihre Aufmerksamkeit auf 1348 Ex Voto, ein Abenteuerspiel, das einem jungen Ritter folgt, der sich auf eine brutale Reise durch Italien begibt, um die Person zu retten, die ihr am meisten am Herzen liegt. Erwarten Sie keine glitzernde High-Fantasy in diesem zermürbenden und matschigen Titel, der unter anderem Jennifer English spricht.

Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection (PC, PS5, Xbox Series X/S, Switch 2) – 13. März

Capcom hat in letzter Zeit einen bewundernswerten Job gemacht, jedes Jahr ein neues Monster Hunter-Abenteuer zu präsentieren, und anknüpfend an Wilds von 2025 haben wir 2026 den nächsten Teil der Stories-Reihe, ein Spiel namens Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection. Dieses Rollenspiel folgt einem Rathalos Rider und erforscht die Beziehung, die Menschen zu Monstern eingehen können, und zeigt, wie ein Held versucht, einen schockierenden Bürgerkrieg zu verhindern.

Crimson Desert (PC, PS5, Xbox Series X/S) – 19. März

Was ursprünglich als sehr ambitioniertes Spiel gefeiert wurde, hat sich inzwischen zu einem der am meisten erwarteten Titel des Jahres entwickelt. Pearl Abyss' Crimson Desert startet im März dieses Jahres und bringt ein atemberaubendes und immens breit gefächertes RPG-Abenteuer mit sich, das einem Helden im Fantasiereich von Pywel folgt, das von Menschen, Monstern und übernatürlichen Kräften bewohnt wird. Mit Gefahr an jeder Ecke, wirst du das Zeug dazu haben, deine Legende zu schaffen und dein Schicksal zu umarmen?

Screamer (PC, PS5, Xbox Series X/S) – 26. März

Die Leute bei Milestone sind traditionell für alles rund um Simulationsrennen bekannt, aber sie haben auch Erfahrung im Arcade-Rennsegment, das sie mit dem bald erscheinenden Screamer noch weiter ausleben werden. Dieses von Anime inspirierte Rennspiel entführt uns in eine fiktive dystopische Welt, in der jeder Charakter auf die Straße geht, um Ruhm oder Rache zu suchen, und in der jedes Auto eine Waffe zur Zerstörung ist.

Life is Strange: Reunion (PC, PS5, Xbox Series X/S) – 26. März

Das neueste Kapitel in Square Enix' beliebter, erzählerisch lastiger Abenteuerreihe wird Ende März erscheinen und eine Geschichte präsentieren, die die fortlaufende Saga zweier ihrer berühmtesten Protagonisten abschließen soll. Max Caulfield sitzt in dieser erwarteten Folge wieder am Steuer, wo sie von der zurückkehrenden Chloe Price begleitet wird, die beide versuchen aufzuklären, wie Letztere wieder in Max' Leben zurückgekehrt ist, während sie gleichzeitig die Schuldigen für ein äußerst zerstörerisches Feuer jagen.

Mega Man Star Force: Legacy Collection (PC, PS4, PS5, Xbox Series X/S, Switch) – 27. März

Da heutzutage so viele nostalgische Spielesammlungen erscheinen und bei den Fans große Erfolge sind, fühlte es sich nur natürlich an, das GTLF dieses Monats mit der Ermittlung von Mega Man Star Force: Legacy Collection zu beenden. Dieses Bundle ist auf allen Plattformen erhältlich und vereint alle sieben Spiele der Mega Man Star Force-Reihe zu einem unverzichtbaren Ganzen, das selbst den hungrigsten Arcade- und Retro-Spieler stillen sollte.

Damit endet die GTLF dieses Monats. Seid unbedingt in ein paar Wochen zurück, wenn wir uns anschauen, was der April 2026 für Videospielfans weltweit bereithält.

OutRun wird 40: Wir bewerten die fünf besten Spiele der Serie

marcus@gamereactor.de (Marcus Persson) — Fri, 27 Feb 2026 14:00:00 +0100

Ich erinnere mich noch genau an meine allererste Begegnung mit diesem roten Testwagen. Es rauschte mit unmöglichen Geschwindigkeiten über kurvenreiche Straßen, wich mit einer seltsamen Gleichgültigkeit gegenüber dem Tod Lastwagen und Autos aus, und auf dem Sitz neben dem coolsten Fahrer der Welt saß diese anonyme, aber ikonische Blonde mit ihrem pixeligen Haar, das im Wind wehte.

Segas sonnengetränkter Arcade-Racer war unmöglich aus den Augen zu verlieren, und ihn in einem verrauchten, schäbigen Raum an Bord einer der Trelleborg-Travemünde-Fähren von TT-Line zu finden, war nicht ganz das, was Mini-Marcus erwartet hatte. Natürlich weigerten sich meine Eltern, mir Münzen zu geben, die ich an den Automaten "verschwenden" konnte, also musste ich mich damit begnügen, dort zu stehen, das kleine, harte Kunststofflenkrad zu halten und so zu tun, als ob.

Es war eine Erinnerung, die mir lange im Gedächtnis geblieben ist und tatsächlich sogar den Samen gesät hat, der später zu einer schamlosen Liebe zum Arcade-Rennsport in all seinen Formen aufblühte. Yu Suzukis Meisterwerk veränderte nicht nur mich, sondern auch das gesamte Renngenre und schaffte es im selben Atemzug, eine völlig einzigartige Ästhetik zu schaffen. Es ging ebenso sehr um die Ästhetik wie um die Atmosphäre.

Outrun war fast zu cool für sein eigenes Wohl und legte das Fundament für alles von der Ridge Racer- und Cruis'n-Reihe bis hin zur heutigen Synthwave-Kultur und Retro-Welle. Ja, selbst das Musikgenre "OutRun" trägt seinen Namen als digitales Denkmal neonfarbener Nostalgie, und ohne das Spiel hätten wir Kavinskys fantastische Musik vielleicht nie gehört.

Seit vier Jahrzehnten schwankt die Serie zwischen Spielhallen und Heimkonsolen – mit gemischten Ergebnissen. Die Straße war nicht ganz ohne Schlaglöcher, sozusagen, aber das Herz war immer am richtigen Fleck. Der Traum hat immer weitergelebt, selbst in den dunkelsten Zeiten, in denen Segas Zukunft auf dem Spiel stand: die offene Straße, Freiheit, Abenteuer und ein Sommergefühl, das einen immer wieder begeistert. Um 40 Jahre Magie zu feiern, nutzen wir diese Gelegenheit, um die fünf besten Spiele der Reihe zu bewerten.

5. OutRun Online Arcade (2009)

Leider stellte sich heraus, dass es das letzte OutRun-Spiel war, das wir je bekommen haben. Oder zumindest bis Sega beschließt, der Reihe neues Leben einzuhauchen. Und obwohl der Inhalt im Vergleich zu früheren Versionen etwas reduziert wurde und Lizenzprobleme dazu führten, dass das Spiel später aus den digitalen Stores verschwand, lebt die Erinnerung bis heute weiter. Denn verdammt, es hat unglaublich viel Spaß gemacht, online zu sitzen und gegen andere glückliche OutRunners herumzurutschen, um diese letzten Millisekunden zu erlangen. Die Seele von OutRun 2 war intakt, komplett mit spielerischer Arcade-Physik, kurvigen Straßen und Landschaften, die mit atemberaubender Geschwindigkeit vorbeirauschten, und (natürlich) dieser magischen Musik. Der Online-Modus bot auch etwas, das die Serie zuvor nie gehabt hatte: die Möglichkeit, die Roadtrip mit anderen Spielern auf der ganzen Welt zu teilen.

4. Turbo OutRun (1989)

Wie schafft man tatsächlich eine Fortsetzung zu dem, was damals ein wahres Phänomen war? Mit Turbo natürlich – mehr von allem – schneller, aggressiver und mit klarerem Fokus auf Wettbewerb und Adrenalin. Hier wurde das Urlaubsfahren teilweise durch reines Rennen ersetzt. Du trittst auf den Straßen der Vereinigten Staaten gegen Rivalen an, rüstest dein Auto zwischen den Abschnitten auf und bekommst ein Fortschrittsgefühl, das dem Original fehlte. Es war fast schon ein Proto-Need for Speed, bevor die Serie überhaupt existierte. Puristen schnaubten und die entspannte Atmosphäre war verschwunden, aber es zeigte auch, dass das OutRun-Konzept viel Raum zum Wachsen hatte, und Sega wagte es, viele neue Ideen auszuprobieren. Heutzutage fühlt sich das Spiel wie der widerspenstige und leicht schelmische Cousin der Reihe an. Laut, rebellisch und ein wenig kantig, aber auch ebenso faszinierend und mutig – ein wichtiger Schritt in der Entwicklung der Serie, auch wenn er kaum der ikonischste ist.

3. OutRun 2006: Coast 2 Coast (2006)

Sega und AM2 waren Mitte der 2000er Jahre in bester Stimmung, und mit Coast 2 Coast bauten sie nicht nur auf dem unglaublich charmanten OutRun 2 auf, sondern haben auch fast an Inhalten überdosiert. Es gab Unmengen an Strecken, Spielmodi, Herausforderungen und lizenzierten roten Hengsten zum Freischalten – für diejenigen, die der Herausforderung gewachsen waren. Der Coast 2 Coast-Modus gab dem Spiel außerdem eine völlig andere Struktur als zuvor, und Abwechslung ist etwas, das Freude bereitet. Es war verspielt und ausgewogen, mit einem Driftsystem, das selbst die unerfahrensten Fahrer erschütterte, aber auch viel Tiefe für den vernarbten Veteranen bot. Viele halten dies für das vollständigste Spiel der Reihe, und es ist leicht zu erkennen, warum. Es war OutRun in seiner höchsten Form: größer, besser aussehend und selbstbewusster als je zuvor.

2. OutRun 2 (2003)

Nach zehn Jahren Schweigen tat Sega das scheinbar Unmögliche: Sie belebten OutRun wieder – und übertroffen tatsächlich die Erwartungen. OutRun 2 war eine perfekte Neuinterpretation. Die Grafik war für ihre Zeit atemberaubend, das Geschwindigkeitsgefühl phänomenal, und das brandneue Betriebssystem verlieh der sommerlichen Suppe eine ganz neue Note. Es war immer noch eine romantische Roadtrip, nur auf Technologie des 21. Jahrhunderts aufgerüstet. Die Stücke schlängelten sich durch europäische Küstenstraßen, Wüsten und alpine Landschaften, alles zu den Klängen remixter klassischer Songs – nostalgisch, aber modern. Am wichtigsten war jedoch, wie gut OutRun 2 den Ton umsetzte, und Sega war klug genug, den unverwechselbaren Charme der Serie wirklich zu umarmen, anstatt eine zynische "Coolness" zu versuchen. Das Ergebnis war vielleicht eines der beliebtesten Arcade-Rennspiele aller Zeiten.

1. OutRun (1986)

Wahrscheinlich gibt es nichts, das das bezaubernde Gefühl übertrifft, sich in eine dieser hydraulischen Kabinen einzusetzen. Greifen Sie nach dem steinharten Kunststofflenkrad, stecken Sie eine Münze ein und beschleunigen Sie in Richtung des pixeligen Horizonts. Und obwohl so viele Jahre vergangen sind, funkelt dieses rote Testauto immer noch genauso schön wie eh und je. OutRun ist Videospiel in seiner reinsten Form. Ungezügelte Freude und ein Gefühl von Sonnenschein, Freiheit und digitaler Romantik. Von der (damals) erstaunlichen Skalierung der Sprites bis zu diesen piependen Tönen. Magical Sound Shower, Passing Breeze und Splash Wave – die heute noch leben und als Teil der DNA gedeihen, die die Synthwave-, Indie- und Retro-Ästhetik weltweit prägt. Ob man darüber nachdenkt oder nicht. OutRun ist nicht nur das beste Spiel der Reihe. Es ist eines der großartigsten Erlebnisse in der Geschichte der Spielhalle.

Stimmst du der Liste zu, und was sind deine schönsten OutRun-Erinnerungen?